Azul Fortaleza

Trece cualidades

2011-11-06T16:08:00.002-04:30

Jean Shinoda Bolen (1936, EE. UU.) fue profesora de psiquiatría clínica de la Universidad de California durante muchos años. Autora de reconocidos libros, de los que algunos desprecian llamando de autoayuda y otros valoran porque piensan que les enriquece el sentido de la vida, es conocida por sus aportes al universo de la espiritualidad y el feminismo, con recetas sencillas para armonizarse con los últimos años de residencia en el planeta azul. Ella es viva experiencia de ello.

De su libro Las brujas no se quejan (2004, Kairós) puede extraerse lo que ella denomina trece cualidades que tiene la mujer después de los cincuenta y dos años, que de acuerdo a los mayas clásicos, era cuando la persona regresaba –energéticamente- al momento de su nacimiento, con la oportunidad de volver a vivir desde un prisma superior de conciencia. Por razones de espacio lo resumimos, a la vez de motivar su lectura.

1.- Las ancianas no se quejan: “… siente el dolor, puede comunicar su dolor, pero no se lamenta continuamente de sus pequeñas dolencias acaparando la atención y aburriendo a todos…”

2.- Las ancianas son atrevidas: “… es una mujer madura con entusiasmo, pasiones y alma. Cada mujer madura recurre a una fuente profunda llena de significado que se halla dentro de ella misma. ¡Y se atreve a vivir plenamente! …”

3.- Las ancianas tienen buena mano con las plantas: “… En la antigüedad, ser una anciana significaba conocer el poder curativo de las plantas y saber trasmitirlo a las generaciones mas jóvenes: eran “curanderas”, curaban con las manos y con la naturaleza…”

4.- Las ancianas confían en los presentimientos: “… la intuición, función mas elevada de nuestra mente humana, se desarrolla con la madurez y el aprendizaje de la vida misma, por ello debemos confiar plenamente en nuestros presentimientos. Hay estafadores en esta sociedad que buscan aprovecharse de las ancianas, que aún no han desarrollado su capacidad de discriminación… confían en su voz interior en su unidad con el universo, en su gnosis…”

5.- Las ancianas meditan a su manera: “… Mucho antes que se pusieran de modas los gurús en occidente, las antiguas chamanas ya sabían encontrar el momento y lugar para meditar, orar, o cantar alabanzas. Se puede orar o meditar incluso lavando platos, limpiando la casa, esperando en el dentista: se trata de entrar en vibración Beta, cerrando los ojos y mirando hacia dentro. Las mujeres que se preocupan sin cesar no pueden meditar ni orar, en todo caso, recitan retahílas sin sentido. Quizás el término piadosas es el que describe con mayor precisión lo que hacen las ancianas: guardar algo en el corazón y sopesarlo es una forma de meditación… A medida que envejecemos las personas que queremos y ya han muerto van en aumento y en nuestras meditaciones las abrazamos con ternura desde el fondo de nuestro ser…”

6.- Las ancianas defienden firmemente todo lo que les importa: “… Una verdadera anciana es una mujer que ha descubierto su voz que no es ya la voz inocente de una niña, sino la fiera sinceridad de la mujer madura.

La fiera compasión de una mujer anciana (las abuelas de la plaza de mayo) es producto de la protección maternal de la mamá oso…”

7.- Las ancianas deciden su camino con el corazón: “… Ser humano es amar y por lo tanto ser vulnerable al sufrimiento y la pérdida. Ser humano es una experiencia corporal y anímica única en cada persona, que debe descubrir cual es su camino para llegar a vivir sus destino desde su corazón…”

8.- Las ancianas dicen la verdad con compasión: “… La verdad es afilada, un instrumento que puede causar dolor y heridas difíciles de curar luego. Las mujeres tienen tendencia a ocultar la verdad a aquellos que mas les importan emocionalmente, y al actuar así solo aumentan sus debilidades. Si estas sufriendo una relación abusiva, no solo permites que lo peor de la otra persona te oprima a ti, sino que además estas reforzando lo peor que hay en ella…”

9.- Las ancianas escuchan su cuerpo: “… escucha su cuerpo interior, no solo la apariencia externa… sabe que satisfacer lo que nos da gusto al cuerpo y a la psique nos da bienestar…”

10.- Las ancianas improvisan: “… podrían definir la vida como una obra en continua improvisación… Cada etapa es como un movimiento distinto dentro de la gran obra de la vida…”

11.- Las ancianas no imploran: “… El implorar es una dependencia emocional con otra persona porque en realidad nos sentimos inferiores y solo la mujer que se siente prisionera en su relación tiene que implorar aprobación; a menudo son mujeres que sufren o sufrieron malos tratos…”

12.- Las ancianas se ríen juntas: “… La risa se nutre de un pozo profundo de sentimientos: es la expresión de triunfo sobre aquello que pudo convertirnos en amargadas y nos causa risa hoy día y podemos comunicarlo…”

13.- Las ancianas saborean lo positivo de la vida: “… Saborear consiste en focalizar toda nuestra atención en una experiencia y comprenderla de verdad. Se trata de sentir gratitud por ese momento…” (Notitarde, 06/11/2011, Lectura Tangente).-

Fuente: http://ellayelabanico.com/

Jacobo Borges: cintas de savia

2011-10-30T16:54:00.004-04:30

Desde este 30 de octubre hasta el 04 de diciembre, se estará presentando la exposición “Paisajes de la memoria”, del maestro Jacobo Borges, en la Galería Freites, ubicada en la avenida Orinoco de Las Mercedes, en Caracas.

Son catorce obras de gran formato en los que pueden apreciarse unas imágenes que ofrecen panoramas y recreaciones sincronizadas con el color, que alertan sobre la ilusión, sobre la paz que puede alcanzar una obra en sí misma; en la fluctuación como hilo comunicante para alcanzar tridimensionalidad cuando se observan los fondos.

Tenía el maestro Borges tiempo sin exponer en su propia ciudad y por ello es que esta oportunidad es un valioso momento para ver lo que ha estado haciendo fuera del país, apoyado en la computadora, herramienta que lo sedujo por su versatilidad, con la que viene trabajando en los últimos años.

“Trabajo destruyendo”, por lo que cada paisaje nace de diez o veinte posibilidades que él después une con la extremada habilidad que le proporciona el haber estado toda una vida vinculado al color y al haber dominado todas las técnicas de expresión plástica.

Al parecer el maestro estuvo un tiempo haciendo muchos cuadros que no terminaba hasta que un día decidió no volver a empezar otro hasta completar el lienzo de ese presente. Lo que hacía era pintar sobre un cuadro, luego sobre otro y así, sucesivamente.

La computadora le permite guardar desde la primera hasta la última versión. Siempre se regresa a las primeras. Es un asunto de esencia, quizás. En la literatura se dice que todo está en el primer párrafo de una obra.

A partir de allí lo que hace es “unir pedazos con otros pedazos…, soy una especie de arqueólogo”, dice, en esta nueva forma de atrapar el tiempo mientras el cuadro se apodera “de su propia historia”, cosa que la mayoría de los espectadores desconoce y que no se percibe ni siquiera yendo mas allá del trazo, de la seducción casi infantil de las líneas de los colores. Sus obras aguardan un misterio, originado de la forma como fue concebida, a retazos.

La primera impresión que se lleva el público es que es un paisaje alcanzado luego que muchas abuelas se unieran entre si para hacer, en conjunto, una mezcla estabilizada de hilos de múltiples colores, capaces de atraer el mismo perfume de las nubes, recreadoras de imágenes de ensoñación. Cintas de savia conducentes a un final inusitado hasta para la misma memoria.

Pero todos sabemos que sería un lujo demasiado grande para unas artesanas o tejedoras vivir destruyendo, puesto que el tiempo, látigo siniestro, demandaría un interminable ciclo de esclavitud.

De allí que esta poderosa herramienta que es la computadora, con sus programas que muchas veces nacen para fines distintos, cuando los toman artistas consagrados, revelan no solo la fuerza de la mente maestra que los guía, sino una potencialidad que evidencia que no todo está mostrado en el arte, como muchos piensan.

Las piezas del maestro Borges antes de indagar estas técnicas, sobre todo las abstractas, contaban de una rebeldía inusual; un golpe certero a las entrañas de cada hombre y mujer que las veía, generando emociones escudriñadoras de la evolución mental. De la superación, por encima de los obstáculos.

Borges dice que estos paisajes están en su mente. Así lo refleja con sus palabras dentro del catálogo: “Esos paisajes han vivido siempre en miniatura, escondidos de mí. ¿Y cómo pudieron hacer eso? ¡Fácil! Se disfrazaban. Algunas veces detrás del espejo se transparentaban o simplemente desaparecían debajo de gruesas capas de pintura. Se convertían en fantasmas sin que nadie supiera que eran fantasmas, ni siquiera tenían existencia (…) Me convertí en arqueólogo y los desenterré viajando hacia el este y luego hacia el norte, como un marinero loco (…) Así fue que aprendí a mirar de nuevo lo que siempre estuvo conmigo, con ustedes, con nosotros…”

Nacido en Caracas, el 28 de noviembre de 1931, su infancia y adolescencia transcurrieron en los barrios populares de El Cementerio y Catia. Trabajó como litógrafo y dibujante publicitario cuando tenía 14 años, antes de entrar formalmente en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas. Exhibió sus primeros trabajos en el Taller Libre de Arte, en 1951. Ganó su primer premio en el concurso de pintura joven que organizó el diario El Nacional, la Embajada de Francia y la Metro Goldwyn Mayer, consistente en un viaje a París. Logró permanecer en esa ciudad cuatro años y expuso en el Salón de la Joven Pintura, Museo de Arte Moderno, de París. Recibió el Premio Arturo Michelena, en 1960; el Premio Nacional de Dibujo en 1961 y el Premio Nacional de Pintura, en 1963.

Apenas unos datos de la dilatada trayectoria de este artista venezolano residenciado en New York que sigue trabajando incondicionalmente por el movimiento, chorros de luz de la existencia, paisajes de los que regresamos continuamente, casi sin darnos cuenta (Notitarde, 30/10/2011, Lectura Tangente).-

Napoleón Graziani: dinamismo perpetuo

2011-10-21T16:36:00.002-04:30

Napoleón Graziani Bressanutti inauguró el pasado jueves la muestra “Dinamismo” en el Tolón Fashion Mall, de Caracas, compuesta por un total de trece piezas colgantes y dos estructuras móviles que dan cuenta del intenso trabajo que ha desarrollado este joven artista que investiga todo lo relacionado con el arte cinético para él mismo ser un exponente cargado de la fuerza emotiva del color y su dinamismo perpetuo.

“He ido despertando” fue una de las primeras cosas que dijo Napoleón para dar cuenta que la intensidad de sus búsquedas lo han llevado ha entender el mundo que tienen sus ojos por delante. Ya no puede ver masa, lo que ve es la perfecta sincronización de un mundo desprovisto de formas, que todo el tiempo va creando, en un proceso interdinámico y evolutivo que da cuenta de todo lo que somos. Es la luz pero también la transparencia. Es el fondo, pero también la orilla. Es la creación óptica pura y lo es también la ilusión.

Lo cierto es que el arte cinético, con un exponente de la talla del maestro Jesús Soto, para más añadidura venezolano, pareciese que no deja para mucho en opinión de los más sesgados. Pero el mundo del arte es tan amplio que la gente que lo toma con seriedad, respeto por los antecesores, indagación continua y muchos estudios logra dar con unas claves importantes en sus hallazgos que les permite innovar y con el tiempo trascender.

Graziani no está apurado en hacer su obra. Lo que busca es alcanzar su propio sello con un lenguaje universalmente conocido. Por ello mas allá del cinetismo el habla de arte dinámico que es en sí la energía de este movimiento que une colores que crean espejismo de otras tonalidades e inclusive animan fuertes matices que no estuvieron en los cromos originales.

También busca calidad. Y de allí que haya atravesado los penetrables de Soto una y otra vez para reinterpretarlo (pedazos de un gran todo) de formas muy disimiles, ambiciosas algunas, mas sencillas otras; hasta lograr, inclusive, una pieza homenaje al maestro nacido en Ciudad Bolívar, que es una especie de penetrable virtual, en el que invita al publico a colocarse unos lentes y jugar a esa dimensión de hombre-tiempo-espacio, agregándole el vacío.

La mente de este artista cuya muestra estará hasta el 13 de noviembre de este mismo año está algo cansada. Es mucha la energía que requiere la mente para jugar un rol dentro de la cosmovisión del universo a la que invita el universo. Para que se tenga una idea, Graziani trabajó alrededor de dos años en una pieza que apenas concluyó hace unos días. Es una obra grande, de un metro por 50 centímetros de alto por más de dos metros de ancho llamada Gran Vibración Disonante.

“Conceptualmente he avanzado más, ahora tengo que compaginar la producción” dice, aunque la labor de quienes son constantes en el arte puede facturar sorpresas. Es decir, la satisfacción solo puede hacer respirar al artista cuando siente que ha completado el todo, y ello puede tardar más tiempo del previsto.

Otra pieza, de la serie Armonía Dinámica, la tercera, atrae de particular forma porque además del color aditivo que se genera por la forma de usarse los tonos primarios o las diferentes gamas, el uso de los bastoncillos, conos y células hacen un despliegue tan oportuno e intenso mientras el espectador va pasando frente a ella que cobra fuerza la idea de Graziani, porque el dinamismo visual se apodera de este arte, que casi siempre invita a tocar o husmear por los alrededores para descubrir el truco que no es otro que la habilidad de usar los recursos de siempre con otras concepciones.

Seguro está de que “lo que produce la mente es arte” de allí el inmenso trabajo de todos los hacedores por convocar en sus ideas en las piezas que luego pueden comercializarse.

Aparte de tener muchas satisfacciones con exposiciones internacionales tiene el llamado de la galería de Arte Nacional para exponer allí pues a juicio de Juan Calzadilla la inquietud de Graziani, unida a años de investigación y labor silenciosa, revelan a un artista integral, ganado a la fuerza y perseverancia en el arte.

En 2008 ganó el Premio Robert Gumbiner, que lleva por nombre el del fundador del Museum of Latin American Art (MOLAA), reconocido espacio de fomento de los noveles artistas. Tambien estuvo en una colectiva por tres meses en Naples, Florida.

Tiene programado para el primer trimestre del 2012 una exposición en la galería de El Impulso, en Barquisimeto.

Lo bonito de gente como Napoleón Graziani es que aunado al talento se une la sencillez y el esfuerzo. Y toda la explosión de magnetismo, luz y color de su obra, espejismos que logran difumar el mundo y atrapar el contacto con la creación

José Cestero: escenario de luz

2011-10-13T15:38:00.002-04:30

La calle muy vigilada. En casi todas las esquinas del casco antiguo y el boulevard El Conde hay un par de policías. Por ello quizás República Dominicana tiene fama de segura, aunque sus habitantes admiten que ya no lo es tanto.

Tiene tantos contrastes, pobreza y riqueza extrema, que todavía cuando me preguntan que si es verdad que por allí la gente se la pasa cantando y bailando en casi todos los lugares, la afirmación sale espontanea pero imperceptible, como lo es también lo mucho que por allí se vive sin ningún tipo de misericordia.

En esta tierra se siente el contraste que se vive en casi todos los países latinoamericanos sólo que aquí es como fluctuante. Hay tanta energía en esta isla La Española, dividida en dos, que a veces los días de calor intenso son tan parecidos a los de cielo encapotado, que no se entiende muy bien el destino, de Haití y Dominicana, aunque para muchos sea fácil deducir cuál tiene más suerte entre las dos islas.

Alrededor de treinta y cinco puntos de interés colonial dominan el paseo dedicado a los turistas que desean ver toda esa vidriera de piedras que en su mayoría están conservadas por pura calidad de los pedruscos que formaron una gran muralla para defender a los habitantes de piratas y ataques de cualquier tipo.

Fortalezas que tienen espacio también para esconder abandono. Dejadez. Nada nuevo en rincones que nadie parece querer.

Por supuesto que todo este panorama nada tiene que ver con el verde esmeralda del mar, las imponentes villas y todo el lujo que se vive allí, en los lugares más deseados por los turistas, los que no pueden escapar, no obstante, del conjunto de trabajadores informales dominicanos, que aunque bien organizados y muy bien identificados, colman las playas para ofrecer todo tipo de mercancías. Desde caracoles hasta masajes. Langostinos, besos y sexo cash, sin ningún tipo de financiamiento; ofrecidos hasta con cierto descaro. ¡Así será la crisis de los más pobres!

Pero a la par de toda esta mala propaganda que podría ser la descripción de este lugar que igual se termina amando y entendiendo, las razones de saber que somos parte de la misma historia, pues apenas nos separan azules y olas de cresta blanca, lo curioso es descubrir que entre esa fisura, de lo antiguo y lo nuevo, hay enormes potencialidades por descubrir. Seres humanos enormes, andando con sus diminutos pasos por cada ladrillo, pavimento o arena vieja que pisan allí. Porque las playas allí son más longevas. Están cernidas de forma más compacta y tienen añejo sabor salobre.

De esta forma, el restaurador y artista plástico John Padovanni nos presentó al artista dominicano José Cestero, quien se encontraba tomando un café y fumando cigarrillos.

Vestido con una guayabera que allí se llama chacabana, un pantalón marrón claro y con el sombrero típico blanco con cinta negra, un poco gastado por el tiempo y el uso, con sonrisa y amabilidad fue esbozando un poco lo que él hace desde hace ya bastante tiempo. Antes, inclusive, de 1954, cuando se graduó de artista si es que acaso alguien lo que logra es obtener un paso más en el complejo y maravilloso mundo del arte, que nunca acaba, que siempre crece.

Con una mirada entre pícara, gastada pero igualmente acuciosa, gestualmente estuvo hablando del inmenso parecido que tiene República Dominicana con Macondo, el pueblo que Gabriel García Márquez inventó en Cien Años de Soledad, aunque mucho después él dijo que era Aracataca, aunque todo el que lo visita sabe muy bien que no es así.

Cestero se ha dedicado a lo largo de su muy extensa y fructífera obra a pintar personajes comunes de la zona colonial de Dominicana. Vivos o muertos, lo cierto es que en su obra alcanzan una imagen fantasmal porque allí bien se siente el vaho de los espíritus que al parecer intentan pasearse como antaño. La vida parece tener un anclaje difícil de borrar.

