sábado, 29 de diciembre de 2007

Chemir Colina: "Los libros son y están para todos"


íLa Tierra no es un planeta cualquiera! Se cuentan en él ciento once reyes (sin olvidar, naturalmente, los reyes negros), siete mil geógrafos, novecientos mil hombres de negocios, siete millones y medio de borrachos, trescientos once millones de vanidosos, es decir, alrededor de dos mil millones de personas mayores.


El anterior párrafo a lo vez lo es de un capítulo del cuento El Principito, escrito por Antoine de Saint-Exupéry (Lyon, 1900-1944) una historia escrita de una manera simple que contiene fuerza humana y espiritual sobre la naturaleza del mundo de los adultos.


Lo ponemos justo arriba en la antesala de esta entrevista porque Chemir Colina lo leyó cuando tenía 9 años y ese momento mágico, el encuentro con ese personaje, marcó su vida. Desde entonces todo ha sido prepararse y trabajar en función de la cultura, desde las artes plásticas, la literatura.


Acaba de ser nombrada coordinadora de la Plataforma del Libro y la Lectura Carabobo, cargo que viene siendo como una recompensa después de sus 18 años de indetenible labor. Sus inquietudes la llevaron a estudiar en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, la Escuela de Artes Escénicas Ramón Zapata, el Tecnológico de Música Extensión Valencia, el Centro Piloto de las Artes Contemporáneas y en la Universidad Bolivariana de Venezuela, gestión social. Ha realizado talleres y cursos en expresión corporal, artes plásticas, lenguajes creativos, poesía, museos y ambiente, museografía, gerencia cultural, critica de arte y guía docente. Seminarios de política y cultura, ética e historia del venezolano posible, poetas de América y rostros y tendencias en el arte venezolano, sobre el arte popular. Ha escrito ponencias, investigaciones y textos de catálogos, exposiciones, salones. Es autora de cuentos y durante un par de años (1997-1999) escribió textos sobre artes plásticas en el suplemento cultural de Notitarde, Letra Inversa. Es miembro de la Junta Directiva de la Red de Escritores Carabobo, en la coordinación de promoción de lectura.


¿Alguna idea para comenzar el nuevo reto del 2008?
A mi me ha ayudado mucho que este año 2007 estuviera como asistente de Freddy Rojas dentro de la Plataforma del Libro, encargándome del trabajo operativo y organizativo. Era una labor conjunta entre los dos. Mi primera idea es seguir fortaleciendo lo que ya se comenzó hace mucho. Tengo mis propias ideas en cuanto cómo será el abordaje comunitario, sin embargo nosotros nos regimos por lineas muy directas que bajan dl Ministerio para la Cultura. A principios de enero tendremos reuniones en Caracas.


El trabajo comunitario es la punta de lanza de nosotros, llevar el libro hacia las zonas donde no llega y darle a los niños ese instrumento porque no tienen una biblioteca cerca; dar talleres.


¿Ha habido dentro del esquema de trabajo que realizan algo diferente, llamativo, aparte del bibliobús? ¿Cuentan con más recursos?
Los bibliobús pertenecen a la Red de Bibliotecas Públicas del estado Carabobo. Hemos venido trabajando en conjunto. José Félix Peraza, el presidente de Fundemip, realizó un trabajo invalorable durante los cuatro años que estuvo en la biblioteca. Creó el área de promoción de lectura donde nosotros hemos estado dando talleres.


Freddy Rojas y yo nos movíamos por todo el estado Carabobo dando charlas y talleres; y ellos, a su vez, nos acompañaban a nosotros. Fuimos hasta los lugares más apartados. en la parroquia Negro Primero, por ejemplo, estuvimos un lugar llamado La Fila, donde tuvimos una recepción importante, con un programa que tenemos que se llama cultura en curso.


¿Qué es un libro?
Es todo un mundo. Es conocimiento. Es poder viajar sin necesidad de moverse de una silla. Es un momento para soñar.


¿Por qué seguimos diciendo desde siempre que no se lee en Venezuela?
Tiene que ver con la educación, empezando por la familia. Algunos tenemos la suerte de que nuestros padres y abuelos fueron y son lectores, pero no todos pueden decir lo mismo. La gente cree que leer es algo muy profundo pero se puede comenzar por una tira cómica, una revista. Siempre en los talleres de sensibilización de la lectura que damos, le decimos, más a los representantes que a los maestros, que la verdadera razón de los libros son ellos. Son para ellos. A muchos les cuesta creerlo porque no tienen formación formal, pero es allí justo nuestra tarea.


Hay que romper con los tabúes de lo que se cree es el artista. El libro es para todos, mas ahora, que están las Librerías del Sur, con precios muy económicos; de muy buena calidad.


También necesitamos más Librerías del Sur y más hacia el sur.