También desarrolló paisajes y su obra se vende muy bien, tanto que le permite vivir tranquilamente, con la serenidad de saberse un hacedor constante, con humildad y orgullo, a la vez.

Pero tiene pendiente una exposición en la que él conecta esos dos mundos. El colonial de Dominicana y el de la ficción del premio Nobel. Con picardía va comparando personajes de aquí y de allá, en su conocimiento tanto de su historia, de su arte y de la obra del mismo escritor colombiano.

Las sandalias que lleva puestas Cestero están manchadas de oleo. Colores diminutos, salpicados que ofrecen el hermoso escenario de luz que deben ser sus manos, ejecutando, buscando la paleta gruesa y pesada de tantas pastas y tubos mezclados. Así de infatigable está a su edad.

Observa como los hombres vividos miran al mundo: con cierta deslealtad. La necesaria para escapar de las formas sociales, de las hipocresías, de las bajas aspiraciones que algún día corrieron por las venas.

Con José Cestero nos reivindicamos con República Dominicana. Su piel si está curtida por la estrella que es la vida (13/10/2011).-

Relato con suero

2011-10-07T15:43:00.002-04:30

Cita médica a médicos no convencionales. Para enterarse, sin asombro, que cada cosa que pasa con el cuerpo es un circulo vivido: sabemos tan poco y olvidamos tanto, tan a menudo, que hasta se empieza a filosofar de los trasfondos de los océanos que una vez llegaron aquí desde planetas lejanos, para enseñarnos que todo es un sistema tan inteligente, tan sabiamente concebido, que rotulamos sin apreciar la magnificencia que nos envuelve, que nada tiene que ver con el abultado ego que mueven a unas cuentas conciencias del planeta, que de conscientes nada frente al ser humano, mucho menos cara al universo.

Pero toda esa vastedad se rompe cuando la realidad marca a una aguja introduciendo un nutriente suero que va a recomponer el desajuste energético de los órganos vitales del organismo, igual de perfecto que el espacio sideral, pero que va sufriendo cortocircuitos a punta de tanta ignorancia al momento de alimentarse y de vivir en este desvivir que a veces es la cotidianeidad.

Y allí, en el Centro de Salud Natural, aparece Tibi, diminutivo de Tibisay, porque en lugares así cuando una no tiene mas remedio que ponerse cariñosa, y someterse a una cura porque de alguna manera nos hemos portado ¿mal? con el cuerpo. Sólo queda una cosa: respirar profundo, inhalar, exhalar y mirar hacia la televisión que entretiene bastante cuando se está indefenso, con los brazos extendidos, pero sin hacer ninguna comparación religiosa.

¿Duele? ¿Arde? Destrezas de especialistas. Todo duele, arde; pero hay que aguantar; por la salud. A la final, cuando se siente el resultado, nada inflamó y el dolor ya es parte de la prueba victoriosa, superada.

Después explican, dentro de los estudios de la homeopatía y las terapias alternativas, que dentro del cuerpo cuando las cosas no andan bien ni marchan como deberían, los órganos van jugando a Al Capone. Cuando el hígado no tiene la suficiente energía para funcionar le roba a otro órgano fuentes de vitalidad y, este a otro y, así, sucesivamente.

¡Con este cuadro de maleantes internos hay que buscar el Nirvana!

Comer sanito sanito. Verduritas. Cosas verdes. Muchas fruticas. Frutotas. Cero azúcares. Adiós coffe, aunque realmente hace tiempo que lo alejamos de nuestra vida. Pero llevamos años sabiendo todas estas cosas, pero así es la prisa, la vida empaquetada, fugaz, sin tiempo casi de disfrutarla, que va devorando horas; con sol radiante o escobilla de lluvia renovadora.

Todo el equipo médico trabaja con entusiasmo y diligencia. Las horas allí derivadas se transforman en salud, el sistema va restableciendo todos los circuitos, la energía va saliendo a punta de tratamientos que requiere algo de dedicación y paciencia, aquella que se incumplió por pretender hacernos creer que hay cosas más importantes que la fortaleza de estar y sentirse bien.

Cuando Al Capone y sus gánsteres comienzan a desaparecer y ya no hay robos ni atracos dentro del cuerpo se siente una placidez y una renovación tan buena y justa con la vida que todo empieza a moverse hacia la vitalidad misma.

Conversar también ayuda allí mucho porque entre los pacientes tiene que establecerse una complicidad especial. Allí se entera uno de historias que van rondando el encuentro de un ser humano con otro; las dolencias no cuentan; conocer, aprender y comprender al otro es uno de los asuntos más necesarios para continuar. Un proceso de socialización corto porque hay que tener mucho mas tiempo para alcanzar mucha mayor profundidad en las relaciones, pero compenetrado con la misma realidad nacional: tenemos los venezolanos tanta experiencia de vida, tanta intuición frente a los sucesos y los hechos de la realidad; tanta fuerza positiva a la hora de enfrentar lo que venga, que bien vale la pena renacer en la mirada del mar Caribe que nos envuelve.

Y mientras las vitaminas y los minerales van transformando la fuerza interna de cada quien hay un montón de terapias que van ayudando a reprogramar el cuerpo. Y se puede hacer, cuidando los detalles posteriores que tienen que ver con la buena alimentación. Una Vez más.

Agradecida estoy con el doctor Raúl Bozzone, y su grupo, la doctora Alicia, y Marina, quien a decir de una paciente “parece un personaje salido de la mejor película clásica”, por su forma tranquila, llena de gracia, humildad y sabiduría, a la vez”. Con Noemí, las dedicadas jovencitas, medidoras del tiempo y sus presiones, y por supuesto con Tibi, a quien felicitamos siempre por sus pinchazos. ¡Qué ironía!

El hampa abandonó nuestra humanidad (07/10/2011).-

Clasicismo futurista

2011-09-29T16:32:00.001-04:30

“América”, es la muestra colectiva de arte contemporáneo que se inaugurará el 8 de octubre en el Primo Piano LivinGallery, en la ciudad de Lecce, Italia, en la que participan ocho artistas, bajo la curaduría de Dores Sacquegna. Perdurará un mes, hasta el 8 de noviembre y ha generado una especial atención porque participan seis artistas venezolanos, un italiano y un norteamericano, escogidos por la calidad y propuesta de su obra a través de los últimos años.

Para orgullo de la región central venezolana, entre ellos está José Coronel Ortega, artista ya conocido, con infatigable labor en el campo de las artes plásticas, que últimamente se dedica a indagar en la conceptualización de las iconografías reveladoras que le van proporcionando el manejo desde hace ya más de diez años de la imagen digitalizada, que le ha enseñado el mundo abierto hacia espacios desconocidos, enriquecidos por la luz, el color y el significativo equilibrio que ha ido encontrando a fuerza de perseverar.

El entusiasmo que ha generado se debe a que por primera vez alcanzan reunir a un grupo de maestros latinoamericanos que siguen innovando en el mundo del arte, alimentando el trabajo con la creación diaria, continua; atrapando formas, dimensiones, combinaciones que producen reacciones en los espectadores. A pesar de ser tan latina un italiano y un estadounidense complementan este encuentro que contará con la presencia de todos los artistas, en un esfuerzo por unir sus voces en Lecce, privilegiada por este acierto.

Artistas participantes:

Bartus Bartolomes (Venezuela, 1958), es un artista que en los años 70’ comenzó a poblar calles y espacios públicos con imágenes y palabras impresas en papel, armado con una escoba y un cubo de pegamento para fijarlas en las paredes. Ha publicado varios libros, entre ellos: "Pigmeicidio", "LumpenVisivo-LumpenHaiku", "Flipper, a título póstumo" y "Noche Azul de la Copa".

Carlo Marcello Conti (Belluno, 1941), vive y trabaja en Pasian di Prato. Artista visual desde los años '60, lleva a cabo la investigación sobre la poesía visual. Poeta del performance, artista multimedia, poeta visual y de sonido comenzó en 1961 con Adriano Spatola. Fundó una editorial con su esposa Franca Campanotto, Zeta. Fue un invitado de DADD en Berlín en 1985.

José Coronel Ortega (Venezuela, 1957), vive y trabaja en Valencia. Especializado en diseño gráfico, publicidad. Ha realizado seminarios sobre las técnicas artísticas y restauración, ha creado grandes murales. Dores Sacquegna escribió: entre la figuración y la abstracción, la riqueza narrativa y el rigor formal son las obras del "mundo flotante" que ha creador este artista. Hologramas de la luz, en el que la transparencia juega un papel importante. La investigación pictórica parece en Coronel combinar el género de la fantasía con la atmósfera de la metafísica de Sironi y Carrà, inventando un clasicismo futurista, en el que un nuevo ser vivo pseudohumano ha sustituido a nuestra humanidad, y ahora domina el centro de una propiedad del mundo sofocante.

Sus obras, son fragmentos que muestran un espacio en el borde de la entropía de disolución, el destino de la humanidad. Premoniciones y visiones deslumbrantes.

Astolfo Funes (Venezuela, 1973), vive y trabaja en Miami, EE.UU. Desde 1993 participa activamente en exposiciones internacionales. Sus obras están recogidas en los principales museos de arte contemporáneo como: Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela; Solar, East Hampton, Nueva York, Promoción American Art, de París, la Fundación Nelson Sánchez Chapellín y otras colecciones privadas.

Carlos Anzola (Venezuela, 1970), donde vive y trabaja. Artista y arquitecto. Desde 1998, participa activamente en exposiciones internacionales y sus obras se encuentran en prestigiosos museos y colecciones privadas. Sobre la base del misticismo visionario, Carlos Anzola, artista y arquitecto, desde 1996 llevando a cabo una investigación centrada en el simbolismo de la serie de "rapsodias urbanos", mezcla la pintura, la escultura, la arquitectura y la instalación.

Paola Puppa Zingg (Venezuela, 1978). Estudió fotografía y lleva a cabo la investigación para explorar la belleza exótica y la sensualidad, que captura la esencia y la pureza de la forma con su "realismo mágico". Participó en exposiciones colectivas desde 2004 en Caracas, Santo Domingo y Miami. Paola Puppa Zingg es la única presencia femenina del grupo y también la más joven. Sus temas son íconos de la modernidad y de la gestualidad emotiva de sus historias.

Ricardo B. Sánchez (Venezuela, 1953), vive y trabaja en España. Es uno de los principales artistas compenetrado en el trabajo social. Estudió fotografía en la Escuela Museo de Bellas Artes de Boston, y Ciencias Políticas e Historia en la Universidad de Tufts en Boston, Massachusetts, EE.UU. entre 1971-1975.

Robert Scott Alger (Louisiana, 1972), vive y trabaja entre Londres y Nueva York. Desde 1994 participa activamente en las exposiciones internacionales de pintura, fotografía, video, arte digital e instalaciones. Obras Alger hacen hincapié en la idea de un espacio abierto, un lugar amplio de relaciones, donde se respira una separación fundamental entre el interior y exterior de la arquitectura (donde el espectador) el hogar de todos, cruzó a su vez por las imágenes (29/09/2011)

www.primopianogallery.com

primopianogallery@libero.it

Fuego cortado

2011-09-22T15:37:00.000-04:30

Como todos los años, a mediados de septiembre, fue inaugurado el 38 Salón Nacional de las Artes del Fuego en los espacios de la Galería Universitaria “Braulio Salazar”. La cita no puede ser más importante. Se ha alcanzado una continuidad en esta difícil y muy exigente especialidad. Una vez más los artistas cortaron el fuego para expresarse. Otro año donde se puede tocar el destilado talento de nuestros creadores.

El jurado calificador estuvo conformado por María Teresa Trombetta, Ana Mercedes Carvallo y Gloria Fernández y su veredicto fue el siguiente:

Premio 38 Salón Nacional de las Artes del Fuego 2011, otorgado por la Universidad de Carabobo para Tatiana Tischenko, por su obra Fuera de contexto y punto, en la especialidad de orfebrería.

Premio Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio, otorgado por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura para Manuel Castro, por su obra Cuarenta y dos, en vidrio.

Premio Secretaría de Cultura del gobierno del estado Carabobo, otorgado por el gobierno del estado Carabobo para Cecil Valera, por su Introducción a lo nuevo, en vidrio.

Premio Cerámica Carabobo, otorgado por esta empresa para Irma Antonorsi, Un pedacito de cielo, cerámica escultórica.

Premio Alcaldía de Naguanagua, Giovanni Paseri, Transverberación, en la especialidad de vidrio.

Premio Bolsa de Trabajo “Ángel Ramos Giugni”, otorgado por el Ateneo de Valencia para Ana María Nava, Calma/tormenta, en vidrio.

Premio Ciudad de Valencia para la cerámica escultórica de María Esther Barbieri, Torres de Babel.

Las distinciones de la Asociación venezolana de las Artes del Fuego (Avaf), fueron para los siguientes artistas que trabajaron distintas especialidades:

Cerámica: María Fernanda Guevara, Escena objetual nº 2.

Orfebrería: Alejandra Álvarez Fabro, Buen rumbo.

Vidrio: Ivonne Capecchi, A metra llados

Esmalte sobre metal: Beatriz Valladares, Collar Indígena

Reconocimiento Vitrum, Grupo de Investigación, para la especialidad de vidrio, fue concedido a la artista María López, por su obra Doppler ultrasound.

El reconocimiento de la Asociación Carabobeña de las Artes del Fuego (Acaf), fue en esta edición para Cristóbal Ochoa, por su pieza En la pobreza y en la riqueza…

A la par de toda esa riqueza visual y conceptual que podrá apreciarse hasta el 27 de noviembre en la sede de la galería, todos los días lunes del mes de octubre, a las siete de la noche, el poeta y escritor Alejandro Oliveros, dictará una conferencia dividida académicamente en cuatro partes titulada “Auge y caída del arte moderno”. Resumida así:

10 de octubre: Orígenes del arte moderno. Triunfo “definitivo” de la burguesía y auge del socialismo. La ciudad moderna como proyecto político excluyente. París de acuerdo al barón de Haussmann. Una síntesis dialéctica: aparición de la “petite bourgeoisie”, la futura clase media. Radicalización de la protesta, del socialismo utópico a la dictadura del proletariado. Muerte de la perspectiva clásica (Brunelleschi, Alberti) y aparición de la perspectiva “aérea”. Manet, el impresionismo y la superación de la pintura retiniana “reducción de la pintura a un asunto de ideas”. La búsqueda de Arcadia por Cezanne, Van Gogh y Gaugin. Las fantasmagorías de Seurat. Todo listo para cuando llegue Picasso.

17 de octubre: De Cezzane a Picasso. El sexo como piedra fundacional de la pintura del siglo XX; promiscuidad en “La gran Bañistas” (Barnes Foundation) y violencia sexual en “Demoiselles d’Avignon”. Freud se incorpora, sin saberlo, a la gran aventura del arte moderno. Lo que es inconsciente en Cezanne, es demasiado consciente en Picasso: sublimación y catarsis. Crisis del ideal de belleza grecolatino. El rostro humano, su representación, se libera del canon de Policleto. Lo feo como una forma de lo bello. Una epifanía necesaria: la difusión, e imitación, del arte primitivo. El cubismo y su escritura.

24 de octubre: Expresionismos. El fauvismo y la invención de nuevas armonías cromáticas. El arte moderno llega a Alemania, un “asalto a la razón” donde el mito desplaza con violencia al logos. Los antecedentes de Munch. El expresionismo alemán es un “emocionalismo alemán”. El violento lirismo de Nolde y Kirchner. El rechazo a la ciudad y el hallazgo de Arcadia en la Alemania del siglo XX. Fracaso de la penúltima utopía (la última, en el siglo XX, fue el movimiento hippie). Regreso a la ciudad en ruinas, Beckmann, Dix, Grosz. Prefiguración de la catástrofe. El desengaño de Kokoschka. Lírica (Trakl, Benn) y música (Schoenberg) expresionistas. De un expresionismo figurativo a uno abstracto.

31 de octubre: Abstraccionismos. Malevitch y el blanco sobre blanco. “Action Painting”, la violencia de Pollock, el surrealismo de Gorky, las meditaciones de Rothko y el abstraccionismo pop de Stella. La nueva Escuela de París (Vieira da Silva, Mannessier, Hartung, De Stael, Soulages). El abstraccionismo geométrico, op-art y cinetismo. El neo-abstraccionismo de Gerhard Richter y el neo-expresionismo de Anselm Kiefer. La abstracción en arquitectura y diseño, la Bauhaus (22/09/2011).-

“+Frágil": sin poder distinguir

2011-09-15T16:02:00.002-04:30

Con motivo de los 482 años de la ciudad de Maracaibo el Centro de Bellas Artes, el Consulado y la Embajada de Chile se unieron para realizar el Festival Cultural Chileno que tuvo como invitado al artista plástico José Antonio Barrios en la muestra “+Frágil".

Cine, poesía y arte se conjugaron para brindarle al público asuntos que enriquecen el alma y amplían la cultura de los pueblos y en este sentido se exhibieron filmes como Teresa, de Tatiana Gaviola; Qué Pena tu Vida, de Nicolás López, La Vida de los Peces, de Matías Bize; y Negocio Redondo, de Ricardo Carrasco, enmarcadas dentro del IV Ciclo de Cine Chileno.

Hubo el conversatorio La poesía chilena a través de sus premios Nobel Pablo Neruda y Gabriela Mistral, a cargo de Carlos Ildemar Pérez, actual director de la Escuela de Letras de la Universidad del Zulia, y el escritor Enrique Arenas.

La exposición de José Antonio Barrios, artista nacido en Chile, crecido en Venezuela, permanecerá hasta finales de este mes en la sala del Centro de Bellas Artes, poniendo en la piel de todos los que asistan su enorme sensibilidad y su capacidad para expresar como artista la frágil condición de la especie animal sometida al antojo depredador del ser humano.

Sus obras, a la par del sentido que representan y el nombre que las describen, llegan al espectador como ritual. Madera-jaula que transporta todo tipo de objetos y que apenas ventila con la doble sensación de la materia frágil. Débil el objeto, el mismo hombre y el rutinario desplazamiento de las especies, todavía alertas, desprotegidas ante ciertos códigos invariables: la codicia, la astucia, la miseria y la permanente carencia que parece habitar en una pésima distribución planetaria.

Barrios ha enmarcado su propuesta para atraerlas miradas. Allí se descubren los retablos, maderas encontradas por azar que sirve de excusa para lograr un punto de observación. Una palabra que se repite. Un animal que se nos pierde. Pero el hombre no vacila. Arremete siempre con mayor voracidad.

¿Por qué las tapas plásticas? Es una pregunta con respuesta paciente por parte de Barrios que las coloca de forma armónica en un cuadro, donde predominan apenas unos dos o tres colores de esos productos que vaticinan la muerte de miles de iguanas que al verlas, sin poder distinguir dentro de su código visual, creen que son frutas y mueren ahogadas. Triste sacrificio del derivado oro negro.

La madera, la muerte; un dolor sencillo que se percibe lejos en la inconsciencia. La que es incrementada todos los días y que son pocos los medios de comunicación masivos estimulan. Ese el sello ritualístico que imprime este artista plástico nacido para hacer las cosas de forma diferente, implicado en un aspecto más fidedigno con la vida misma que no acepta medias verdades: de las que muchos pretenden instaurar y perpetuar en la paradójica y frágil existencia humana.

Mención digna a esta nota es el escrito del profesor y estudioso Gabino Matos, integrante de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), capítulo Venezuela. Elaboró un texto enraizado en todos sus conocimientos, con la destreza acumulada en esta materia del que extraemos algunos párrafos:

“… Las obras plásticas de José Antonio Barrios son anotaciones tajantes, críticas, hirientes; una suerte de demandas abiertas que no esperan ser dulcemente contempladas sino más bien agudamente estudiadas. No pretenden deleitar, sino cuestionar, inquietar, provocar y, sobre todo, estimular una de las más altas dimensiones del intelecto: concienciar. Es decir, tener conciencia que se tiene conciencia de algo, de un fenómeno o caso determinado, como bien nos lo enseñara el reconocido pedagogo brasilero Pablo Freire. En este caso concreto, concienciar sobre la extinción de la fauna en general, pero muy especialmente la fauna exótica representada en uno de los reptiles que habita buena parte del territorio nacional: la iguana,; la cual se ha convertido en emblema testimonial de su quehacer plástico.

La intensidad y constancia del mensaje ecologista de Barrios parece inscribirse en aquellas palabras del gran pacifista Mahatma Gandhi: “sostengo que cuanto más indefensa es una criatura, más derecho tiene a ser protegida por el hombre contra la crueldad del hombre”. Esta es la clave interpretativa de la obra plástica y del quehacer artístico de este creador.

La obra plástica de José Antonio Barrios, se torna, en consecuencia, en una serie objetos artísticos bidimensionales y tridimensionales hechos más para pensar activamente que para contemplar pasivamente. Son obras cargadas de simbolismos y referencias, donde las formas interactúan con las palabras, los signos se explanan en significados, los referentes comerciales e industriales se alían con procederes artísticos y donde los objetos encontrados exhiben la expresividad bruta de su materia. Todo ello inspirado en un único objetivo: concienciar sobre la fragilidad de las especies animales, de hacer entender que su protección y defensa es también responsabilidad de los humanos y que la violencia y la crueldad en el trato con animales no puede valorarse hoy como un logro cultural del hombre” (15/09/2011).-

Punto de fuga: belleza y libertad

2011-09-08T16:49:00.001-04:30

Mañana domingo 11 de septiembre en los espacios del Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia la artista Silvia Degwitz presentará “Punto de Fuga”, una muestra que reúne su trabajo en papel donde la línea y los elementos geométricos encuentran correlaciones imaginativas, inventan nuevas formas que enriquecen la bi y tridimensionalidad en tratamientos poco conocidos de esta artista valenciana.

El trabajo que da a conocer al gran público es diferente al mostrado hasta ahora. De la fuerza lirica de los mandalas, con toda la carga cromática y las ambiciones por el equilibrio universal, Degwitz pasa a plasmar una arquitectura simple de figuras geométricas que se hilvanan en perfección hacia las atmosferas que les permiten una conexión con la energía universal.

En esta artista plástica la vitalidad es razón para crear. Sus círculos, arquetipo y ancestro, sus vigorosos y rebeldes caballos, y las diferentes búsquedas que ha llevado hacia adelante indican que el cielo de sus investigaciones artísticas deben estar presentes los elementos que hacen posible la vida en este planeta.

En la propuesta que permanecerá hasta el 16 de octubre se podrá también descubrir la delicadeza de los colores, el tejido que busca engranar y desgranar las infinitas posibilidades de las formas que se comunican con voz sutil hacia el color, las líneas, los círculos, los cuadrados, o los triángulos demostrando una controlada ruptura hacia el espacio que logra alcanzar su arquitectura de belleza libertad.

El maestro Wladimir Zabaleta escribió “La geometría sensible en la obra de Silvia Degwitz” para el catalogo de la exposición: “Cuando lo racional se abandona al espíritu pierde su estructura lógica y se transforma en expresión sensorial. La pintura puede y de hecho lo hace eficientemente, recrea ideas a partir de imágenes. Como lo expone Michelle Foucault en su análisis de “Las Meninas” de Diego Velásquez. Apuntes y observaciones en cuanto a la puesta en escena de los personajes representados en dicha obra y el escenario que lo contiene. Es claro que el planteamiento conceptual de esta obra pertenece al orden de lo racional basado en el campo de lo geométrico, al igual que la resolución plástica es abordada en el plano de lo sensible guiado por el libre espíritu del autor.

Allí se encuentra un antecedente de Geometría Sensible como concepto plástico que se desarrollará como propuesta en el siglo XX, lo que explica que hay formas no dogmáticas en lo Moderno, sin abandonar el campo de las proposiciones. Lo moderno impone la proposición como su centro constitutivo y de ello deviene la idea formal de Pier Mondrian cuando plantea la reducción del lenguaje pictórico a sus contenidos primigenios, o sea, los elementos básicos de sus componentes, como son el color, la línea y la forma: amarillo, azul, rojo, blanco y negro en el color; vertical y horizontal en la línea, y el cuadrado en la forma, para finalmente proponer en lo espiritual que su verdadero tema es la representación de un dios producto de un lenguaje plástico y no de un concepto místico como la historia y la sociología nos tienen acostumbrados. En ese plano Mondrian asocia su arte con lo espiritual y lo eterno, despojándolo de la condición de arte puro que impone la modernidad.

Los signos primigenios y el que mejor los representa como conjugación de todos los opuestos complementarios es la cruz. Silvia Degwitz nos muestra nuevas fuentes conceptuales cercanas al arte a la manera de Mondrian. En su propuesta plástica la resolución geométrica nos conduce hacia una cosmografía que se explica a sí misma, que en las repeticiones, en la destrucción del formato original se aproxima al caos, instalándolo en el puesto del orden. La medida y el orden que generan las tensiones producen un equilibrio activo exponiendo que el transito es el único no lugar al que puede aspirar un creador, la paradoja es que no hay punto de llegada. Lo eterno se funde con lo transitorio.

La gramática ordena y reduce el cosmos. El arte es una propuesta que rompe ese esquema en particular, creando una visión donde el alma tiñe de manera imperceptible pero contundente lo racional, para conducirnos al universo de lo espiritual. Y en este caso dota de un estado sensible a esta puesta en escena donde lo geométrico termina siendo una apariencia.

La obra de Silvia Degwitz al igual que en la propuesta desarrollada por los artistas Alejandro Otero, Torres García, Jesús Soto, Mérida, la geometría sensible aporta a lo contemporáneo una manera no dogmática de comprender lo geométrico. Donde lo programático y lo racional son un contexto más amplio de lo Moderno”.

La sala del Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia queda ubicada en la Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, teléfonos: 0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971.

gabinetedeldibujo@gmail.com / www.gabinetedeldibujo.com

Llegar al akme

2011-08-25T16:04:00.001-04:30

Recientemente fue puesto en esa autopista que es la red, espejo del mundo, virtualidad que no cesa, el blog de la revista Zona Tórrida, con un ensayo del psiquiatra Pedro Téllez titulado “Zona Tórrida: 40 años de transdisciplina”, quien hizo un personal y conciso recuento de lo que ha sido esta trayectoria, de vida y pensamiento, para que ahora todos tengan acceso. Reproducimos este material para motivar su lectura.

“En 1971 se crean en la Universidad de Carabobo dos revistas que marcarán historia: La revista Poesía y la revista Zona Tórrida, con unos meses de diferencia, comparten en sus inicios la mayoría de sus colaboradores, la primera como su nombre lo indica se ocupará fundamentalmente del hecho poético; en Zona Tórrida, si bien se publican cuentos y poemas, la columna vertebral la constituye el ensayo literario. De esta revista, de los colaboradores a lo largo de sus etapas, del género ensayístico y sus posibilidades, nos ocuparemos en el presente homenaje. El primer jefe de redacción de Zona Tórrida fue Teófilo Tortolero, Gabriel De Santis era el director de Cultura y Tortolero el jefe del departamento de literatura, antes llamado Publicaciones (José Luis Bonnemaison acababa de ser electo rector, le antecedió Humberto Giugni); el comité de redacción de Zona Tórrida lo integraban: José Solanes, Daniel Labarca, Eugenio Montejo, Juan Antonio Aldazoro y Alejandro Oliveros. Abre el número el discurso de Solanes en algún encuentro de psiquiatras, y que en la revista titula: La Alienación y los Alienados. Se empieza con ironía: "Si este congreso se hubiera celebrado unas décadas atrás, quizás se le hubiera bautizado Congreso de Alienistas. No es imposible ahora que alguien piense que le convendría mejor el de Congreso de Alienados". Pasa el sabio catalán revista a las teorías sobre la alienación, desde el marxismo hasta la fenomenología. Le sigue una patobiografia de Oscar Wilde por parte de Alfredo Celis Blaubach. Raúl Gustavo Aguirre publica su ars: Biografía de una experiencia poética, le siguen tres poemas de Ramos Sucre y las versiones francesas de Senelier: El Mandarín, Las Suplicantes y La vida del Maldito. Poemas de García Morales y de dos belgas: Hennart y Goffm, cuentos de Esdras Parra y de Dámaso Ogáz. Ensayo critico de Cullere sobre Reynaldo Arenas, y cierran el numero reseñas de Baica Dávalos: Sitwell, Mallarme, Víctor Valera Mora (Amanecí de Bala), Joyce, Espriu. Se intercambia la revista con Creación y Critica, peruana, la colombiana Eco, la española Ínsula, y Poesía de Venezuela. Edita la mejor imprenta del país para el momento: Editorial Arte de Caracas. Las ilustraciones son de Guevara Moreno y Jaimes Sánchez.

En nuestro inconstante mundo editorial, tan importante como el primer número es el segundo, nuestra Universidad posee una buena hemeroteca de estos hijos únicos, solo la siguiente entrega estabiliza el proyecto: una línea entre dos puntos. El dos de Zona Tórrida es un volumen doble (2-3) y múltiple: La angustia y el olvido del ser: Guillent Pérez; Humanismo, estructuralismo y marxismo: Núñez Tenorio; Desarrollo: Motivación central de la educación: Reyes Baena; Nerval visto por Albert Beguin: Montejo; Aurelia en la obra de Nerval: Beguin; El disonante cuarteto de Durrell: Fraiberg; Rilke poeta de la angustia: Téllez Carrasco; el afiche de la exposición Kienholtz: Castellaro; Ficción de lo nuevo: Efraín Hurtado; El humanismo adleriano: Tortolero; Siete poemas: Silva Estrada; Pleno Verano: Palomares; Al conde de Lautreamont: Edgar Bayley, y La evidencia triunfa. La decisión de Guillermo Tell: Baica Dávalos; Mano de mono: Ben Ami Fihman; Un domingo en la tarde: Orlando Araujo. Schiller: Búsqueda de la armonía: Pedro Duno; Coloquio en Sicilia: Victoria Duno. Zona Tórrida desde sus inicios da cobijo a distintos géneros: ficción y no ficción: ensayo, poesía y critica sobre poesía, filosofía, inter y multidisciplinas, médicos que escriben sobre poetas universales como si fueran sus pacientes (Celis-Wilde, Téllez Carrasco-Rilke) transdisciplina, pero trans no como un más allá de las disciplinas, sino como el atravesar de éstas, y valiéndose del ensayo, que atraviesa el objeto de su reflexión. Son 40 años de transdisciplina: poetas ensayistas (Oliveros, Montejo, Ludovico) narradores ensayistas (José Napoleón Oropeza, Laura Antillano, Jesús Puerta), médicos que son filósofos e historiadores (Molina Duarte, Mérida, Rojas Malpica), fenomenólogos, existencialistas, marxismo critico, estructuralismo, psicoanálisis, entre jungianos y lacanianos, por citar algunos afluentes, ciertos colaboradores.

El estilo transdisciplinar de esta revista literaria (que nunca será una revista arbitrada) se mantiene con sus matices a lo largo de sus etapas y redactores: los primeros cinco números de Tortolero y otros (1971 a 1974), del seis al nueve al cuidado del triunvirato de Oliveros, Montejo y Pérez Só (1975 al 76), del 10 al 17 por Pérez Só (1977 a 1989), del 18 al 41 Oliveros (1989 al 2008). Y la quinta etapa (42) que se inicia a cargo de Luis Alberto Angulo.

Los 40 años de una persona para los griegos eran el akme, la edad de mayor florecimiento dentro de esta tradición de sus primeros redactores Tortolero, Montejo, Pérez Só, Oliveros, y sus colaboradores transdisciplinarios, que han puesto a dialogar a los escritores de la Universidad de Carabobo con las mentes más sensibles del país, consigo mismos, con nosotros y con hipotéticos futuros lectores, a través de un dialogo que no cesa” (25/08/2011).-

http://revistazonatorridadigital.blogspot.com/

Diálogo con el mundo

2011-08-18T16:34:00.003-04:30

Cuando la exposición de arte lleva este nombre, Limpiabotas latinoamericano, organizada por la Fundación Cultural que agrupa diversos artistas sin importar su nacionalidad y lugar de origen, llamada Tiempo de Arte, la imaginación empieza a volar. Eso es lo que justamente debió sentir en su hacer el maestro Ramón Belisario al unirse a este compromiso junto a John Padovani Vásquez, otro maestro de la plástica nacido en Cusco, experto en restauración y hombre de enorme sensibilidad social.

El próximo 24 en la sala de arte Ramón Oviedo del Ministerio de la Cultura de República Dominicana se estarán presentando sus propuestas como una forma de unificar un universo del trabajo que aún realizan muchos hombres, mujeres y niños, sostenida por una legión de posibilidades cuando se pone en manos de artistas maduros que han crecido como seres humanos.

Belisario estuvo confeccionando por largo tiempo cajas del lustrabotas. Allí sin duda reside el elemento mágico.

Lo que esta guardado que apenas se ve, organizado o desordenado, con el olor del betún, fuerte, definido hacia el limpio; los colores marrones, azules, vino tinto; junto al negro y al neutro, las franelas manchadas y la que se esconde con especial resguardo, porque es la que dará el brillo final. Y aunque los cajones de Ramón están llenos de colores y en ellos dejó volar su imaginación de acuerdo a los países que representan, no están llenas de implementos, sino más bien de lo que no deja ver la materialización de los objetos.

Supo entonces diseñar en más de veinte cajas los sueños de los lustrabotas, su vuelo por los mismos aires que unen y enternecen a los seres humanos; el deseo de superación comprimido en los pedazos de madera; la intensidad de las vivencias con los símbolos algunas veces expresados en banderas o en signos que van revelando el país que recorren estos trabajadores informales que en muchos lugares forman parte del paisaje urbano o de los pueblos que aún tienen la dicha de unir la fuerza vigorosa de embolar unos zapatos, con los cantos más oportunos de la luz y los pájaros.

Para esta exposición Belisario utilizó muchos colores. La labor parece la de un niño enamorado de la idea de poder dar a conocer las múltiples posibilidades que le brindó la idea. La desarrolló con total libertad y la gran mayoría de las cajas son pequeñas, de un tamaño que obliga al espectador a recorrerlas por dentro, a encontrar los rasgos disimiles y los que se unen en toda la propuesta, limpia y de latente palpitación por todo lo simple que obliga a conocerse; a encontrar un mejor diálogo con el mundo.

Y de ello se trata de esta muestra. De encontrar la manera de hacernos mejores. Los colores siempre lo han dicho. Los artistas hasta los más cargados de trazos violentos, han encontrado la paz; la restauración final que brinda el arte, la posibilidad de amar, en el contexto del todo.

Belisario ha pasado por muchas etapas. Sus investigaciones han sido producto de su gran inquietud profesional. Domina el oficio a su perfección y lo más oportuno que tiene es saberse humilde; congraciado con el poder que otorga la creación.

Quintín Hernández, artista plástico, encargado en este momento de la presidencia de la Avap Carabobo, elaboró un texto, a modo de presentación, de Belisario: “La pátina que alumbra en la tierra el sublime oficio del limpiabotas, ilumina la propuesta estética social de este artista venezolano un camino urbano recorrido incesantemente de ciudad en ciudad pobladas de esperanzas para el oficiante lustra botas.

Un brillo patinado resplandece en la instalación planteada para dignificar el objeto real del creador humanista, quien obsequia una caja de sorpresas al creador del brillo que en sus manos latentes frota las fibras para darles luz.

La estética contemporánea ha inspirado en Belisario una reflexión humanística que lo ha conducido a nutrir su obra con signos sensibles.

En esta oportunidad el artista nos muestra una creación global de múltiples disciplinas conformadas por obras convencionales efectuadas con técnicas de la pintura universal, pero con serias propuestas conceptuales, de lo que debe ser un arte latino americano entroncado en las fuerzas esenciales de la creación heredada de nuestros ancestros”.

Todo el que presencie esta exposición que los valencianos podrán ver este mismo año podrá entender muy bien lo expresado por Hernández. Gravita en Belisario la raíz del principio. Del agua del origen. De la piedra que tuve más oportunidad que la de herir y la de matar.

Vivas, intensas; cargadas de luz y de la sorpresa de encontrar la textura del color por todas partes: así son las cajas de los lustrabotas con los que soñó Belisario; unidos a la misma razón naciente del corazón que busca amar, sentir; estar feliz; lograr la maravilla que ofrece una sonrisa, cuando el trabajo queda bien hecho (18/08/2011).-

Luz Marina Rojas: Penumbras de ardor

2011-08-11T16:51:00.000-04:30

A las siete de la noche del próximo miércoles 17 en la sala de exposiciones del restaurante Casiquiare la artista Luz Marina Rojas mostrará un conjunto de fotografías estenopeicas, impresas sobre lienzo y un par de ellas sobre madera, haciendo un pequeño registro del patrimonio arquitectónico cultural e histórico del país y mostrando algunos paisajes naturales, trabajadas dentro del proceso artístico de elaboración manual de la caja oscura, sin existencia de cámara fotográfica.