¿Se puede separar a los libros del proyecto de socialismo? La lectura es libertad...
Nosotros como Ministerio del Poder Popular para la Cultura trabajamos y creemos en eso. Hablamos del socialismo en el libro no como algo político sino desde el punto de vista de la socialización de la lectura. que todo el mundo tenga la misma posibilidad de accesar al libro. cuando nosotros hablamos del socialismo del libro hablamos de que tenemos una imprenta en Carabobo, que se encuentra en la sede del Ince, para que todos aquellos que tengan la inquietud de publicar un libro puedan hacerlo. Con el mismo derecho. Que todos podamos tener una colección en casa para nuestros hijos, para nosotros mismos. Que el libro circule.


¿Cómo comenzó a vincularse con el mundo cultural?
Estando en el segundo año de la Escuela Arturo Michelena me di cuenta que lo que me gustaba era la investigación en las artes. En ese momento estaban buscando en el Ateneo de Valencia guías docentes, y aún cuando pedían alumnos de cuarto año, el director, Ramón Belisario, envió una carta sobre mis condiciones. Entré dentro del grupo que fue formado y de la selección quedé. Entré en el año 1992 y el Ateneo de Valencia para mi fue una gran escuela. Empecé a crecer allí y al tiempo pasé a trabajar como asistente de investigación, luego asistente de publicaciones. tuve la gran suerte de trabajar con Esdras Parra, Carlos Villaverde, Willy Aranguren. He sido una privilegiada de Dios. He tenido la fortuna de trabajar con gente muy preparada con la cual he aprendido.


En el año 1997 ganó el concurso de cuentos de El Espectador. En el año 1996 envió al concurso de cuentos de El Nacional el cuento "Unos minutos transcurrirán después", que quedó entre la selección de los primeros doscientos. Para el 2008 tiene como meta publicar una recopilación de lo escrito para el mundo del arte durante 18 años, y uno de cuentos, para su hijo, "Abraham Emanuel", a quien ya dedicara "El Niño Constelado" (Notitarde, 29/12/2007, Confabulario).-

sábado, 15 de diciembre de 2007

Caminantes de Yagua: Las parrandas son algo bien sabroso


La parranda, contó José Francisco Agudo, es la fusión de ritmos. De los tambores de los negros que repicaban el tronco hueco del aguacate y las liras de los españoles que venían a bordo de las goletas a la bahía de Patanemo. El indio de los petroglifos de Vigirima le fue dando a la maraca y de esta forma nació esta fusión musical. Luego se insertó el cuatro y demás instrumentos.


Es sinónimo de alegría, algarabía y fiesta. Ronda a la Navidad y las emociones que al final del año se van sintiendo en el repaso de lo acontecido, de lo que se dejó; de lo vivido. Llevan mensajes de hermandad, picardía y amor. Su repique atrae la sonoridad de las muchas cosas buenas que sienten los hombres y mujeres que se reúnen en torno a una celebración, para distraer tribulaciones y rendir homenajes, llenos de candor e inocencia, a creencias más sublimes como el niño Dios.


José Francisco Agudo es uno de los fundadores de la Parranda Los Caminantes de Yagua, nacida el año 1967 aún cuando sus primeros discos de acetato los grabaron en 1968 en los estudios de Luis Alfonzo Larrain, en Caracas.


Junto a él integran el grupo, Andrés Rubin, Angel David Villegas y José Gabriel Agudo.


- Le pusimos a nuestra agrupación Los Caminantes porque como íbamos de un lado a otro a pie, de Yagua a San Diego, tocando, en aquella época donde las distancias eran más largas que ahora o por lo menos así se sentían al no haber carreteras ni medios masivos de transporte.


-Las casas estaban unas a otras distantes. Era otra cultura. Había la seguridad que no hay ahora. Era una época con otra manera de pensar. Fue una época muy bonita. Ibamos caminando, tocando, hasta con golpes de camino.


Si quisiéramos ahora "parrandear" en Yagua tendríamos que estar tocando durante cinco años y no terminaríamos nunca, porque la población creció muchísimo.


¿Cómo van planificando el trabajo durante el año?
Nosotros grabamos nueve o diez tonadas, cada una lleva una letra, y siempre queremos que todas ellas tengan un mensaje, sobre todo familiar. Hacemos estrofas con un sentido general, cargadas de metáfora. Le buscamos una lógica. Le cantamos a la madre, a la afinidad familiar, a la Virgen La Milagrosa, patrona de Yagua. Fuimos cambiando la rítmica. El único miembro fundador que permanece vivo soy yo pero he tenido la suerte de rodearme de jóvenes llenos de talento, buenos ejecutantes y músicos.


¿Nace siempre la amistad entre los parranderos?
Nace la compenetración como en familia, siempre estamos pendientes entre nosotros, de todo lo que nos acontece. El sentimiento de la amistad para nosotros vale mucho. Mantenerse unidos no es sencillo, por las formas de vida, caracteres y demás cosas que pueden ocurrir, pero hemos logrado una buena armonía que ha permitido que hoy estemos felices con la celebración de estos 40 años que cumple la agrupación, contestó Andrés Rubin, mostrando el último CD editado, "40 años".


¿Por qué se conoce a José Francisco Agudo como "Cachilapo"?
"Cachilapo" es un toro cimarrón, sin dueño, sin marca y realengo en el llano.


¿Usted entonces es así?
Lo que pasa es que a mí me gustaba andar solo...


¿Cómo se ha sentido Angel David Villegas dentro de Los Caminantes de Yagua?
Me inicié en la agrupación en el año 1991, tenía entonces 17 años. ahora tengo 32. Todos los años vamos ajustando todo el trabajo hasta iniciar nuestros primeros ensayos, en los meses de mayo y junio. Vamos analizando, complementando y seleccionando los temas, estudiando el tipo de música que le va a cada letra.


¿Cuál es la fecha más importante para ustedes fuera de Navidad?
El 27 de noviembre, Día de la Virgen La Milagrosa, patrona de Yagua. Tenemos un gran compromiso con ella, todos los años. Este año, ese día, nos entregaron una hermosa placa con motivo de los 40 años.


¿Dónde generalmente tocan y cantan?
José Gabriel Agudo, hijo de José Francisco, respondió: Tenemos muchas plazas. Bejuma es primordial para nosotros, todos los años nos invitan allí. Canoabo, Chirgua, Central Tacarigua.


¿Dentro de Yagua?
El Club Centro Amigos, el Club América de Yagua, Club Brisas de Guacara. Todos los años actuamos en muchos lugares, en muchas casas.


¿Dónde están el 24 de diciembre?
Ese día vamos de casa en casa tocando y cantando. Vamos a casas que ya nos están esperando, que previamente han conversado con nosotros, marcamos la ruta y así podemos cumplir con todos los compromisos. Parrandeamos toda la noche y eso es bien sabroso.


¿Qué esperan lograr Los Caminantes de Yagua tras esta conmemoración?
Llevamos 40 años ininterrumpidos llevando alegría y valores culturales a toda la gente. Estamos buscando que nuestra agrupación sea tomada en cuenta y reivindicada como patrimonio cultural del municipio Guacara.


Ya existen grandes parrandas como La Verde Clarita, la Rival Clarita y la Roja Imperial, denominadas patrimonio cultural por lo que nosotros creemos y esperamos que los medios de comunicación nos ayuden a lograrlo porque su fundador, José Francisco Agudo, continúa trabajando, dando lo mejor de sí a la gente y a nosotros, joven generación de músicos, destacó Andrés Rubin.


¿Cómo hacen las grabaciones de sus CD?
Con mucho sacrificio y poniendo dinero del bolsillo de cada uno de nosotros. Es un esfuerzo propio. Para que la parranda no muera. Quisiéramos en este sentido contar con una ayuda que nos permita subsistir más holgadamente. Eso nos permitiría continuar con nuestra labor de una manera más tranquila, como lo pueden hacer otras agrupaciones, como La Verde Clarita, por ejemplo.


Las grabaciones en los estudios han aumentado mucho y los estudios, con su tecnología y tecnicismos, cobran por horas. El costear nuestro trabajo es muy sacrificado para todos nosotros. Hemos tenido noches de insomnio.


¿Cómo se venden los CD?
Los compran los mismos vecinos, las comunidades y en los lugares de trabajo de cada uno de nosotros. Por ejemplo se colocan varios en Pirelli, Coca Cola, y Firestone nos ha realizado donaciones e importantes ayudas.


Agradecieron al resto de los integrantes, Isidoro Ramírez, Joaquín González, Oswaldo González, Jhonny Brea, Pedro Luis Hidalgo, Richard Viera, Freddy Figueroa y Pedro Hidalgo por los aportes y unión. En la grabación del último CD tuvieron como invitado especial a Enrique Bordones, primera voz de un conjunto de parrandas La Unión Sonora del Toco.


Para pedidos y contrataciones: 04124935625 y 02455811561 (Notitarde, 15/12/2007, Confabulario).-

domingo, 9 de diciembre de 2007

Armando Pérez: Hay que poner a volar la imaginación


Antes de marcharse a la ciudad de París, el artista plástico, Armando Pérez, estuvo en Valencia para donar 200 serigrafías a la Fundación de Egresados y Amigos de la UC (Egreamigos), del mural "Justicia" que se encuentra en el nuevo edificio de la Facultad de Derecho en el campus universitario.