Si algo caracteriza a Luz Marina Rojas es su temple al momento de asumir los retos que se le presentan por delante. Como artista siempre está indagando como todos los que tienen dentro de si esa semilla innata de la creación. Esa simiente, quienes la sienten, saben que es intransigente y tirana, pero a la par, tolerante y plena de libertad. Esa bifurcación es la que invita a seguir buscando, ampliando horizontes, sin dejarse vencer por las dificultades.

La versatilidad de Rojas es enorme. Pintura, esculturas, fotografías y joyas son parte de su inquietud innovadora. Tiene un cerebro disciplinado en el arte desde el mismo momento que fue a las escuelas de arte Arturo Michelena y Rafael Monasterios (estudió en ambas y a la par, entre Valencia y Maracay) a buscar información, conocimiento y destrezas para poder desarrollar su potencial, y a ello hay que agregarle la perseverancia con la que ha trabajado a lo largo de los años.

En sus pinturas se observa una investigación personal sobre el mundo simbólico y onírico al que ella regresa también en sus esculturas, pero justo fue su indagación en el esmalte sobre metal lo que la llevo al trabajo de orfebrería.

Una simple mirada al conjunto de piezas revela el vigor, sensualidad y calidez con que desarrolla cada uno de los objetos, como si se tratara de un sortilegio emanado para transmitir fuertes y positivas energías.

Otro artista integral, José Antonio Barrios, interpreta la nueva incursión de Rojas de la siguiente forma: “… integra a su estilo creativo la fotografía retrocediendo en el tiempo, hasta llegar al inicio del arte de la captura de las imágenes, otorgando al fenómeno físico un aura metafísica que vuelve casi heroica la obra de Luz Marina, que ha elevado a la altura de arte y de magia la fotografía estenopeica: una técnica que se conoce desde la antigüedad y que Aristóteles describió con precisión: “Se hace pasar luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero se formara la imagen de lo que se encuentre en frente.”

De esta manera Luz Marina aborda este arte alquímico de congelar la luz sobre el papel en blanco y decide salir a capturar sus imágenes para transformarlas en símbolos al inmortalizar todo el patrimonio arquitectónico del casco antiguo de la ciudad de Valencia. De esta manera hace un llamado de atención denunciando la falta de conservación y respeto por estos edificios simbólicos de la ciudad. Aprovecha el resultado de las imágenes que mágicamente van apareciendo en negativo mientras revela, en la intimidad de su laboratorio, aportando la atmósfera nostálgica necesaria para la contundencia de su discurso temático.

No obstante o como si esto fuera poco, esta osada artista decide llevar toda esta investigación a la actualidad, donde la magia ha desaparecido, deslumbrada por los simulacros electrónicos y digitales que genera la tecnología moderna. Eso no implica que las supersticiones hayan desaparecido, simplemente se metamorfosearon: la fe en la magia o la alquimia se tradujo en una devoción tecnológica, profana y banal que ha terminado por anestesiar nuestra capacidad de asombro.

Luz Marina fusiona estas dos épocas, digitalizando sus fotos e imprimiéndolas sobre tela logrando de esta manera, un tanto irónica, un exquisito resultado plástico rico en técnica y estética, que esperamos seguir disfrutando en sus futuros procesos creativos como en esta exitosa serie de imágenes en penumbras”.

Trabajadora, indagadora y hacedora incansable Luz Marina Rojas tiene un trabajo sólido dentro de la pintura, escultura y orfebrería. Su labor ha sido atesorada. Ha ido estudiando la importancia de la simbología en la especie humana; los sueños, el secreto de las piedras; la curación de los minerales. Todo ello ha conformado una cosmovisión del mundo que ahora nutre con este trabajo fotográfico que denomina Penumbras, abriendo un abanico de interpretaciones.

En toda riqueza creativa existe mucha sensibilidad y de allí la conexión de los artistas con el publico, mas allá de sus propuestas y la tácita belleza que parece enganchar a muchos. Luz Marina Rojas resalta porque en todos sus proyectos pone el tesón y la maravilla del hallazgo. Porque en el blanco y negro de sus obras se palpa el fuego, el ardor reluciente en la mínima luz (11/08/2011).-

La esquina de las gaviotas

2011-08-04T16:29:00.002-04:30

Estaba en el pueblo de Alpistar, de cinco calles, subiendo hacia una montaña que hace de gruesa cárcel, una noche en la que no dominábamos camino alguno porque llevamos mucho tiempo sin visitarlo, cuando a las orillas de un enorme hueco había un conjunto de mujeres rezando.

Eché marcha atrás el vehículo porque no se podía pasar y tuve que dar varias vueltas para poder ingresar de nuevo al lugar donde iba.

Después de saludar a los paisanos visitados, intercambiar ideas muy elementales sobre la salud de los más viejos y los más pequeños, en ese estricto orden, quise salir a respirar y curiosear lo que habíamos visto casi de forma fantasmal cuando llegamos.

Cuando manifesté mi deseo de ir hacia allí todos se rieron y me dijeron una cosa más insólita todavía. Al lugar lo llamaban la esquina de las gaviotas.

Como estaba bastante oscura la calle al mirarla hacia abajo donde creía estaba el colosal hueco que impedía el paso y que se había convertido en una especie de altar, decidí acostarme. El sol es la mejor invitación, al día siguiente, para ver las cosas mejor.

Tras el desayuno colosal, porque cuando la invitación es buena y leal con la memoria está doblemente agradecida, decidía aventurarme y noté que nadie quería acompañarme. Disimulé un poco y caminé hacia allí.

De lo espectral de la noche no quedaba nada. Solo un hueco bastante profundo, grande, que casi rozaba las dos aceras y carro alguno por allí no podía pasar. ¡Menos mal que lo estaba velando porque haberse caído allí hubiese sido casi mortal!

Me dirigí entonces a la bodega de Anselmo para ver qué más podía averiguar. Lo encontré más viejo, más cansado y mucho más callado que de costumbre. No me reconocía y de allí su aspecto más huraño que como lo recordaba.

La esposa, Fátima María, si me saludó con mucho cariño y me dijo que Anselmo estaba muy distinto desde que le había dado un pequeño infarto y estaba sometido a una dieta que lo tenía de muy mal humor.

Con ella no hablé del asunto que eme tenía intrigada y decidí irme de excursión con el grupo de la casa que esperaba, por las montañas llenas de cuarzos ahumados. El grupo era divertido, algo lento, tomaban demasiada agua a cada rato, pero se hizo el camino corto, sudoroso y hambriento también, después de las dos horas de intensidad, calentando por un solo que parecía no haber salido desde hacía tiempo.

A continuación de un día encantador donde hubo recuerdos, canciones, y una parrillada con todos sus aderezos, le pedí a un primo que me acompañara a la montaña que estaba por la parte de atrás, variada de colores de tierra, rojos y negros. Desde allí podía divisarse muy lejos el mar pero era notorio que hasta allí llegaba su olor, combinado en todo el alrededor, ciego; incandescente.

Al atardecer fui a la esquina de las gaviotas. Ya no podía más. Un grupo de mujeres se habían colocado más o menos alrededor del hueco, como lo recordaba. Alguna cantaba, otras las seguían. Invocaban rezos, con toda la sonoridad de la letanía; echaban agua bendita.

Entendía poco de aquello pero en Alpistar las cosas eran así, de siempre. Allí hay como un tiempo detenido, unas horas que no pasan, un hechizo que regresa una y otra vez.

En el grupo había una niña que decía ver como del hueco salían gaviotas y de allí el nombre de la esquina en la que se encontraba un hueco que de no repararse se fue haciendo grande como la noche o así parecía cuando todos se iban y se quedaba la soledad en el espacio.

El resto del pueblo se burlaba, hasta en la misma casa de mis familiares lo tomaban todo el asunto como una cosa de la rutina del pueblo, lleno de cuenta-cuentos, artistas y hombres embusteros. Lo último lo decían las mujeres que ya no creían en ellos. Mas que hombres mentirosos lo que había eran machos con mucha imaginación al momento de inventar donde se perdían en la noche, casi siempre cerca del río, donde hay una casa con rumba hasta el amanecer.

Pero fue José el que me dijo la verdad de todo. Lo que él pensaba que sucedía. Al calor de una velita encendida a la Virgen María, comiendo un pan relleno de queso blanco con mortadela, me contó que las gaviotas venían al pueblo desde hacía mucho a hacer sus nidos en la montaña y que él no creía que salían del hueco como había visto la niña pero que en todo caso era un buen augurio para Alpistar la visión de la pequeña.

Bonito era pensar que así suceden las cosas y quizás por ello allí, aunque tampoco se reparen huecos, por lo menos de ellos, salen sueños (04/08/2011).-

Un erizo con una araña

2011-07-20T16:47:00.002-04:30

“Si yo fuera Jennifer López haría exactamente lo mismo” dijo casi para si misma, y para quien estaba cerca la escuchara, aunque algunos otros, sin querer y un poco más apartados, también se dieron por enterados. Mira que tener que pensar en estas cosas. No hace falta ser famosa para hacer exactamente lo que uno quiera, es más, cuanto menos te conozcan mejor, así se hacen las cosas con mas libertad, pensó Antonieta, mientras miraba de reojo a la mujer que en la fila del banco, conversaba animadamente con otra, intentando desprenderse del tiempo al que se le saca el mejor provecho posible, dentro de su enorme miseria.

No pudo escuchar mas nada y tampoco le interesaba. Divorcios. De los famosos, ¡qué cosa tan fastidiosa! Dan para meses de encabezados, para las miles de conjeturas. Ellos están en las bocas de tantas personas que son capaces de repetir tantas mentiras que no es que estas se vuelvan verdad a fuerza de decirlas, es que son falsedades que parecen necesitar muchos para ampliar la menuda existencia que tienen.

Al final todo es una ficción. Poco importa la verdad y esta es un asunto individual porque en todo caso la pareja fracasó, triunfaron las singularidades de cada quien.

Lo íntimo pareciera no existir, pero está allí, del color que se le quiera poner. ¿Hacer lo mismo? La verdad que hacer lo mismo de algo que a la final no se sabe es algo como loco. Pero eso no impide vivir y vivir bien. ¿Cuántos locos no hay por la vida haciendo de todo, lo que la gente se pueda imaginar y lo que no, y pretenden que son muy pero muy felices?

¿Lo serán? Pero… ¡qué importa! En cuanto al famoso, el marketing, es el que marca la pauta. En los que viven sin esa engañosa compañera que es la fama la cosa puede ser muy distinta porque hacer lo mismo que la López es algo así como hacer lo mismo si uno se encontrara, como ya ha sucedido, con un hombre embarazado. ¿Qué haces? ¿Como digieres eso? Te tienen que dar muchas explicaciones y la verdad es que ninguna conmoverá porque todas se verán desde la óptica que limitadamente han enseñado: blanco o negro; y grises contaminados, de todo lo inimaginado también.

Antonieta intentaba leer un libro estilo Agatha Christie para ordenar el desorden que siempre existe mientras se espera inútilmente. Pero el mensaje le seguía dando vueltas en la cabeza. A veces se pegan ideas como enredaderas a un árbol.

Imitar a los famosos suele ser esclavitud de muchos. Pero la atracción parece ser tan enorme que la mimesis se ha difuminado hasta en los rincones más tribales del planeta. Por rincones apartados del mundo se encuentra un plástico de “civilidad” machacando entre las sienes de la conciencia que nuestras marcas son livianas. También severas.

Antes, después, ahora: la misma cosa.

Antonieta necesitaba en este punto de su pensamiento reírse un poco porque se estaban poniendo demasiado intensa. Lamentó no andar con su marido quien le estampaba un beso y la llevaba a cobijos que solo se consiguen con ojos cerrados, para olvidarse justo de las ideas que volaban por los cuatro puntos cardinales de la mente.

¡Que bueno que la mente tenia muchos mas cobijos! ¡Y no tenía sabor! Porque habrían pensamientos menta pero también se descubriría mas hiel de la que la humanidad podría tolerar.

Vamos a ver. En esta fila llena de simpáticos coterráneos, perfumados en su mayoría, muy bien vestidos, luciendo lo que tienen y lo que podrían dejar de tener, había una mujer que hubiese hecho lo mismo que la cantante puertorriqueña. ¿Dejar a un marido feo y flaco pero muy talentoso? Otra pensarían: ¿y rico? ¿Engañarlo? como dicen… Porque cuando se trata de famosos todos piensas que son cosas de arreglos… Para los demás, generalmente, va la visión de todo lo malo y para la intimidad la resolución de lo que no sabemos.

Los famosos terminan pagando la frustración de lo que se quiere y no se hace. Pocos de ellos son originales y los que realmente se dibujan por allí huyen del primer motor de la mentira: los medios.

Para que este mundo funcione todo tiene que ser predecible y cuando no es así se inventa.

Antonieta se dio cuenta que estaba entre Jennifer y Agatha. Era como comparar un erizo con una araña. Si tuviese que inventar una novela de suspenso, con asesinato de por medio, estaría en un gran aprieto. La Christie era sumamente cuidadosa al momento de escribir sus tramas y como sabia de antemano quien era el asesino, los regodeaba en una serie de trucos narrativos que fue aprendiendo con la paciencia que da la pluma, la revisión, el gusto de lo que se esta haciendo, para retar la inteligencia de la planificación.

Jennifer, afortunadamente, no inspira asesinato alguno, solo seguirla en no se que… Toda una ficción de la realidad de muchos (20/07/2011).-

Pérez Só: masticada lucidez

2011-07-14T15:31:00.003-04:30

Cuando uno lee la poesía de Reynaldo Pérez Só comprende y siente un nuevo lenguaje poético trazado por años de amor hacia la palabra y en su último poemario Rosae Rosarum esta sensación se vuelve más honda y más libre también.

“… rosa de los vientos / (la menos rosa de las rosas / sobre papel /brújula en mesa de barco / con trazos y direcciones de vientos)/ ve rosas donde no hay rosas / pero sueña la rosa que desea / imagina vientos exactos/ el barco creído centro/ y la rosa de imago hecha de aire…”

“… (aunque como la rosa se mueve más que ella su entorno / aquí la rosa no es belleza / pues pertenece al hombre / al calcular la frecuencia de los vientos)…”

“… rosa híbrida / se luce en nombres / y halagos / la mestiza se disuelve / en su multiplicidad / que dura /la vida es un /esqueje a otro /esqueje / que maquilla /a la rosa…”

Sus palaras asoman un viaje litúrgico hacia la rosa, imagen que galopa en la mente con la fuerza del color, con la fragilidad ineludible para describir la mayor de las fuerzas; con la necesidad de ir descifrando sus múltiples y sensibles voces, ampliando cada momento su inefable dimensión.

En el VIII Festival Mundial Poesía, realizado en Caracas, entre el 12 y el 18 de junio, se le realizó un homenaje nacional y fue presentado este su último libro, leído y presentado en el espacio de Librerías del Sur Valencia (C. C. Camoruco) en un encuentro sencillo con este hombre, por todos conocidos en esta ciudad, organizado por el Grupo Li Po y el Grupo Literario Enriqueta Arvelo Larriva.

Allí el ensayista José Carlos De Nóbrega leyó su investigación titulada “Elogio panorámico a Reynaldo Pérez Só” en el que descifra con mucha serenidad (la misma del poeta) su encuentro con la obra de este hombre que ha trabajado y estudiado incansablemente.

Ha publicado los poemarios Para Morirnos de Otro Sueño (1971), Tanmatra (1972), Nuevos Poemas (1975), 25 Poemas (1982), Mirinda Campo (antología, 1984), Matadero (1986), Reclamo (1992), Px (1996), Solonbra (1998) y Antología Poética (2003 y 2006).

También publicó el ensayo Fragmentos de un Taller (1990) y el monólogo Sucre, Estampido de Dios (1995).

Ganó el concurso de cuentos del diario “El Nacional” en 1999 con Viento Sur.

Para De Nóbrega, “Desde su primer poemario hasta el más reciente, incluyendo poemas dispersos en publicaciones periódicas diversas, la poesía de Pérez Só descansa en la desnudez y la transparencia estilística, amén de lo fragmentario e inmediato de la expresión poética en la recreación del discurso de voces disímiles que estremecen su mundo interior”.

“Tanmatra se nos antoja una consolidación de esa sorprendente voz poética que aborda el laberinto de adentro –me llamo legión porque somos muchos- sin remedar ojos rasgados por navajas, mucho menos aprisionar las imágenes en medio del estrépito de demoníacos traseros fusilando atmósferas surrealistas que le faltan el respeto al Bosco o a René Magritte. Habíamos anotado en anteriores oportunidades que Pérez Só maneja magistralmente, aquí y en el resto de su obra poética, el encabalgamiento y la anáfora para reivindicar el concierto abstruso y la más de las veces ininteligible que nos acosa cotidianamente, y que paradójicamente nos conduce a una posible vía de expiación: me escondo de mí / me asusto / he llegado tarde ya / cambiaron mis campos / trabaja la muerte noche y / día como mi padre / tengo que esconderme no importa / dónde / debo esconderme”, explicó De Nóbrega al referirse al segundo libro publicado, de sonoro nombre.

Sobre uno de sus libros más polémicos, Matadero, dijo: “Pérez Só insiste con su visión propia del poema breve, su despojo formal y su multisugerente ruptura semántica, para transitar una tonalidad más descarnada y cruel que se derrama sobre el cuerpo poseído por un erotismo caníbal, fatalista y fetichista.

Apunta Liscano que el conjunto desarrolla “una visión despedazada de la sexualidad, del cuerpo, de la carne expresada con una escritura que sigue siendo la suya, pero entrecortada, tasajeada”. He aquí una muestra estremecedora que raya en dura palabra masticada por la lucidez: deben trabajar / en el matadero / fruncir la carne / sobajar los muslos / para decir el arte es mío / aprender a dar a cambio / de otro dar a cambio / y luego forman el amasijo / del mañana / el sí substituye / al ojo o al sentido / hasta que tasan todo / sin poder oír / el verdadero precio”.