"Justicia" es un obra hermosa, cargada de color, con una figura central, y con muchas otras alrededor. Pareciera que vienen y van buscando a esa dama que la historia reconoce con los ojos vendados, esta mujer por la que muchos claman, justo en el recinto donde debe ser honrada, justo en esta nación donde a la hora de solicitarla cualquier cosa puede ocurrir. Pero ella triunfa, con la verdad, incomprable para los mercaderes.


Las serigrafías aportadas para que Egreamigos siga recaudando fondos en realidad están realizadas con una novedosa técnica de chorrito de tinta llamada "gliclée", dentro de una gama de impresión digitalizada, en papel especial, que clonó una nueva obra de arte, con una foto de Anexímenes Vera y la digitalización de Sergio Rojas, de Espacio Chroma.


Pérez es hombre de poco hablar y mucho pensar. Estuvo concibiendo esta obra durante muchos meses y como muy bien lo dice el crítico de arte, Perán Erminy, lo más importante de ella es lo que permanece escondido.


¿Cómo se sintió haciendo el mural "Justicia"?
El mural me llevo bastante tiempo porque hubo que cambiar el proyecto original porque el edifico tiene estructuras de concreto, arriba y abajo, y yo no quise que quedase en el medio de las vigas de concreto. Preferí entonces aumentarlo y en consecuencia resultó mucho más grande de lo previsto. La figura principal hubo que adaptarla en una proporción de casi dos metros, por lo tanto hubo que transformar casi todo. De esta forma quedó muchísimo más aéreo, sin estar encerrado; más libre. Causó mucho más trabajo pero lo importante fue que quedara bien.


¿Se siente satisfecho?
Estoy muy contento.


¿Con qué material fue realizado el Mural "Justicia"?
Fue un procedimiento muy especial, una técnica muy nueva y muy optima, que consiste en imprimir digitalmente la baldosa, lo cual permite que se convierta en copia muy exacta al original. Se acerca mucho tanto al colorido como a la concepción total de la obra.


¿La figura principal del mural es la Justicia?
Yo creo que sí. Sugiere la justicia. Pero se puede imaginar lo que se quiera. No hay interpretación fija. Hay que poner a volar la imaginación. Es importante que el espectador intervenga.


¿Nos hace falta en Venezuela justicia? ¿Cómo lo ve usted que vive en Francia?
Muchísima justicia nos hace falta.


¿Todo arranca de un proceso de enormes injusticias?
De grandes injusticias. Sobre todo el momento que estamos viviendo donde todos los poderes están secuestrados. Es bien difícil que haya una justicia como debe ser.


¿Le causa especial emoción que esté su obra estrenando edificio en la UC?
Pues sí. Me causa una emoción extraordinaria, porque el edificio es muy adecuado para los estudiantes al igual que el campus universitario.


¿Qué nuevos proyectos tiene?
Tengo un nuevo proyecto para Valencia que espero presentar pronto. Me estoy yendo a París para preparar una exposición para finales del 2008.


Soy muy lento con mi trabajo. Pienso mucho. Reflexiono mucho. Me lleva tiempo. Los murales me quitan demasiadas energías.


¿Qué está sucediendo en el universo del arte venezolano?
Algo se está formando como que no vas a poder hacer lo que tu realmente quieras. Eso es grave. Muchas galerías están paralizadas porque las ventas no son las mismas. Hay una atmósfera muy negativas en torno al arte. Se le está dando más importancia a las cosas folclóricas que al verdadero arte.


¿Cuál es el verdadero arte?
La creación. La libertad. Al perder la libertad pierdes todo. Si te la quitan, te cortan las alas.


Si a usted le encargaran un Simón Bolívar, un Ché Guevara, ¿los haría?
No haría el Ché Guevara. Hice a Simón Bolívar en París, con motivo de su centenario, porque nos invitaron a un grupo de artistas venezolanos que vivíamos allí. Me provocó hacer varios retratos de él, interpretados a mi manera. Ahora no lo haría aunque me lo pidieran.


¿Por qué la tendencia en Venezuela de más pintores que escultores?
La pintura predomina porque ella es contemporánea todo el tiempo.


¿Qué extraña en París de Venezuela?
Muchas cosas. Los amigos, el clima tan extraordinario que tiene nuestro país. Nuestro paisaje. Lástima que tengamos un gobierno tan negativo.


¿Qué ha extrañado de París en estos meses que estuvo aquí?
El clima porque me gusta el frío. La gran cantidad de acontecimientos culturales. Las exposiciones. Allí mas bien hace falta tiempo para asistir a tantas cosas que se producen allí. Extraño a mi familia que está allá.