Como co-fundador y director durante muchos años de la Revista Poesía que edita la Universidad de Carabobo, referencia obligatoria para todos los estudiosos de letras del mundo, se dedicó con esmero a realizar el trabajo certero y limpio de quien cuida a la poesía y a los poetas como la más preciada de las rosas. Rosae Rosarum. Su labor no ha pasado desapercibida. Gracias a su ejemplo son muchos los que continuaron este trabajo riguroso-hermoso de hacer de la reflexión y la búsqueda creativa el rincón perfecto para ampliar al mundo (14/07/2011).-

Modelo matriarcal

2011-07-07T16:45:00.002-04:30

“Es el momento oportuno” fue el titulo de un encuentro realizado en el mes de mayo de este mismo año realizado en el Salón Congreso de Thonhalle (St.Gallen, Suiza) adornado con enormes y coloridas telas que contenían imágenes de diosas femeninas, muchas de ellas desconocidas para una buena cantidad de personas, porque algunas tienen presencia mítica, desde la misma época paleolítica.

Si bien el titulo no dice mucho sobre qué tipo de materia fue analizada lo cierto es que se trató del III Congreso Internacional sobre Estudios Matriarcales. El primero fue inaugurado en Luxemburgo en 2003 y el segundo en Texas en 2005, ambos bajo la dirección de la Academia Hagia y el Centro de Estudios de la Economía de la Donación.

El encuentro de este 2011 fue organizado y dirigido por Heide Goettner-Abendroth, filósofa alemana y directora de Hagia desde 1986, Academia Internacional de Estudios Matriarcales y espiritualidad matriarcal de Alemania; y por la suiza Cécile Keller, codirectora de Hagia desde 1997, investigadora de la medicina matriarcal.

Francesca Rosati Freeman escribió un artículo para la Universitá delle Donne, traducido al castellano y recogido en el blog que señalamos al final de este artículo, donde resume parte de todo este acontecimiento de cuatro días. Allí se reunieron investigadoras, profesoras universitarias, mujeres pertenecientes a matriarcados, escritoras, autoras, artistas y periodistas, para compartir sobre un mismo tema: el modelo de sociedad matriarcal, un modelo de sociedad no violenta, configurada alrededor de los valores maternos, basado en la igualdad de los sexos, la toma de decisiones por consenso y una forma de espiritualidad que identifica la divinidad con la naturaleza, valores que deben proteger nuestro planeta de la destrucción a manos del patriarcado.

Las reflexiones hablan por si solas. Tomamos algunas para lectores, para tener una idea sobre este tema.

En primer lugar parte del Manifiesto: “Estamos asistiendo a una serie de terribles cambios acelerados a diferentes niveles: la radiación contamina el mar, el aire y el suelo; la Madre Tierra nos sorprende en Haití, Nueva Zelanda y Japón porque antes no escuchamos sus gritos en Nueva Orleans y Tailandia; las mujeres son aplastadas bajo una pesada carga; hombres y niños emigran en busca de supervivencia y esperanza; los combatientes por la libertad son sacrificados y perseguidos; la explotación de los recursos de la Madre Naturaleza no tiene fin; los tesoros y la sabiduría de los pueblos indígenas son saqueados para beneficio de las grandes empresas; unos pocos ejercen poder sobre muchos; el fascismo se expande como un fuego escapado de control; guerras innecesarias e interminables continúan en diversas partes del mundo; muchos son los fieles de la religión del todopoderoso Dólar. Nos acercamos al borde del precipicio por una enfermedad llamada patriarcado capitalista.

Nosotros, los humanos, hemos herido a la Madre Naturaleza de muchas maneras: alterando el equilibrio natural, profanando la tierra y el agua, el cuerpo y la dignidad de las mujeres, los niños, los trabajadores y los pueblos indígenas. Es hora de detener esta locura: ¡Hay que tomar otros caminos! ¡Basta de destrucción! ¡Basta de energía nuclear! ¡La guerra no es nuestro idioma! ¡No toleramos más violencia contra la naturaleza y la humanidad! ¡La vida es preciosa! ¡La naturaleza es valiosa! ¡Una sociedad de paz es posible, y HOY le damos inicio! ¡Nosotras, que somos madres e hijas de madres apoyamos la economía de la donación que siempre hemos practicado, los valores maternos del cuidado, la alimentación, la responsabilidad, la construcción de la paz y la redistribución, practicada por todas las comunidades indígenas y matriarcales que viven en armonía con la Madre Tierra! Hacemos un llamamiento a todas las naciones a deponer las armas, a desmantelar las instalaciones nucleares, a poner fin a la destrucción de la naturaleza, a limpiar el agua, el suelo y el aire AHORA”.

La escritora de Rosati Freeman, autora de Bienvenida al país de las mujeres, (2010) reseña: “La solución a estos problemas reside en el modelo matriarcal, nos dicen por unanimidad las ponentes de este tercer Congreso Internacional que, llegadas de todo el planeta, exponen sus experiencias, sus investigaciones, sus estudios y políticas matriarcales, que consisten en la creación de una sociedad pacifista marcada por la igualdad entre los géneros.

Ejemplos de este tipo de sociedad existen desde hace milenios a pesar de los persistentes intentos por parte de diversos gobiernos para hacerlos desaparecer o aislarlos, como la sociedad Khasi, en el noreste de la India, que están recibiendo el impacto negativo y las consecuencias de la globalización…”

Más adelante el artículo da muchos y numerosos ejemplos de sociedades matriarcales exitosas a lo largo y ancho del mundo, por lo que invitamos a todos los lectores a ampliar este interesante tema al que se dedican muchas mujeres sin que tenga tanta difusión como otras noticias (07/07/2011).-

http://revolucionmatriarcal.blogspot.com/2011/06/es-el-momento-oportuno.html

Colección Construarte: imprescindible

2011-06-29T15:57:00.000-04:30

En los espacios de la quinta La Isabela, sede de la Dirección General de Patrimonio Histórico y Cultural, se está exhibiendo la ahora colección de la revista Construarte que ha llegado a su quincuagésima edición, en ocho años de labor editorial, presentando tanto en sus portadas como en su interior, obras de artistas regionales y nacionales, que muestran su talento a través de las fotos y su estética personal a través del texto.

Si bien el tema de la publicación está ligada como su nombre lo indica está ligado a lo que es la construcción y la arquitectura esta identificación de colocar siempre en portada la obra de un artista la ha identificado en un aval mas que necesario con el arte.

Producto de este respaldo y de un intercambio mas que inteligente con los artistas, al termino de cincuenta revistas existen cincuenta obras de artistas plásticos venezolanos, reconocidos y de innegable talento, muchos de ellos ganadores de los principales premios nacionales, que hoy se presentan en los espacios de este Museo con el respaldo de la Secretaria de Cultura de la gobernación de Carabobo.

Los editores de Construarte, Adriana Álvarez y Jesús Matos, ya habían mostrado el orgullo de tener una colección tan importante cuando cumplieron tres y cinco años. Ocho años y cincuenta obras irrepetibles también ameritan de esta celebración, abierta al público.

Es una muestra colectiva variada e imponente que ameritó las muy precisas palabras del doctor Gabino Matos, miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), capítulo Venezuela, en un análisis que no tiene desperdicio y del cual nos apoyamos para motivar a presenciar el universo de los muchos artistas que tienen el arrojo de serlo:

“… Un conjunto de cincuenta piezas, afines a las cincuenta ediciones de la revista, se reparten entre pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y orfebrería. Todas ellas ubicables en las grandes categorías de abstracción y figuración. Si bien es cierto que estas categorías son siempre imperfectas, no dejan de ser útiles y pedagógicas a la hora de tener una primera aproximación a la diversidad formal y expresiva de un conjunto de obras de arte.

La categoría figuración se explana en pinturas y esculturas donde se renuevan temáticas paisajísticas, representaciones de la figura humana y recreaciones de la naturaleza vegetal y animal. Integran un conjunto de resoluciones plásticas que dejan constancia del manejo sostenido de los códigos artísticos convencionales renovados en la plasticidad de sus proporciones, cromatismo, volumetría, espacialidad y materialidad.

También se reinventa en ellas la dimensión estética a través del juego armonioso y libre de recursos expresivos como la fragmentación, la distorsión, la estilización y la transparencia, entre otros. En pintura destacan las obras de Braulio Salazar, Carlos Zerpa, Ramón Belisario, Francisco Bugallo, Enrique Lobo, Clemente Martínez, Aldo Muzarelli, Suardo Castillo, Rubén López, Valdemar Romero, Marcos Cupido, Ector Hernández, Mauro Nascimbeni y Koresius Beluche.

La figuración escultórica se explana en las obras de Marcastillo, Alexis Mujica, Rubén Calvo, Adolfo Estopiñan, Mary Nascimbeni, Yelitza Díaz y Carlos Rojas.

La abstracción es una categoría genérica que se ramifica en otro conjunto de propuestas plásticas identificadas con el geometrismo unas y con el lirismo expresivo, otras. Las obras abstractas geométricas exhiben su rigurosidad en el cálculo en su ejecución estructural así como en el fino acabado de sus texturas y colores. Dentro de esta categoría abstraccionista de vocación geométrica, en el ámbito bidimensional, se encuentran las obras de Jorge Véliz, Rómulo Contreras y René Busnego.

Las obras ubicadas en el abstraccionismo lírico-expresivo predominan el gesto espontáneo, el trazo decidido, la materia texturada, la libertad compositiva y el cromatismo integrado. Son propuestas donde quedan fusionadas mancha y trazo, proceso y materia, forma e idea. De esta categoría dan cuenta las obras de Rolando Quero, José Páez del Nogal, José Coronel, Leonardo Salazar, Nordys Velázquez, Oscar Villamizar y Miguel Díaz Granados.

La escultura abstracto-geométrica se concreta en los volúmenes reales o virtuales presentes en las obras de Jorge Zerep, Rafael Martínez, Fabiola Sequera, Antonio Estévez, Omar Anzola, Luz María Charlita, Víctor Torrealba, Inca Zabala, y Samanta Moreno.

En esta colección merecen destacarse las pocas pero muy significativas obras de orfebrería, cerámica y dibujo. Obras que trascienden sus propios límites conceptuales para integrarse a lenguajes de otras expresiones plásticas y erguirse desde otros modos de expresión artística. Ya sea una orfebrería escultórica, un dibujo instado e intervenido y una cerámica que reclama su independencia volumétrica y su vocación escultórica. Alexis de la Sierra, Víctor Rodríguez y Miguel Ángel Millán dan expresividad a la orfebrería; mientras que Carmelo Galicia y María Pont lo hacen con la cerámica. El Dibujo se reinventa en la propuesta de Luis Noguera”.

Dar a conocer su obra es vital para los artistas. Con la revista Construarte ellos han sentido un respaldo que se reinventa cada vez que se celebra una nueva exposición, porque ha regido la continuidad (29/06/2011).-

Iconografías propias

2011-06-22T16:26:00.001-04:30

No conozco artista sin proyecto. Siempre tienen uno en mente y por eso el mundo gira de una manera más armoniosa. Músicos, actores, bailarines, escritores, magos, titiriteros y artistas plásticos tienen saltos hacia adelante, es decir, apenas terminan o antes de concluir una de sus últimas producciones, ya tienen en su cabeza varias cosas que sin duda concretarán de un momento a otro. Más pronto que tarde.

Por ello no es de extrañar que los artistas José Coronel y Ramón Belisario, principalmente, solos o en forma colectiva, estén en varias partes a la vez mostrando lo último que han elaborado a conciencia tanto para exposiciones nacionales como internacionales.

El pasado 27 de mayo en la Galería Internacional de Buenos Aires, Argentina, se inauguró la colectiva Creadores Contemporáneos de la Plástica Venezolana: Yobel Parra, Efraín Riera, Bruno García, Antonio Montes De Oca, José Coronel, Ramón Belisario, Rolando Quero y Enrique Lobo.

Una muestra capitalmente variada de hacedores venezolanos que llevan trabajando con bastante pasión y perseverancia desde hace más de veinte años. El mundo personal de los ocho artistas plásticos es una ventana de luces, de estéticas muy bien definidas que sin duda están siendo muy bien recibidas por el público de este país austral.

A la par de ello, hasta la próxima semana estará en la Universidad Metropolitana de Caracas, la exposición Percepciones del Espacio, también con los dos artistas mencionados, repitiendo también Rolando Quero, además de Alexander Martínez y Félix Perdomo.

Es una presentación que ha atraído a mucho público caraqueño no solo por el espacio que se ha convertido en una muy buena y ágil alternativa para el arte sino por la sinergia establecida entre el los espectadores, muchos de ellos estudiantes, y los mismos artistas.

Antes estuvieron, tanto Coronel como Belisario, entre los meses de abril y mayo 2011 en la Galería Freddy Villarroel, del Centro de Artes Omar Carreño de La Asunción, en Nueva Esparta, exhibiendo algunas de sus más recientes creaciones en la colectiva “De la Armonía y lo Diverso”.

La muestra incluyó 40 obras bidimensionales y tridimensionales de siete conocidos artistas plásticos venezolanos. Tres escultores y cuatro pintores para presentar una selecta gama heterogénea de la plástica venezolana.

Junto a la de nuestros artistas valencianos se presentaron los también reconocidos Enrique Lobo, Néstor Carrera, Edgar Guinand, Inca Zabala y Rafael Barrios.

Siempre es bueno leer lo que otros artistas escriben de sus homologos. En este caso agregamos el análisis del maestro Ramón Belisario sobre Coronel, porque es un aporte que contribuye a entender su obra, así como la de otros artistas:

“Desde el Principio de todas las cosas (Génesis, del 1 al 10), nada es estático ni perenne, todo lo que se mueve y existe bajo las leyes naturales se modifica, hasta el hombre mismo criatura de Dios experimenta esos cambios y como tal todo lo que existe bajo el dominio del hombre sufre igual modificación, es allí donde radica su semejanza con su creador en poder hacer y transformar lo creado; no menos es el Artista quien juega a veces a Dios en su corte creativa haciendo mundos imaginarios en el tiempo y el espacio.

José Coronel construye cosas inexistentes en el caos de la razón para hacer ver lo que antes no existía en el mundo real, sino, en los espacios creativos de su cosmos interior pensante; evolucionando desde el Génesis de la creación figurativa a un mundo mucho más mágico por sus formas, luz y colorido que logra mediante sus imágenes virtuales con el recurso tecnológico de la digitalización de la imagen abriendo la ventana de la imaginación creativa que trasciende más allá de la imagen, el tiempo y el espacio.

José Coronel después de haber experimentado en su proceso creativo las diferentes técnicas y disciplinas en las Artes Plásticas tales como, el Dibujo, la Pintura, la Escultura en sus diferentes materiales y comportamientos, el Artista incursiona una vez más en un nuevo lenguaje que hoy podríamos decir universal como es la Digitalización de la Imagen, donde el creador dispone de una Paleta de millones de colores y diferentes recursos y opciones de herramientas para crear su propio lenguaje.

Las obras realizadas en su más reciente creación artística corresponden a una expresión plástica cargada de mucho simbolismo donde el color, la figura y la luz juegan un papel importante como medio de expresión plástica que trasciende más allá del hecho creativo, lo cual sugiere un mundo mágico de figuras y formas fantásticas e interesantes, a la par de lo que acontece universalmente con el lenguaje plásticos de nuestros tiempos.

José Coronel representa uno de los valores plásticos contemporáneos de nuestra generación de creadores, que ha experimentado los diferentes medios de expresión que dispone el Artista de hoy, en la búsqueda de nuevos elementos que le permiten hacer su propia iconografía, elaborando sus obras cargadas de formas que sólo son de su origen creativo, partiendo de lo no existente a un mundo real y visible para el disfrute de los sentidos” (22/06/2011).-

Amarrarse las entrañas

2011-06-17T15:58:00.002-04:30

Fue en el Museo de Bellas Artes cuando descubrí que El Playón era blanco. Y me sorprendí. Tenía alrededor de ocho años y de la Escuela “Francisco Fajardo”, de Macuto, nos llevaron a todos los niños y niñas, de quinto grado, a ver la exposición permanente que allí mostraba lo mejor de nuestros pintores.

A la voz de “…obra de Reverón”, que debe haber dado una de las maestras, todos corrimos para ver algo del hombre que había vivido muy cerca de donde estudiábamos. Al castillete, aunque estaba a menos kilómetros que el museo de Caracas, nunca lo visitamos. Tal vez la soledad recogida allí no permitía visitas y la verdad es que cuando se pasaba frente a él se sentía algo de miedo y de respeto, a la vez.

Armando tenía que amarrarse las entrañas para pintar como tienen que vaciarse las vísceras los buenos creadores y sabios. Para ello tenía una especie de cinturón fabricado por sus propias manos, con cuerdas gruesas y lo que parecen haber sido conchas de mar muertas y toscas, para ponérselas al cinto, y poder dibujar lo que veían sus ojos, que no percibíamos el resto de las personas.

Frente a El Playón supe que había gente triste al ver al mar sin el azul. No me di cuenta, hasta muchos años después, que Reverón veía el exceso de luz que atraía el océano que se convierte en el blanco incandescente, evacuado por él a través de su conjugación perceptiva, con el ritmo latente de las olas, del viento, de la erosión magnífica del salitre, que a la par de vida; llama al desgaste de las energías.

Armando Reverón siempre ha sido una figura enigmática y escurridiza dentro de la plástica venezolana. Muchos críticos, pero sobre todo Juan Calzadilla han aportado certeras investigaciones sobre este creador.

Desde luego, la película de Diego Rísquez, “Reverón”, es un homenaje al ser humano que fue, pleno de dichas y contradicciones. Invalorable el trabajo de los actores principales (Luigi Sciamanna, como el pintor; y Sheila Monterola, como Juanita) quienes tienen un compromiso más allá de la mera actuación y ello se percibe en la calidez de la entrega.

La imagen poética del mar interrumpe en muchos momentos de la cinta porque es la misma subsistencia del artista. El no quiso quedarse en Caracas, Barcelona, Madrid o París; no fue para los Andes, no se fue a la ribera de un río; se fue al mar a reinventarse; a separarse de los hombres, de los cementerios como él llamaba a los museos, y de los mismos mercaderes del arte que hoy en día exhiben sus pintarrajeadas muñecas como prueba de que él no vendió su alma.

La cámara de Rísquez no se inventa la emotividad. Ella está allí, fresca, en la historia de este hombre con una parvedad pubiana ancestral; que necesitaba de la tierra para descargar su electricidad y sus heridas; su tribal abandono. Que requería del amor y del arte para salvarse, reconocimiento al que deberían acceder todos los seres humanos.

Por eso se murió cuando lo internaron en un sanatorio, diga lo que diga, la psiquiatría.

“Una mujer sin condición me dijo: sírvete de mí lo que quieras y tanto me serví que hoy nubla mi razón. No sé si vivo fuera o dentro de su corazón” compuso Juan Luis Guerra en la canción que lleva por titulo Sobremesa, y esa parece haber sido la vida para Reverón. Una razón nublada por momentos, demasiado inteligente, vale decir también, esquizoide, para incluso cualquier tiempo venezolano que delata conformismo más que valor y autenticidad.

Un buen acierto fue la banda sonora de la cinta Reverón, en la que el actor Luigi Sciamanna estuvo involucrado, en composición y en voz, como también fue co-autor del guión de esta verdad vuelta ficción, y viceversa; porque había que olvidar la muy magnifica canción de Alí Primera, el hombre sensible que lo entendió primero que muchos, bastantes años después; y nos lo dio a conocer a todos.

La canción de Primera se amanceba en la historia de Rísquez porque utilizaron el mismo retrato del hombre incomprendido, el genio más que el loco, el amor más que la envidia; la ternura, el juego, la actuación, los títeres; la comedia; por encima de las miserias humanas.

Él mecía un chinchorro para llegarle a un cuadro. Él ató un lienzo en la proa de una lancha. Él creo un nuevo expresionismo como ya lo han afirmado críticos y aunque nadie tampoco formalmente se lo haya reconocido. Sus etapas fueron más que el azul, el blanco, el sepia. Sus ciclos tuvieron voces y entrañas sometidas al hervor de su propio coraje.

Reverón buscó la vena de la uva de playa y le sacó a la palmera el suicidio que llevaba dentro. Llueve la brisa, llueve la aurora; llueve el mar hacia el sol; lo que llueve es la luz; estaba resplandeciente de vida. Y lo seguirá estando porque siempre podremos mirarlo (17/06/2011).-

Miriam Perales: Fuego desaguado

2011-06-10T11:05:00.000-04:30

Hoy domingo 15 de mayo, en las salas azul y verde del Museo de la Cultura, se inaugurará la exposición En Carne Propia de la artista Miriam Perales, una mujer que con mucha humildad, perseverancia y enorme dimensión plástica ha venido trabajando desde los años 90’ en el estado Carabobo

Todos los niños deberían ser llevados de la mano de gente motivadora a ver las exposiciones de los artistas locales, nacionales y del mundo porque en ese ver las obras se les abre el infinito universo de posibilidades que conserva la mente para entender que no solo es real la cotidianidad sino también lo que queramos hacer en la realidad más próxima.

Así como cuando la música y las palabras de un libro les abre los puentes a la imaginación, también escondida en las redes e interconexiones cerebrales, las pinturas, las esculturas, las propuestas en si de los que sueñan y se permiten hacer visibles sus expresiones internas, los llevan a entender que hay otros esfuerzos que buscan el camino de la felicidad.

Más que una retrospectiva a Perales le gusta llamar esta exposición “historia de vida” o “la más individual de mis individuales” porque justo allí ella está plena, mostrando un conjunto de obras en su mayoría inéditas, de gran formato, que comprenden el periodo de cuando trabajaba el cuerpo humano, los torsos, al hombre vivo caminando sobre la tierra, seduciendo y tomando todo su alrededor, con voraz apetito; mientras no ponía en equilibrio su cabeza, sus pensamientos; su verdadera misión en el planeta alterable que habita.

Los trazos de ese periodo del que se podrán apreciar un buen conjunto del total de setenta pinturas son sumamente fuertes. La energía vital de Miriam queda allí. Es imposible separar la obra de su piel y por ello es tan acertado el nombre que le da: Carne propia. Carne viva. Porque así sintió en su momento la pasión al soplo de describir con sus manos la desnudez latente, el sin sentido; el fuego desaguado; la ausencia de un desgarrado Dios a propósito.

Los espectadores podrán ver en la sala azul diez retratos (de los cuales seis son autorretratos); diez animales y dos paisajes; y en la verde los veintitrés cuerpos, rodeadas ambas, de una serie de 24 dibujos reversibles colgantes que se convierten en 48 obras que sin duda brindan un gran atractivo a los espacios, enormes de llenar porque requieren de propuestas tan sólidas como la de Miriam Perales.

Cinco instalaciones proporcionan y completan además esta gran muestra que pocas veces vemos en mujeres venezolanas. Una de ellas es un homenaje a Fernando Sosa, amigo con el que compartió muchos momentos y del que estuvo trabajando por un tiempo su retrato. En una especie de video-instalación se verán los momentos de esa inspiración con intertextos del Génesis.

Otra de las instalaciones es una mirada de afecto a otra gran artista latinoamericana, Ana Mendieta (1948-1985), tras veintiséis años de su desaparición física, artista cubana exilada en Estados Unidos, admirada por Perales justamente por sus inquietudes con el cuerpo y la fusión con la naturaleza, y sus trabajos tanto artísticos como con su propia piel registrados fotográficamente y en algunos videos.

En el texto del catalogo el poeta Carlos Ochoa invita de la siguiente forma a aproximarse a la obra de esta artista: “Desde sus primeros cantos de trabajo hasta la más reciente sinfonía plástica, la obra de Miriam Perales ha merecido los más encomiados elogios y reconocimientos. Esta muestra que recoge lo más significativo de su propuesta, es un suceso artístico que enriquece nuestro medio cultural.

Para adentrarse en el planteamiento de esta artista nacida en Caripito, estado Monagas, y formada en Valencia, es necesario realizar una breve acotación de la mano de la filosofía del arte contemporáneo, en relación a la idea que desarrolla la artista del concepto “mundo sensible”.

Cuando la percepción de la realidad como mundo o parte de él, surge de una fundamentación sensible, esta no se agota con “el algo percibido”, se sostiene indefinidamente en la dimensión subjetiva temporal del “yo psicológico” mientras éste exista. Esta subjetividad entendida como actividad espiritual expresiva, es esencial y determinante en la propuesta plástica de Miriam Perales”.

Colocamos así apenas la introducción de este sensible escritor que es Carlos Ochoa para explicar que Miriam sabe que este es un cierre a una etapa que apenas comienza como lo saben todos los que son llamados a convertirse en artistas.

Su obra actual ya no contiene ese gran formato, es más bien minimalista. De detalles. Como ella misma es. A lo largo de su trayectoria ha trabajado en silencio, a puertas cerradas. Se ha cuidado de no mostrarse mucho, a pesar de sus exposiciones, porque es el infatigable hacer el que manda sobre la mente, el corazón y las manos de todos los creadores. Eso también la ilumina en estas dos salas donde cuelgan sus más profundas expectaciones y también sus más dignas realizaciones

La muestra permanecerá hasta el 30 de junio (Notitarde, 15/05/2011, LECTURA TANGENTE).-

La urgencia de ponerse a hablar de eso

2011-06-09T15:54:00.001-04:30

Tres libros de la escritora Viviane Forrester (1925, París) han sido traducidos al castellano. Ha publicado muchos más pero los más polémicos son los que han logrado ser conocidos en nuestro idioma.

El horror económico (1997), ganador del Premio Medici en 1996; Una extraña dictadura (2000) y El crimen occidental (2008), pero ha escrito muchos más en su dinámica e inquieta vida cargada de las letras de ensayo y de ficción; además de la constante investigación con la que ha producido ideas plenas de lucidez, en un mundo que, como ella bien dijo en una entrevista, no quiere hablar de ciertos temas, mucho menos profundizar y tampoco llegar a la luminosidad de la evolución de acontecimientos que ya deberían estar superados.

Reconocida por sus ensayos acerca de las consecuencias del neoliberalismo y la globalización ha sido una constante invitada con foros mundiales sobre los grandes problemas de la humanidad. Es considerada experta en Vincent Van Gogh y Virginia Woolf.

Escribe crítica literaria en Le Monde y también es colaboradora de Le Nouvel Observateur y La Quinzaine Littéraire. En 1983 obtuvo el Premio Fémina Vacaresco por su libro Van Gogh o el entierro en los trigales y luego ha sido miembro del jurado de dicho premio.

Otras de sus obras: Ainsi des exilés (1970), Le Grand festin (1971), Virginia Woolf (1973), Le corps entier de Marigda (1975), Vestiges (1978), La violence du calme (1980), Le jeu des poignards (1985), Mains (1988), Ce soir, après la guerre (1992) y Mes passions de toujours. Van Gogh, Proust, Woolf, etc. (2005); Virginia Woolf (2009), Rue de Rivoli (2011) y Dans la fureur glaciale (2011).

Sus ideas no han perdido vigencia, catorce años después de su primera publicación que puso en la opinión pública. La economía sigue siendo la vergüenza y el horror que no se atreven a soltar los que cada día ambicionan más y nada les basta: aquí reproducimos parte de su fortaleza, las palabras bien usadas por alguien que no estudió economía pero si sabe, como todos, de la tan necesitada justicia social.

“Vivimos en medio de una falacia descomunal: un mundo desaparecido que nos empeñamos en no reconocer como tal y que se pretende perpetuar mediante políticas artificiales. Millones de destinos son destruidos, aniquilados por este anacronismo debido a estratagemas pertinaces destinadas a mantener con vida para siempre nuestro tabú más sagrado: el trabajo.

En efecto, disimulado bajo la forma perversa de "empleo", el trabajo constituye el cimiento de la civilización occidental, que reina en todo el planeta. Se confunde con ella hasta el punto de que, al mismo tiempo que se esfuma, nadie pone oficialmente en tela de juicio su arraigo, su realidad ni menos aún su necesidad. ¿Acaso no rige por principio la distribución y por consiguiente la supervivencia? La maraña de transacciones que derivan de él nos parece tan indiscutiblemente vital como la circulación de la sangre. Ahora bien, el trabajo, considerado nuestro motor natural, la regla del juego de nuestro tránsito hacia esos lugares extraños adonde todos iremos a parar, se ha vuelto hoy una entidad desprovista de contenido.

Nuestras concepciones del trabajo y por consiguiente del desempleo en torno de las cuales se desarrolla (o se pretende desarrollar) la política se han vuelto ilusorias, y nuestras luchas motivadas por ellas son tan alucinadas como la pelea de Don Quijote con sus molinos de viento. Pero nos formulamos siempre las mismas preguntas quiméricas para las cuales, como muchos saben, la única respuesta es el desastre de las vi- das devastadas por el silencio y de las cuales nadie recuerda que cada una representa un destino. Esas preguntas perimidas, aunque vanas y angustiantes, nos evitan una angustia peor: la de la desaparición de un mundo en el que aún era posible formularlas. Un mundo en el cual sus términos se basaban en la realidad. Más aún: eran la base de esa realidad. Un mundo cuyo clima aún se mezcla con nuestro aliento y al cual pertenecemos de manera visceral, ya sea porque obtuvimos beneficios en él, ya sea porque padecimos infortunios. Un mundo cuyos vestigios trituramos, ocupados como estamos en cerrar brechas, remendar el vacío, crear sustitutos en torno de un sistema no sólo hundido sino desaparecido.

¿Con qué ilusión nos hacen seguir administrando crisis al cabo de las cuales se supone que saldríamos de la pesadilla? ¿Cuándo tomaremos conciencia de que no hay una ni muchas crisis sino una mutación, no la de una sociedad sino la mutación brutal de toda una civilización? Vivimos una nueva era, pero no logramos visualizarla. No reconocemos, ni siquiera advertimos, que la era anterior terminó. Por consiguiente, no podemos elaborar el duelo por ella, pero dedicamos nuestros días a momificarla. A demostrar que está presente y activa, a la vez que respetamos los ritos de una dinámica ausente. ¿A qué se debe esta proyección de un mundo virtual, de una sociedad sonámbula devastada por problemas ficticios... cuando el único problema verdadero es que aquéllos ya no lo son sino que se han convertido en la norma de esta época a la vez inaugural y crepuscular que no reconocemos?” (09/06/2011).-

Tomado de http://es.scribd.com/doc/36480557/El-Horror-Economico-Viviane-Forrester

José Francisco

2011-06-02T15:29:00.000-04:30

Comenzaron a dragar el mar y José Francisco no daba crédito a lo que veía. Grandes maquinas, grandes recursos, enormes voluntades para domar lo indomable. Y la arena repetía siempre las aguas. Y las aguas se repetían en arena. Miró durante muchas horas el terco movimiento de los hombres intentando agrandar un boulevard. “Terco movimiento” repitió y se dijo para sus adentros, mientras echaba a la mar un anzuelo corto para pescar algún pez que se convertiría en pescado en la olla pequeña que tenía para prepararse apenas un caldo con algún ñame y plátano verde; cuando mucho una batata que siempre le gustaba porque agregaba dulce a su paladar que a veces pedía además de caldo la textura cremosa que proporcionaba el almidón.

Los huecos profundos empezaban a derretirse porque parecía un trabajo de tontos. Mientras más abrían menos se podía controlar aquella orilla, apenas unos centímetros de toda la titánica labor que tenían por delante.

Atrapó unos peces que los devolvió inmediatamente. Eran corronchos. No solo eran feos sino que al hervirlos soltaban un gusto amargo, aparte del olor que parecía nunca irse de las cuatro paredes en las que vivía, frente al mar, un poco alto en la montaña.

Buscó en el tobo otro pedacito de carnada y al colocarlo se acordó de cuando era un adolescente y el mar en un claro arrebato de furia hizo que se clavara el anzuelo. Desde ese entonces aprendió a lidiar con la corriente, agreste, demasiado concentrada en su trabajo, que le dio el aviso para nunca mas descuidarse. Apenas unos puntos y la vacuna en la rodilla por si acaso se le desarrollaba tétanos, fue todo lo que recordaba de aquel dispensario, de piso de granito, con polvo, con bastantes rastros de pisadas, que no terminaba nunca de mantener la asepsia necesaria.

Mientras se acomodaba el sombrero y pedía porque cayera un lorito, una palometa, algún palagar extraviado, un plomizo cataco o hasta una escurridiza picúa, veía como los hombres sacaban arena y agua, y se hundían; para volverse a postrar.

Esa necedad. Esa constante necedad.

Se le movió el hilo y se le escapó una presa. Los peces sienten más que los hombres y estaba demasiado cerca de los movimientos de las máquinas tratando de ganarle al mar. ¿Ganarle al mar? Tarde o temprano su fuerza indómita se iba a manifestar aunque a veces fingiera que vencían seres humanos.

No quería alejarse pero si aspiraba un pescado en su olla debía apartarse de allí. Parecía que iba a llover y le tenía tanto miedo a los rayos que deseaba, ese día, haber tenido una lata de comida para aderezar una pasta para satisfacer su apetito.

Caminó con su tobo liviano aspirando la fuerza honda el mar, su azul, sus ruidos. Sus piedras eran besos a sus pies, ásperos y ruidosos, como los primeros que recibió cuando era demasiado joven para entender que había sido seducido por una mujer que más nunca vio, que se desvaneció en la orilla.

Pero sirena no era. Fue una hembra del pueblo que seguramente estaba como él muchas veces estuvo después, buscando sin hallar, porque fueron capaces de ser ciegos a su realidad. Todo el amor del mundo fue por el conquistado y al final fue hábil para echarlo todo a perder. Varias veces.

“Como aquella palmerita”, dijo canturreando, “estoy erguido pero solito… erguido pero solito”. Se animaba mientras sonreía para sus adentros.

Vio la sombra de un cardumen pero estaba alejado de la orilla. Veía saltar lo que parecían sardinas, pero tal vez eran bonitos o catalanas retozándole a la vida, llamando a la muerte sin saber y sin querer. Vida soflama muerte.

Cuando se vio alejado de las obras volvió a echar el nylon atado apenas a una maderita que manejaba con destreza.

Cerca estaba el río que volvió a su cauce. Los hombres lo desviaron, hicieron todos los trabajos, apartaron todos los obstáculos, asesinaron árboles; quemaron motores. Pasaron cincuenta años. El río volvió a su cauce.

“Siendo tan inteligentes esos japoneses, ¿cómo se les ocurrió construir una central nuclear tan cerca del mar?”, pensaba y se preguntaba José Francisco, con la cara cubierta de sol y de salitre, mojada porque cada vez que podía echaba agua de mar a su piel, curtida, cansada, brillante, como luz de atardecer.

Picó un loro. Bello. Más verde que azul. No era tan grande pero tampoco pequeño. Se contentó para sus adentros y le pidió, a la postre, la bendición a la mar.

De regreso vio a los hombres en el mismo punto donde los había dejado. Un hueco que no era profundo, se había vuelto ancho; se había roto ya cientos de veces; y entre la frustración del grupo de trabajadores, vio que lo menos se habían metido a bañarse, pese los llamados amenazantes del capataz que no podía sacarlos del agua.

“Por lo menos la mar los calma y los perdona, y nos enseña, a todos por igual”, cavilaba José Francisco, a su paso, ligerito, hacia la montaña, donde el suculento sancocho se le iba acercando a su boca y le iba a desgranar el alma, una vez más (02/06/2011).-

Oswaldo Vigas: “Uno de mis orgullos es no estar de moda”

2011-05-30T16:39:00.002-04:30

El maestro Oswaldo Vigas (Valencia, estado Carabobo, Venezuela, 1926) esperaba sentado como un niño al aguardo de algo que va a suceder. Es decir, a duras penas, porque su espíritu siempre ha sido inquieto, entusiasta; demasiado energético y febril. Con la mirada todavía mas agudizada por los años quería responder con generosidad a las preguntas que sabía le formularían.

Estaba en su hogar que es un museo viviente. Rodeado de los mejores cuadros de sus amigos, producto del intercambio que siempre hacen entre si los artistas. Posee una colección personal y única, como solo puede tenerla un creador. A la par de ello ostenta una valiosa colección precolombina, otra de arte africano y una serie de estampas de arte japonés que sin duda brindan un sincretismo capaz de ir hacia los orillas de los ríos de la creatividad más asombrosa porque el valor de esas piezas posee también autonomía silente. Han sido parte de su motivación y hallazgo.