¿Cuál es el país europeo que lo embriaga por su nivel artístico?
Francia. En París siempre hay un movimiento extraordinario. Como allí todo el mundo quiere instalarse, hay un gran movimiento, que no existe en otras ciudades europeas. A pesar del mito todos los artistas aspiran al menos una exposición allí.


¿Qué museo visita más?
El Louvre. Lo que pasa es que él es inmenso. Allí está la historia de la humanidad. Siempre me escapo a ver la Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci.


¿Qué le parece la obra que está encima del Túnel La Cabrera?
Eso es un horror. Me parece detestable. Destrozaron el túnel con esa cosa. Acaba con el paisaje y con todo su alrededor.


Armando Pérez, nació en Sanare, consolidó su vocación de artista dentro del marco figurativista, hallando su propia voz. Estudió entre 1949 y 1955 en la Escuela de Artes Plásticas "Arturo Michelena", donde posteriormente dio clases. Ocupó la sub-dirección de la Escuela de artes Plásticas "Rafael Monasterios" de Maracay.


Al comienzo de la década del 60 su obra "Figura", un óleo sobre tela de 81x111, obtuvo el máximo galardón del Salón de Artes Visuales "Arturo Michelena".


Tiempo después Armando Pérez experimentó en las tendencias abstractas coincidiendo con el desarrollo plástico nacional. Incursionó en el informalismo, y durante dos años vive en Madrid, y al retornar, su obra comienza a vincularse con las formas abstracto geométricas de ordenamientos compositivos y cromáticos hasta instalarse en el cinetismo.


Atraído por este movimiento se marchó a París donde continuó su formación en los cursos de Historia General del Arte dictado en la Escuela de Louvre y de Arte Contemporáneo en la Universidad de Vincennes en 1970.


Pero partir de 1974 abandona el cinetismo y regresa a la figuración que, tendencia donde se inscribe. "Búsqueda", una de las obras fundamentales de Armando Pérez, expuesta en el Vernissage en el Salón Regency, no es otra cosa que "personajes en la búsqueda de un futuro", dijo el artista.


A partir de 1962, se presenta en los Ateneos de Valencia y Guanare, en las galerías Nebli de Madrid, en la Acquavella de Caracas, en la Durban de Barquisimeto, Centro Comercial La Viña de Valencia, en la Galería La Reserve du Bois, Puteaux, Francia, en la Sala de Exposiciones de la Embajada de Venezuela en París, en la Braulio Salazar de Valencia, la Tolouse-Lautrec, de Maracaibo, Aeropuerto de Orly París, Francia, en la Holiday Inn, Strasbourg, Francia, en la "Siete, Siete" de Caracas, y una de sus últimas en 1989, Ars et Comunications, Le Mans, Francia, y el la Athena Saint Brieuc de Francia. Dentro de las exposiciones colectivas figuran muchas realizadas en Francia, Japón, Nueva York, Italia y Londres (Confabulario, 08/12/2007).-

Ricardo Benaim: Busco que los artistas se consoliden


Ricardo Benaim es un creador cargado de estímulos. Su mente va inyectándole a sus manos la forma cómo él ve los colores, las texturas y las formas del universo.


Es un hombre de múltiples proyectos que los ha enraizado con su don de artista plástico. Cree mucho en el poder de la convocatoria. Para él tanto la cuarta como la quinta República han realizado y realizan una nefasta labor cultural.


Vino a Valencia a presentar lo último de su trabajo que está siendo expuesto en espacios del Guataparo Country Club, un poco también para encontrarse con un público que desde hacía tiempo no había presenciado la renovación y la transformación de su arte.


¿Por qué uno de los proyectos suyos une a Colombia y Venezuela en una sola?
Una noche, hace tiempo, me reuní con un amigo colombiano, quien dibujó las siluetas de los países en una sola. Me gustó porque yo soy bolivariano de verdad. Creo en el sueño de bolívar y en el fortalecimiento de las región andina. Hubiésemos sido un gran país.


Fue este Proyecto Mapa bien divino porque le dimos tanto a artistas colombianos como a venezolanos apenas el relieve de las dos naciones unidas. Los primeros 20 trabajos fueron tan extraordinarios que tuvimos que seguir hasta lograr 150.
No eran pintores nada mas. Había escritores y periodistas. Luego lo hicimos con América del Sur. De allí parte el Banco Central del Cóndor.


¿Cómo funciona el Banco del Cóndor?
Después de varios intentos y de una forma más formal hice una convocatoria de 200 artistas para que participaran, apartando el ideal y de esa forma convertirlo en una moneda de cambio e intercambio. Funciona así: Los artistas me dan las obras, le pago la mitad en cóndores y cuando se vende le entrego el resto en bolívares.


Hasta ahora no se ha ido ninguno de los artistas que han creído en él . Se han vendido 60 obras, de esta forma, por lo que el proyecto ha sido autosuficiente, manteniendo una página Web dinámica.