El pasado mes de abril inauguraron en Francia una gran retrospectiva de su obra, Oswaldo Vigas (1952 a 1993), a la que asistió su compañera de vida, Jeanine, quien trajo el catalogo que es mas bien un libro, con las fotografías de las 170 pinturas, dibujos y grabados expuestos en el Centro de Arte Villa Tamaris, en Seyne-Sur-Mer, ubicado en la Costa Azul francesa, entre Toulon y Cannes.

Oswaldo Vigas. Mérida-París-Caracas. Pinturas, es una exposición retrospectiva que abarca su trabajo temprano en un período que va de 1941 a 1952, pasando por la creación de Vigas durante su estadía en París desde 1953 hasta 1964 -el punto central de la exposición-, hasta incluir las obras más recientes de 1970 a 2010.

Repasando el libro fue mostrando las obras. Sobre todas las de los primeros años, las mas desconocidas en Venezuela, que revelan un pintor de colores polvorosos, haciendo rugir los lienzos desde perspectivas aún novedosas.

MPS: Observando el catalogo de esta retrospectiva uno ve los distintos estilos que usted ha trabajado… pareciese que usted los dejó a un lado y siguió su propio camino: ¿qué movimiento se arraigó más en usted?

OV: Tuve la suerte de que en ninguna de las ciudades en las que viví había escuelas de arte. Eso fue una suerte porque no tenia a nadie que me dijera tienes que ir por aquí o tienes que ir por allá. Yo fui por donde quise. No seguí a los que estaban haciendo “paisajitos”. Yo pasé directamente por una pintura imaginada y mas nada. Fantástica en cierto modo, sin escuela. Obtuve mi propia evolución y no se puede decir que haya sido así porque no se puede decir que es mejor lo que hago ahora que lo que hice antes. Son cosas diferentes. Inclusive tengo obras anteriores que son mejores que las actuales y tengo nuevas que son muy buenas también. Cada obra tiene su propia razón de ser y cada época también.

MPS: Pero eso responde a un análisis en el tiempo

OV: Cuando uno es honesto. Eso es muy importante. Honestidad y autenticidad. Si uno se sigue a uno mismo lo que hizo antes influirá en lo que haces ahora. Lo de ahora se apoya en lo de antes. Cada época va marcando su paso.

Hay artistas que de un día para otro dan un gran salto buscando estar de moda. Yo nunca estuve de moda.

MPS: ¿La ruta traza al artista o viceversa?

OV: Uno no tiene razones porque no hay explicaciones, el arte va por su cuenta. Lo que si existe y corresponde es la maduración de uno como artista, a la madurez; que se va haciendo muy lentamente, sin miedo. Porque si uno tiene miedo no hace tampoco, te quedas y de ahí no pasas.

MPS: Mucho se le pregunta sobre su amistad con Picasso…

OV: Nunca estuve pegado de Picasso. Estuve muy poco tiempo con él. Me pareció alguien sumamente cariñoso conmigo. Yo era un muchacho de “veinti” tantos años y el un hombre de setenta. Me vio como un hijo, seguramente. Tuvo una gran humildad conmigo que no la tenía con todo el mundo. Eso me conmovió a mí y seguramente me vio con cariño porque yo era como un hijo que se le presentaba. No tuve un seguimiento de su obra, la conozco como todo el mundo. Me interesé por su trabajo y me pareció genial. Pero hasta allí.

Picasso tenía una personalidad avasallante y había que apartarse porque sino uno se hubiese quedado en su órbita girando. Había que separarse. Lo mismo me pasó con Oswaldo Guayasamín.

MPS: ¿Cómo vincula su trabajo con los distintos materiales?

OV: Cada material requiere un tratamiento conveniente y apto para el. No puedo hacer en grabado lo que hago en pintura porque en grabado debo desarrollar una técnica y unas posibilidades distintas.

Mis últimos grabados son colografias, hay líneas hechas a base de polvo de herradura. Líneas cubiertas con material de cola y polvo de metal. Para todo eso tengo ayudantes. Para eso no hay que ser pichirres, hay que quererlos, pagarles bien y regalarles cosas.

Yo no soy pichirre con el trabajo, creo que uno tiene que entregar todo lo que pueda. También hay que pagar a otros que lo ayudan a uno porque uno apenas tiene dos manos y a veces se necesitan diez. Esos brazos suplementarios me los suministran los ayudantes que tengo. Siempre he tenido entre dos y cuatro ayudantes para darme abasto. Actualmente tengo solo tres nada más.

MPS: Ese sentido de estar rodeado de un gran museo, ¿cómo lo ha hecho sentir a lo largo de los años?

OV: Considero incomprensible que los artistas no se interesen por la obra de los demás. Los hay así y son buenos. A mi me interesan todas las obras de todos los artistas, los de ahora y los de antes también. Colecciono todo lo que puedo, por curiosidad y por avaricia. Todo lo que puedo agarrar lo tomo y lo guardo, en la mente o en una gaveta. Libros, manuscritos, grabados, pinturas; de todo. Todo me interesa.

A veces me digo, todo esto tiene que estar en un Museo. Las cosas que tengo no solo me pertenecen a mí, pertenecen a la cultura en general.

MPS: ¿Cuál es la diferencia entre el creador de 1942 y el actual?

OV: Soy el mismo. Lo que tengo es más información. Soy el mismo de cuando tenía 16 años. La diferencia es que ahora tengo mucha más información. Eso es todo. En lo fundamental es lo mismo. Mi obra comenzó en 1942 haciendo cosas que nadie hacía en Venezuela.

El arquitecto Alejandro Otero, contaba como anécdota que fue una vez a Guacara porque le dijeron que había “un muchacho que pintaba”. Cuando llegó al lugar salió el muchacho y le dijo: “No me venga a decir lo que tengo que hacer, porque yo hago lo que yo quiera”. Alejandro se reía y me decía “ese eras tú”.

Veo, por ejemplo, la obra de Alejandro Otero, y digo que es el pintor que ha tenido la personalidad más avasallante y más condiciones de pintor. Estaba bien dotado. ¿Y qué pasó con él?: Se puso a hacer “pendejaditas”. Cosas que se mueven con motores. Se fascinó por la tecnología y esa mentira de la cosa tecnológica que no tiene ningún interés, que es puramente ornamental; es arte menor.

Otero que era un pintor mayor y hacia arte mayor de pronto se puso a hacer arte menor; porque creyó que si se movía era mejor. No tiene nada que ver. La tecnología es una mentira en los artistas. Todo lo que pasa por la tecnología se convierte en arte decorativo y el arte decorativo es menor. No es arte mayor. La obra de Alejandro Otero, de artista mayor pasó a arte menor. Lo mismo ha ocurrido con otros por la fantasía venezolana de querer ser modernos. Aquí todo el mundo quiere ser moderno. Comenzando por los gobernantes. Los presidentes quieren ser modernos y desprecian lo que es antiguo, lo que es autentico, porque creen que vale más y no es así.

MPS: ¿Cómo afecta eso a los nuevos artistas?

OV: He estado leyendo la revista Artefacto y veo que hay una nueva generación de artistas que hacen cosas buenas y bellas, que son tan buenas como las del pasado; y no buscan tonterías, que es lo importante. No se dejan fascinar por novedades pasajeras, por modas. Lo que se pone de moda siempre se “demoda”. Uno de mis orgullos es no estar de moda. Nunca lo estuve y ahora tampoco. Le huyo a la moda. No me gusta.

MPS: ¿Cómo entonces vivió del arte en nuestra nación?

OV: Con cojones. A veces vendía un cuadro al año y seguía. A veces un cuadrito al mes. A veces dos o tres. Jamás he vendido un cuadro diario. Ni antes ni ahorita. Claro que hago muchas cosas. Si no vendo un cuadro vendo un grabado. Entre una cosa y otra uno va sobreviviendo.

MPS: ¿Cómo se siente cuando descubre las falsificaciones de obras suyas? Tiene como mas de cuarenta decomisadas y deben haber muchas mas…

OV: Eso es natural y normal. Me siento orgulloso de que me falsifiquen. Quiere decir que hay gente que quiere comprar cosas mías aunque sean falsas. Esa es la codicia. Se dice que la codicia rompe el saco. Gente que no puede comprar una obra mía y la consigue diez veces mas barata. Yo también he sido victima de comprar falsificaciones. Uno mismo se convence de que eso es autentico aunque sea falso. Entonces uno duda y termina cogiendo unos falsos, aun sabiendo.

Si a mí me falsifican tanto… ¿qué será de un Picasso?

MPS: ¿O un Dalí?

OV: Dalí no tanto. Porque está muy desprestigiado. Se falsifica lo que tiene valor. Dalí ha perdido valor precisamente por codicia, porque hacía grabados en millares de ejemplares, en planchas que reproducían industrialmente, para poderlas vender en el mundo entero.

MPS: ¿Se ha quedado con las ganas de ver culturalmente cosas en Venezuela?

OV: Venezuela ha dado un paso hacia atrás, en vez de hacia adelante. Más bien diría que ha dado varios pasos hacia atrás. Ya no hay museos. Se acabaron. Todo eso tiene que ver con la política del Estado. Una política educativa, una política cultural, una política económica. Son cosas separadas. Venezuela tiene ahora una muy mala política cultural porque las cosas se están viendo sólo con el interés político. Y político en el peor sentido de la palabra. Por eso no hay nada. Caracas que es lo más importante es un desierto. Hay dos otras galerías que se mantienen porque sus dueños las mantienen con sus trabajos.

MPS: ¿Brujas o curanderas?

OV: Ni lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario. La temática no es nada, la obra no tiene tema. Es la huella de mi mano. Puede ser una figura que sale, puede no ser nada; y sigue siendo mi obra. No es el tema lo que hace la obra, ni el tema abstracto o figurativo. La obra la hace la personalidad del artista. Su psique; su inconsciente colectivo, que sería todo el mundo. Si mi obra interesa más e porque hay más gene que la toca, y lo tocan por lo colectivo y eso es inconsciente. La gente dice “me gusta” pero no sabe por qué.

Ochenta y cuatro años tiene el maestro Vigas. Se sabe herido desde que sufrió un ACV hace seis años pero eso no lo ha conminado. Sigue dibujando. Sigue haciendo. Sigue disfrutando, riendo y llorando, porque los zarpazos hay que resistirlos con dignidad. Con la que le caracteriza, aunque por ser sincero en más de una oportunidad se ha buscado problemas o quizás ello le sacrificó oportunidades.

Pero ello no le borra la satisfacción porque ha hecho lo que ha querido y esa libertad lo ha convertido en un portento, el mismo que con mucha paciencia posa al fotógrafo y gusta de hacerlo; el mismo que mira con bastante ironía y complicidad; el mismo que muestra cada dibujo suyo con orgullo, aunque le falte color; porque este se lo dictará en su momento.

Y sus temas lo requieren siempre aunque sean distintos; brujas, desafiantes, temerarios. Siempre lo han necesitado para expresarse. Persistentemente Dios. Tercamente mortal (30/05/2011, Revista Artefacto).-

www.revista-artefacto.com.ve

Luz Marina Rojas: sortilegio natural

2011-05-27T16:23:00.000-04:30

Si algo caracteriza a Luz Marina Rojas es su temple al momento de asumir los retos que se le presentan por delante. Como artista siempre estuvo indagando como todos los que tienen dentro de si esa semilla innata de la creación. Esa simiente, quienes la sienten, saben que es intransigente y tirana, pero a la par, tolerante y plena de libertad. Esa bifurcación es la que invita a seguir buscando, ampliando horizontes, sin dejarse vencer por las dificultades.

De ese hallazgo, de cuando se ocupaba de indagar sobre la técnica de esmalte sobre metal, nació el trabajo más personal de Luz Marina Rojas. Sus piezas únicas reflejan el delicado encuentro de la piedra a la que raras veces interviene porque busca respetar las formas halladas para la estructuración bien sea de un collar, un anillo, unas pulseras u otras piezas que moldea con intuición y estética íntima.

Como permanente observadora de un equilibrio esencial y vital respeta las vetas de las piedras, apenas las roza cuando tiene que limarlas para que consigan engranarse en el metal y así va consiguiendo representaciones únicas y elegantes que escaparon de muchos rincones de la tierra para convertirse en obras de arte.

Es una labor minuciosa, concreta. Es la comunicación del artista con los materiales para gestar nuevas formas, colores y la utilización cónsona de los materiales para que brillen, se luzcan y penetren la piel de quien los lleve, en la búsqueda de esa armonía universal presentida.

Algunas de sus joyas son reversibles, de colores y simbología distintos por cada lado, dándoles una función completamente novedosa, aprovechando al máximo todo el trabajo detallista que ejecuta.

Rojas desde sus comienzos se supo valiente. No le tuvo miedo al trabajo. Trabajó ella misma la piedra que recolectaba en las canteras; recogió troncos de arboles donde los encontrara.

Su taller, ordenado y pulcro, ha estado revestido por el esfuerzo que muchos otros artistas se ahorran mandando a cortar maderas o partir enormes piedras, razón válida cuando se pueden tener ayudantes. Pero ella no ha querido necesitar este tipo de ayuda, ella ha sido razón del esfuerzo propio, conseguido con la pasión, porque sabe que en esa voluntad, se perfilan nuevas inspiraciones; hallazgos que la han ido llevando por el exitoso camino trazado.

De esta forma nacieron ensamblajes (resinas, piedras, madera) en el descubrimiento de esas formas tan suyas que la caracterizan al momento de hacer esculturas. De gran influencia surrealista que ha ido arraigándose hacia una tridimensionalidad más sencilla, un origen que se reencuentra, con un toque espiritual muy personal: el gran ojo esencia del todo cósmico, que muta su alrededor.

Rojas tiene una fuerza mística que se le escapa de su corazón.

A veces pule la piedra. Otras tantas las deja en estado original, como el anillo lapislázuli que posee encanto, sin la pulitura final que le hubiesen dado otros artistas. No quiere perder la fuerza de lo natural. Apenas la interviene con hilos de oro, plata o cobre.

Su emoción, palpable al momento de crear, también tiene el sello personal de construir hasta las mismas cadenas con que cuelga sus piezas. Como ya hemos dicho, ella no le teme al trabajo porque es su disfrute, fuego y pasión. Recompensa de hallazgo y transmutación (27/05/2011).-

Cuando está contenta

2011-05-26T15:23:00.004-04:30

Conozco a Donatella desde hace varios años y como ella misma se define “soy loca, loca, loca”. Siempre creí que eran exageraciones suyas pero lo cierto es que la otra tarde tuve que admitir su delirio. No es involuntario. Lo disfruta demasiado, por eso es que así como se habla de la “memoria selectiva” de los borrachos creo que en ella hay una especie de “locura electiva” de la que saca el mayor provecho.

Íbamos en su camioneta con una música estridente. Iba hablando emocionada del nuevo champú que acababa de comprarse. Mientras estaba pensando en preparar el almuerzo, tratando de acordarme qué había en el congelador ella tenía una aventura dispuesta. Me estaba llevando comer carne en vara. Por la ruta enrevesada que tomó para evitar las colas se remontó por una carretera nacional mientras me contaba que acababa de hacerse un nuevo tatuaje con las iniciales de su novio, en realidad ya es el tercero que se pinta “por amor”.

No pregunté dónde los tenía repartidos. No se le veían a pesar de tener la cintura, brazos y espalda al aire. No averigüé. Pero ella me lo dijo. Atendió varias llamadas por el camino y me puso a escribir mensajes desde su celular, ultima tecnología del que salieron unos cuantos disparates por no dominar el nuevo teclado, demasiado sensible al tacto.

Comenzó a hablarme de un nuevo tratamiento para las varices. Una mujer de treinta años con esas inquietudes, me decía yo para mis adentros, pero su cuerpo tiene las curvas recientes que le proporcionaron varias cirugías estéticas.

Me dijo que tenía ganas de irse a España a respaldar a los “Indignados”. Ya a esa altura del paisaje mojado y verde, mi cabeza decía “loca, loca, loca” pero la verdad es que me estaba distrayendo. Ella lo sabe y sigue con toda la gama de artificios para continuar riendo y divirtiéndose. Porque ella es la primera que se ríe de si misma.

Cuando llegamos al pueblo donde sirven la mejor carne en vara que conozco ya habíamos paseado por películas de moda, artistas, libros, su perra “Fifí” que tiene un pretendiente “horroroso”, según ella, y los traumas de los sobrevivientes de Vietnam. También el periodo de ciclones de EE. UU.

Al bajarme del vehículo casi iba a hacer como el Papa, pero la tierra estaba demasiado polvorosa. Todas las miradas se dirigieron hacia ella al entrar y al sentarnos en una mesa un poco alejada del resto sentí que estaba como distinta. Era la otra mujer que palpita en ella.

Me había agarrado por el brazo y se había puesto, de la nada, algo melancólica. Bajó el tono de voz y se puso a contar varios secretos. Me dijo que el lugar le recordaba a Patricio, su primer amor del que siempre me habla, porque lo conocí, y porque supe de la turbulencia que los acompañó mientras se resistieron al destino que era separarse.

Pedimos de todo. Me sorprendió porque siempre anda a dieta. Comió con un gusto que apenas daba crédito. Ella es de sushi pero poquito, de ensaladas y de vez en cuando escapes a un lugar que ella conoce y que le preparan una “chicharronada” de espanto y brinco. Nunca la he acompañado.

Estábamos un poco alejadas de nuestras casas y Donatella empezó a beber cervezas. Al tomar la primera no alcanza ver la última. Eso me puso en alerta.

Patricio. Los Indignados. Su odio a los gatos. El huevo de serpiente de Ingmar Bergman contra Fanny y Alexander también de este mismo autor sueco. Fifí enamorada de un “craqui” y la canción de Amanda Miguel “Él me mintió”.

Para el resto de las mesas que de vez en cuando nos observaban porque en realidad nos miraban las cuatro patas y no la gente, éramos un dúo de lo más especial: había un mimo y una muda. Donatella hacía el primer papel, yo el segundo, claro está.

Más bien estaba atragantada esperando tomar una pastilla para la indigestión porque mientras ella se sentía tan alborotada había comido de más y de paso debía manejar su camioneta, de regreso.

“Se me ensanchan los tatuajes si como mucho” me dijo en un ataque de risa.

Era imposible imaginarlo. Los tiene uno al lado del otro. En hilera. Los castiga cuando esta brava, no me pregunten con qué; y les echa crema cuando está contenta.

La verdad es que después de pasar varios días con la resaca de estar con Donatella me estuve preguntando el por qué ella era tan “loca, loca, loca” y no hallé explicación alguna.