Este proyecto ha sido muy exitoso. Dieciséis empresas a nivel nacional reciben cóndores y pagan las obras, la mitad con esta nueva moneda y el resto con bolívares. Los cóndores son otra forma de estimular el intercambio porque ya son aceptados por los artistas, museos, galerías, compradores de arte, entre otros.


¿Qué es para usted el arte?
Para mi el arte está más allá de lo que uno hace. El arte es lo que uno comunica y lo que uno puede hacer llegar más allá de los espacios convencionales. Es válido, tiene fuerza y luz propia en la medida que traspase y penetre en otros ámbitos.


¿La exposición del Club Guataparo Country Club vino acompañada de intercambios con usted?
No he dejado de ser docente. Lo interesante de esta muestra muy digna que se encuentra allí es que todos los que van se van a encontrar con la obra de un señor que piensa, que sueña, que tiene sus ideales.


Voy a tener conversaciones con todos los que quieran conocer de cerca mi trabajo y a los niños los voy a poner a dibujar sobre el mapa de Surámerica unido. De esta manera lograremos que ellos tengan en su formación un intercambio cultural gratificante.


¿Qué busca con todo ese movimiento artístico que de una u otra manera mueve?
Mi intención con los artistas es que se consoliden más. Que tomen como más fuerza. Sean más unidos y el arte sea más rotundo, más contundente; más incisivo, como en estos momentos que cada quien está como más pulverizado y atomizado por miedos y sus pequeños mercados individuales.


Parte de mi propuesta plástica está contenida en la docencia. Ella vale lo mismo que crear para mi, independiente de que paguen o no.


¿Vive de sus proyectos o de lo que hace en su taller?
Afortunadamente vivo de mi obra, que es mi taller. Me da espacio y energía. En mi propuesta actual voy integrando los elementos del presente como una arqueología del hoy, con una nostalgia del pasado, del romanticismo, del recuerdo. Establezco como una pequeñas historias vagas que se van dejando abiertas para que el espectador las asimile y vea allí la propuesta estética, que lo enganche en forma visual, espiritual.


¿Pero también su obra es muy intuitiva?
Depende de cómo me sienta. Soy un hombre de metabolismo rápido. Dinámico. Trato de vivir decentemente de mi trabajo


Ricardo Benaim realizó estudios en 1972 en el Instituto de Diseño Fundación Newmann, Caracas, Venezuela (1972), en el Atelier 63, París, Francia, de técnicas de grabado (1980/82), y combinó estudios y docencia en el Pratt Institute, New York, (1982/86).


Obras suyas pueden apreciarse en la Galería de Arte Nacional, Caracas; en los museos de Bellas Artes, Caracas; de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; de Bellas Artes, Caracas, de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; de Arte Moderno, Nueva York; de Arte Contemporáneo de Lima; de la OEA, Washington; el Ateneo de Valencia, Valencia; y en colecciones del Banco Mercantil y la Fundación Polar. Exposiciones individuales : (2006) Warishana. Museo Ecológico del Caroní. Pto. Ordaz. (2005) Warishana. Galería Artepuy Caracas. (2005) Maracapana. Galería Art Nouveau, Maracaibo. (2004) Estelas Estelares. Galería Artepuy Caracas. (2002) Rituales Primigenios . Galería Forum y Cecilia González, Lima, Perú. (2001) Rituales Primigenios, Galería Li, Caracas, Venezuela. (1999) Utopías Latinoamericanas. Museo de Arte de las Américas, Washington. (1998) Utopías. Ambrosino Gallery, Coral Gables, Estados Unidos de Norteamérica y Obras Recientes. Galería Cecilia González, Lima Perú. (1995) Ten Years After. Ambrosino Gallery, Coral Gables, EE.UU. (1994) Agua . Ateneo de Valencia y el Museo De Arte Moderno de Maracay. (1993) Procesos. Estudios Linsberg, Buenos Aires, Gaia. Ambrosino Gallery, Coral Gable. (1992) Una Visión de Gaia. Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela, Tierra. Miromesnil Fine Art, París. Tierra. Obra sobre papel, Galería Sextante, Bogotá. (1991) In Libris. The Reece Galleries, New York. Libris. Museo del Libro, San Juan, Puerto Rico. (1990) Recent Pintings. The Reece Galleries, New York. In Libris. Galería Vía, Caracas. (1989) Procesos. Galería Euroamericana, Caracas. Les Voyages Oniriques . Miromesnil Fine Art, París. (1987) Miromesnil . París. (1986) Christie¥s Comtemporary Art Gallery . Tokio. (1985) Centro de Arte Euroamericano , Caracas. (1982) Galería Mendoza, Caracas.


Ha participado en innumerables exposiciones colectivas tanto en nuestro país como en el exterior, en la IV Bienal del Caribe , Santo Domingo. (2001), IV Bienal Barro en América , Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, la VII Bienal de la Habana . La Habana, Cuba, la III Bienal Barro en América Roberto Guevara , Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela; y PaÁo das Artes, Sâo Paulo, Brasil, la I Bienal de Mercosur. Porto Alegre; el Festival Internacional de Arte Ciudad Medellín , Medellín, Colombia, I Bienal del Caribe . Museo de Arte de Santo Domingo.


Entre sus proyectos colectivos destacan (1992-99) Un marco por la tierra (160 creadores Latinoamericanos). (1995-98) Veinticinco por ciento, (1996-97) Caracas Utópica-Orinoco Utópico. (1994-2006) Proyecto Mapa (1800 creadores Latinoamericanos).


Tiene en desarrollo los proyectos Banco Central del Caribe, Banco Central del Cóndor, el Cóndor, unidad monetaria latinoamericana y Proyecto Mapa. Ha recibido los siguientes reconocimientos: (1993) Premio Pintura Juan Lovera . 51 Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, (1992) Premio Dibujo Armando Reverón . 50 Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia. (1984) Primer Premio . Bienal Iberoamericana de Artes Gráficas, Mocha, New York. (1982) Premio de Dibujo. Fundación Juan Miró, Barcelona (Notitarde, 22/12/2007, Confabulario).-

domingo, 2 de diciembre de 2007

María Elena Franceschi: La motivación del artista es sagrada


"Asim Bonanga" se tituló la exposición de María Elena Franceschi en el Museo Quinta La Isabela que estuvo abierto al público hasta mediados del mes pasado organizado por Fundapatria.


El nombre también es el de una canción de raíces africanas impregnada de la lucha apartheid y significa "No lo hemos visto más". Fue entonado como un himno en innumerables rincones del mundo después que Johnny Clegg se atrevió a mencionar a Nelson Mandela quien ya llevaba mucho tiempo encarcelado y a los líderes sudafricanos Steve Biko, Victoria Msengen y Neil Taggett, asesinados por defender la libertad y la vida, dos derechos irrenunciables de los seres humanos.


¿Qué tiene que ver todo lo anterior como introducción a esta artista nacida en la población de Miranda, al occidente de Carabobo? Que ella, desde siempre, desde que se reconoce y muy a pesar de tener una piel rosada y ojos claros, ha realizado esculturas de mujeres negras y pintado rostros de hombres y mujeres afrodescendientes. Es lo que le gusta, lo que ha querido hacer con toda la naturalidad que la guía en la creatividad.


La muestra "Asim Bonanga" tuvo tanto sus esculturas de mujeres negras, sentadas, de anchas proporciones en las caderas y caras risueñas, como sus pinturas de gran formato donde aparecían los colores de vestidos, turbantes; reyes y músicos de Africa, de mujeres con expresiones distintas, en las que dio rienda suelta a la vistosidad y la generosidad de los trazos.


¿Existe alguna explicación de por qué nacen estas expresiones?
Ellos son seres de luz, seres maltratados. Cuando yo presenté mi trabajo hubo una sorpresa aunque ya llevaba tiempo haciéndolo. Hubo un amigo pintor que me visitó en mi taller, Miguel Cabrera, y fue acompañado de su hija, cuando en ese entonces era una niña. Al ver mi obra marcada por esas imágenes me preguntó el por qué de mi insistencia. Fue su hija la que sin esperar mi respuesta empezó a hablar de la esclavitud, del sufrimiento, de la tristeza de esos seres que fueron arrancados de Africa. Esa explicación de su hija, no me la había yo planteado. Me empecé a interesar en este tema hace tantos años que para mi solo los periódicos, las revistas y los programas de televisión existían solo si se referían a las mujeres u hombres negros. Fui guardando imágenes de ellos hasta que un día, sabía, iban a serme útiles.


¿Cómo fue el comienzo de sus negras, en cerámica?
Una vez, con mucha audacia, fui a una tienda de Sofía Imber, del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, metí mis negras en una caja. Cuando regresé para saber la respuesta y la encargada de la tienda me comentó que a Sofía le gustó pero que mi trabajo le había producido mucha angustia, que por qué no sacaba las negras de la caja. Esa fue como una lucesita. Me vi haciéndolas, entonces, escultóricamente.


¿Tuvo al comienzo inconvenientes para mostrar su trabajo?
Al principio, quizás por atrevida, y porque no me había terminado de graduar en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena y me había lanzado al ruedo presentando mi trabajo hubo un personaje que se me acercó para decirme que tuviera cuidado con la forma cómo estaba desarrollando mi trabajo pero otro profesor de allí mismo me dijo que no le hiciera caso a todos esos comentarios porque esta persona que me ponía limitaciones se había atrevido también a romper con lo establecido en un momento de su vida.


¿La intuición es vital?
El trabajo de los artistas también es mucho de la sensación. Por eso es que uno, muchas veces, siente dentro de uno, que lo sabio es que uno guarde para sí los motivos del trabajo mismo. Es como guardar algo sagrado.


¿Se siente cómoda pintando retratos?
Pienso que hacer retratos es muy difícil, yo no hago retratos, agarro imágenes que me impactan, a veces las profundizo, otras veces no, pero yo siento que lo que hago no es voluntario. Para complacer esa inquietud de la gente que todos los días me pregunta por qué dibujo estas imágenes de negros, respondo que todos los venezolanos tenemos esas raíces.


Nunca me descubrí como pintora y creo todavía que no lo soy porque se me daba como más fácil la escultura. Pero un día me dije que quería pintar. Necesito pintar. Es como esa angustia, que está ahí dentro, que necesita salir, y pienso también que es hasta como una reivindicación porque a través de ella yo me puedo expresar.


¿Cuánto tiempo le tomó preparar esta exposición?
Para hacer este trabajo que parece gestual y parece rápido es porque hay ese otro trabajo esclavizante y académico de muchos años. Trabajé en conjunto, haciendo cerámica y pintura.


Mi trabajo escultórico, que poseen dimensiones y proporciones, me satisface enormemente aún cuando me divierte mucho pintar.


¿Les quita el dolor a sus personajes negros?
Yo no he querido pintar la cuestión dolorosa del color sino más bien lo alegre. Relacionar a la persona de color con dolor es como obvio, para mi es mas bien una fiesta, sus sonrisas. Dibujo gestos de ironía que simbolizan su sabiduría.


Mi hija, María Cristina Arcila, quien vio la evolución de mi trabajo desde que comencé a hacer las negras dice que las eternizo en los hornos y que todas ellas, las que sobrevivieron, me cuentan sus historias: " Yo escapé de la plantación, a mí no me tocaron, yo soy feliz, yo no tengo miedo.... son negras que escucharon el pasado y decidieron cambiar la historia... ser felices, cantar bonito. Tienen su espacio ahora. Son madres, hermanas, maestras. Se asoman a la ventana, hay esperanza, caminan descalzas porque el suelo ya no quema, nada es vano".


¿Cómo ha sido su relación con la crítica?
He conocido críticos muy engreídos que sólo valorizan lo que sienten o dicen ellos. Creen que son los únicos capaces de llevar batuta y los que saben. Hay otros que cuando te lanzan poco te dicen que te copias o buscan parecidos en tu obra con otros maestros. Por eso para mi fue una sorpresa grata que me llamaran del Museo Quinta La Isabela para exponer después que traje apenas un CD con el material de mi obra y mi curriculum. Fue además rápida esta convocatoria que me permitió exponer este mismo año, sin tener ningún contacto de tipo oficial. Estoy además satisfecha porque vinieron muchas personas, muchos jóvenes de colegios y liceos que pudieron conocer lo que hago.


¿Usted ha tenido contacto con el mundo espiritual venezolano, alguna de sus figuras es la Negra Francisca?
Yo tengo mucho respeto por eso. En la exposición pasada que se llamó "Candombé" fue milagrosa. Si me preguntas si estaba la Negra Francisca te puedo decir que sí. Yo he visto cine experimental de Africa, documentales y películas que tienen que ver con este Continente y sucedió que una noche me desperté y cuando encendí el televisor vi al Rey que yo había dibujado y que tenía en uno de los lienzos del taller. Lo vi como quien ve una revelación. Era justo el momento de su coronación, caminando con su séquito, con sus dioses y la fuerza de su anaranjado.


María Elena Franceschi es nativa de Miranda, estado Carabobo; se licenció en educación en la Universidad de Carabobo, egresada en Arte Puro de la Escuela "Arturo Michelena" de Valencia, realizó talleres de cerámica utilitaria y escultórica de manos de Gloria Fernández y Mérida Ochoa. Ha realizado muchas exposiciones desde 1986 tanto colectivas como individuales y entre las últimas están Candombe (2005), en el Teatro "Dr. Alfredo Celis Pérez"; Arte venezolano del siglo XX, Megaexposición organizada por el Conac, Museo Nueva Cádiz, La Asunción, Nueva Esparta (2003-2004); y 4 Artistas, 4 Visiones, de la Fundación Pedro Grases, Caracas (2003). Fue vicepresidenta (1994-1996) de la Asociación venezolana de Artistas Plásticos y jurado de en el Festival de Pintura Rápida del Río Cabriales y el V Salón de Artistas Plásticos, del Ateneo de Miranda, ambos en 1995 (Notitarde, 01/12/2007, Confabulario).-