La llamé para saber cómo estaba y me maulló como una gata. Estaba comprando pastillas para el dolor de las piernas tras haberse aplicado un tratamiento. Me dijo que me iba a dejar a “Fifí” para alejarla de las malas influencias. Le recordé que tengo dos gatas que la pueden dejar sin pelos pero ella maullaba e insistió porque se marcha a Madrid.

Vendrá con un nuevo tatuaje… eso es casi seguro… Y Algún que otro retoque en alguna parte de su piel… (26/05/2011).-

El tono Xingjian

2011-05-19T15:50:00.007-04:30

“¿Cómo encontrar, por último, un lenguaje puro y cristalino, musical, inmarcesible, más elevado que la melodía, más allá de los límites establecidos por la morfología y la sintaxis, sin distinción entre el objeto y el sujeto, que trascienda a las personas, se desembarace de la lógica, en constante desarrollo, que no recurra ni a las imágenes, ni a las metáforas, ni a las asociaciones de ideas ni a los símbolos? Un lenguaje que pudiera expresar enteramente los sufrimientos de la vida y el temor a la muerte, las penas y las alegrías, la soledad y el consuelo, la perplejidad y la espera, la vacilación y la determinación, la debilidad y el valor, los celos y el remordimiento, la calma, la impaciencia y la confianza en uno mismo, la generosidad y el tormento, la bondad y el odio, la piedad y el desánimo, la indiferencia y la paz, la villanía y la maldad, la nobleza y la crueldad, la ferocidad y la bondad, el entusiasmo y la frialdad, la impasibilidad, la sinceridad y la indecencia, la vanidad y la codicia, el desdén y el respeto, la jactancia y la duda, la modestia y el orgullo, la obstinación y la indignación, la aflicción y la vergüenza, la duda y el asombro, y la lasitud y la decrepitud y el intento perpetuo de comprender y no menos perpetuo de no comprender y la impotencia de no lograrlo”.

El anterior escrito es un fragmento de La Montaña del alma de Gao Xingjian, premio Nobel de Literatura del año 2000, publicado en Babelia (revista cultural del diario El País) en 2001.

Apenas la introducción a este articulo es una fuente que abre el universo de este hombre más cercano a su corazón después de la intensa vida que le ha tocado vivir.

Xingjian es un hombre que ha tenido tres vidas: primero como ciudadano chino en su país hasta que fue llevado a las instituciones reeducativas de las que pudo huir; como ciudadano exilado en Francia en la que era un oriental más y un tercer ciclo después de alcanzar la estatura del galardón concedido por la Academia sueca.

En una reciente entrevista concedida a la periodista Ima Sanchis, del diario catalán La Vanguardia habló con notable erudición sobre el ser humano. No es una mirada esperanzada porque no puede serlo. Se advierte desde el titulo que es "En la naturaleza humana habita el mal". Reproducimos algunas preguntas y sus muy precisas respuestas:

— ¿No cree usted en el ser humano?

— En la naturaleza humana habita el mal, el infierno no es sólo los otros, también está en uno mismo, y uno debe de ser consciente. La literatura juega este papel, despertar la conciencia. Hay que salir de los ismos.

— ¿Hacia dónde?

— Es esencial conocer la condición humana, saber que un verdugo no es el diablo, es un ser humano.

— ¿Cómo podemos cambiar?

— No podemos cambiar este mundo, sólo despertar a nivel individual la compasión y la conciencia, y ese es el papel de los artistas.

— ¿Qué palabras tienen más sentido para usted?

— La verdad es inmensa, pero la ley universal no se puede conocer. Esta sociedad humana no puede prever la guerra ni detenerla. La guerra es muy estúpida, pero hacemos la guerra. El mundo es estúpido, el hombre es estúpido, y hay que ser consciente de eso.

— ¿Sin remedio?

— Sólo nos queda controlarnos a nosotros mismos siendo lúcidos.

— ¿Usted es feliz?

— Sí.

— ¿Cómo puede ser feliz pensando que estamos abocados al desastre?

— Si uno no es consciente, es siempre desgraciado, si eres consciente tienes la posibilidad de cambiar y de ser feliz.

— ¿Cree en el amor?

— El amor no es una creencia, es un diálogo.

Estamos ante unas respuestas que no dejan dudas. Son cortadas por el bisturí de un escepticismo lúcido.

Sobre su novela en el blog Letras Libres, Christopher Domínguez Michael escribe:

“Bella, consciente de su naturaleza excesiva, La montaña del alma es una novela cuya retórica se apoya en la alternancia de los pronombres personales —yo, tú, ella— pues el autor rechaza violentamente el "nosotros", abuso del lenguaje que desvía al hombre de su camino. No hay salvación colectiva en Gao Xingjian y ni siquiera la universalidad del budismo le es simpática. Al narrador le tiene sin cuidado decepcionar al lector ansioso de esoterismo. Acercándose al Tíbet, el peregrino se detiene y, en una estampa taoísta, un viejo campesino, malhumorado junto al arroyo, le responde con una paradoja: la montaña del alma es un no-lugar, de localización imprecisa en el mapa. Esa cima se alcanza cada día. En el mejor de los casos, al recorrer China, el viajero cumple con la misión de buscarla.

Como en el poema de Cavafis, en La montaña del alma poco importa Ítaca, sino la voluntad de llegar a ella. El letrado regresa y al lector le es indiferente saber si la culminación de su viaje fue sueño o realidad: "Debo retornar entre los hombres, reencontrar el sol y el calor, la alegría, la multitud, el tumulto; cuales sean los tormentos que me hagan sufrir, son el soplo vital de la humanidad".

Borges dijo que el Premio Nobel servía para publicitar a escritores poco conocidos. En este caso, al escoger al novelista, dramaturgo y pintor chino, la Academia Sueca nos ha hecho un favor, premiando al autor de un libro formidable por su belleza y su simplicidad” (19/05/2011).-

Un arte sencillo y trascendental

2011-05-11T10:54:00.000-04:30

Un arte sencillo y trascendental

Cuatro carabobeños, José Antonio Rosales, Geczain Tovar, Isabel Falcón y José Rafael Rugeles obtuvieron premios y menciones de honor en la 8ª Bienal Nacional de Fotografía y Video-Arte organizada por la Alcaldía Girardot, del estado Aragua.

Participaron en esta oportunidad un total de 113 fotógrafos y especialistas en imagen de todo el país aunque fueron seleccionados treinta y cinco.

La responsabilidad de la selección estuvo a cargo del jurado conformado por los expertos Pedro Cruz, Mirla Soto y Frank Araujo; quienes después de una revisión exhaustiva de todas las imágenes y trabajos audiovisuales recibidos, seleccionaron el conjunto de obras que están siendo exhibidas en la Galería Municipal de Girardot. Son un total de treinta y cinco fotos enmarcadas de acuerdo a las bases establecidas y dos audiovisuales.

Los ganadores fueron: Premio Municipal de Fotografía Henrique Avril a la fotógrafa Irama Gómez, por su obra: Después del crepúsculo; Premio Municipal de Arte Antonio Pelusso también para Yajaira Paiva, por su obra: Virgen; Premio Municipio Girardot a José Antonio Rosales, por su obra: Se nos fue Alejandro; Premio Dirección de Relaciones Interinstitucionales y Prensa a Omaira Ochoa, por su obra: Familia parameña.

Por su parte la joven María Carolina Ferreira, mereció el Premio Fotógrafo Novel por su obra: Envueltos y en la modalidad de video – arte, el Premio Municipal fue adjudicado a Beatriz Rojas, por su obra: Sodoku.

De igual forma el Jurado consideró menciones de honor para Geczain Tovar, Gabriela Carrera, Isabel Falcón y José Rafael Rugeles.

José Antonio Rosales con la foto Se nos fue Alejandro quiso hacerle un homenaje al fotógrafo y profesor de la Universidad de Carabobo, Alejandro Robles, quien gozó de alta estima entre sus compañeros de labores y estudiantes por la generosidad brindada al momento de dejar conocimientos y experiencia. Su muerte acaecida a principios de este año causó tristeza, principalmente, en la Facultad de Educación y en los círculos culturales carabobeños donde era ampliamente conocido por su sensibilidad y calidad humana.

Geczain Tovar presentó un nuevo trabajo producto de su larga investigación sobre el infrarrojo; Isabel Falcón y José Rafael Rugeles dejaron la grata impresión del paisaje venezolano, lleno de luz, oscuridad y misterios.

Los premios otorgados consistieron en certificados de honor y aportes de 10 mil y 4 mil bolívares que se entregarán a los artistas, a excepción del Premio de la Dirección de Relaciones Interinstitucionales y Prensa que consiste en la impresión de 500 postales de las cuales 300 se entregan al artista ganador

Todos los premios son de carácter adquisitivo para la Alcaldía por lo que las obras pasaron a formar parte del Patrimonio Municipal.

La Comisión Organizadora de La 8ª Bienal Nacional de Fotografía, estuvo integrada por Pedro Bastidas Pedrá, alcalde del Municipio Girardot; la cantautora Yolanda Carmona – Hanoi, Directora de Cultura; Maricanchi Jaimes y el grupo de trabajadores del área cultural.

Hanoi resaltó que las obras fueron examinadas por el jurado cuyos miembros coincidieron en afirmar que se trataba de una muestra “analítica en la valoración de su calidad, que incluyó composición, colores, técnicas y selección de motivos”.

En relación a las dos propuestas del video - arte, se seleccionó aquella que se ajustó a las exigencias requeridas, en la que se prevaleció la presentación de imágenes con movimiento que narra, en cinco minutos, una coherente historia.

Señaló además que debido a la gran receptividad de la muestra, esta se mantendrá abierta al público más tiempo del que se había previsto inicialmente.

La 8ª Bienal Nacional de Fotografía del Municipio Girardot, en su labor por destacar la constancia y el trabajo creador de los fotógrafos a nivel nacional, rinde homenaje al fotógrafo Giuseppe Girlando y se unió a la celebración de la Gesta Independentista.

La fotografía es un arte que goza de gran aceptación por estar lleno de trascendencia, a la par de sencillez, en nuestros días. Imposible concebir un mundo sin imágenes.

Cargado de enorme competencia, la búsqueda de cada hombre y mujer detrás de la cámara es un asunto de principios y lealtad consigo mismo y el mundo que lo rodea. La imagen sigue diciendo lo que las palabras no pueden y logran revelar, con mayor o menor sutileza, lo que encuentran los ojos que saben observar a través del lente (Notitarde, 01/05/2011, Lectura Tangente).-

Leyenda de foto:

La imagen de José Antonio Rosales Se nos fue Alejandro

Masa y relleno

2011-05-06T16:14:00.024-04:30

Cayó toda redonda ella y al levantarse sabía que su redondez nada tenía que ver con la expresión ni tampoco con la forma del planeta. Más bien se sintió como alguno de los anillos de Saturno, con tirabuzones en la cintura que le impedían concretar tanto echarse como levantarse porque estuvo por un breve rato –tragicómico- intentándolo, en una especie de jugueteo con el suelo, nada elegante; mas bien penoso y sarcástico.

Por primera vez se mareó y nada tuvo que ver con sus pensamientos. Pero supo lo que era esa sensación por otros descrita hasta ese momento desconocida.

Quiso proyectarle la culpa a cualquier cosa menos a lo que era: se había caído, estaba sola; no se lo diría a sus hijos, para que no se preocuparan. Para eso tenía a la vecina aunque a esas horas de la mañana no estaba, porque siempre salía a buscar un par de empanadas en la esquina y la perra, hasta que llegara, no dejaba de ladrar.

Justo esos aullidos fueron los que la llevaron a la realidad. Eran las siete de la mañana. Tenía el típico frio acumulado en las rodillas que se le fue subiendo a las caderas tras caerse, porque si algo hay que estar seguro en esta vida es que el piso llega hasta los huesos, sobre todo en los más viejos.

Estuvo atenta a la puerta para sentir que llegaba Tomasa, su vecina de enfrente, que desde hacía rato venía regañando a Pirina, la perra que no aguantaba su ausencia.

“Muchos animales extrañan más que los hijos” se dijo para dentro pero sabía que era un pensamiento tan amargo como el café que se acababa de tomar, cerrero y sin azúcar.

Llamó a Tomasa, quien tenía cara de contenta, aburrida y regañona; las tres cosas a la vez. Cuando se vieron no pudieron ocultar esa cosa natural que las envolvía, la complicidad de saberse buenas y malas amigas también, cuando por alguna razón no se entendían y, entonces, se dejaban de ver por algunos días; para luego encontrarse como si nada hubiera ocurrido.

- ¿Qué te pasó mijita?, le preguntó Tomasa al verla

- Pues la verdad, pasa, pasa, que me tengo que sentar… es que me caí cuan redonda estoy al piso, apenas al despertarme e intentar ir al baño…

- ¿Te duele algo? ¿Te hiciste daño? Déjame traer a Pirina, para que se calme y nos deje hablar y conversemos mientras nos comemos éstas empanadas “mundiales” que me hizo Gertrudis para celebrar el Día de las Madres, por adelantado.

Cilia ni siquiera intentó levantarse. Esperó que llegara Tomasa con Pirina y ella misma cerrara la puerta. Aunque ya se sentía bien no quería arriesgarse a tener otra “baja” en su cuerpo y cabeza.

- Eso fue porque no comiste bien anoche… que te mareaste… Toma esta delicia… una empanada como la hacían en mi pueblo… carne molida con papas guisadas… me las regaló…

- Sí, ya sé, por el Día de las Madres… bueno tu eres su principal cliente…

- Veo que te estás recuperando Cilia… a pasos agigantados.

Rieron las dos mientras saboreaban masa y relleno. Estaba preparada con cariño y eso se sentía. Tuvieron que ponerle en un plato un poquito a la perra que no dejaba de “latir” frente a ellas.

- ¿Vas a llamar a tus hijos?

- No quiero preocuparlos… Ya sabes… Además ya me siento como si nada hubiese pasado…

- Pero es que a nosotras nunca nos pasa nada hasta que nos pasa y parecemos unas pasas…

Volvieron a reír mientras terminaban de comer, recalentar más café; tomárselo y lavar los “corotos” de una vez. Todo rápido y casi sin gastar ni agua ni jabón.

Ninguna quería celebrar el Día de las Madres. Tomasa todavía le dolían los pies del pasado año cuando la llevaron a comer a un restaurante y tuvieron que esperar alrededor de hora y media para que les dieran mesa, igual tiempo para que les sirvieran la comida y luego terminara la celebración en un parque para que los nietos se “desestresaran” de tanta espera.

La resuelta Cilia había cocinado ella misma su propio almuerzo y sólo pidió que le trajeran otras cosas: torta, ensalada, vino blanco y frutas. Pero igual estuvo un año arrepentida porque la casa llena le provocaba nervios y desazón.

- ¿Qué irán a inventar nuestros hijos este año? ¿Qué vas a hacer?

- Pues no lo sé, contestó Cilia. Espero no se aparezcan con una plancha… porque puede resultar alguien herido…

- ¿Será que nos habremos vuelto este año más amargadas? La verdad es que yo quisiera estar tranquila, con mi perra… pero se van a aparecer ya vas a ver…

Sí y habrá que soportarlo, siempre estoicamente. Hasta simulando lo que no queremos y lo que ellos quieren hacernos creer. Somos madres. Ellos hijos. Masa y relleno sin fin (06/05/2011).-

Fuerzas de transmisión

2011-04-30T12:25:00.000-04:30

Hasta este 3 de mayo estará en Venezuela, como desde hace más de 20 años nos visita anualmente, el Lama Ole Nydahl, quien dictará una conferencia pública en Caracas y el curso de phowa, que se trata de un conjunto de meditaciones para aprender a morir conscientemente.

El Lama Ole Nydahl llegó el pasado 27 y es uno de los pocos occidentales plenamente calificado como lama y maestro de meditación en la tradición budista Karma Kagyu.

Desde 1973, ha transmitido la bendición del linaje en una ciudad diferente casi cada día, viajando y enseñando por todo el mundo. La profundidad de sus conocimientos y enseñanzas dinámicas, inspiran a miles de personas en sus conferencias y retiros de meditación.

Desafiando los conceptos de las personas sobre la vida y enseñando el Budismo de una manera poco ortodoxa, Lama Ole ha sido una de las principales fuerzas de transmisión en traer el Budismo a Occidente.

Para la fecha ha fundado más de 600 centros de Budismo Camino del Diamante en 44 países alrededor del mundo. Su manera única de unir un estilo moderno con una sabiduría ancestral ha contribuido en crear el cuerpo más grande de estudiantes laicos que practican los métodos del Budismo Camino del Diamante en Occidente.

Ha escrito varios libros y de Las cosas como son presentamos el siguiente fragmento: “Así como las Cuatro Nobles Verdades fueron enseñadas en Sarnath, el Buda explicó las enseñanzas internas de la compasión y la sabiduría cerca de Rajgir, al norte de la India. Muchas de las enseñanzas del Camino del Diamante, que involucran el cuerpo, el habla y la mente, y que actúan profundamente sobre la naturaleza búdica inherente a todos los seres, fueron dadas cerca de allí, en Vaishali. Son conocidas sobre todo por sus métodos integrales y sumamente eficaces.

Con independencia del lugar y del tiempo, el Buda aprovechaba cada momento tan pronto lo visitaban personas excitantes llenas de vitalidad y alegría. Hubo entonces chispeantes encuentros en los que él les transmitía a ellos una experiencia de su mente intemporal. La estrecha cercanía de esos discípulos a la Iluminación y su capacidad de experimentar al Buda no como algo externo o separado de ellos los impulsaba de forma irresistible. Su fuerte devoción les posibilitó ver al Buda como un espejo para su propia mente y de esta forma apropiarse rápidamente de sus cualidades. Experimentaron el iluminador espacio consciente entre pensamientos, (el Gran Sello, en sánscrito: Mahamudra, que él enseñaba como su propia naturaleza verdadera), y así pudo establecerse libremente la riqueza de alegría y poder que venía creciendo en ellos a lo largo de muchas vidas.

La devoción tiene muchos aspectos, y aunque es tan útil cuando el maestro es responsable, puede conducir a resultados muy diferentes. Jomeini, Pol Pot, Hitler, Stalin y Mao produjeron sin duda alguna un sufrimiento interminable, pero sólo pudieron destruir tantas vidas y acabar violentamente con tanta felicidad porque personas ignorantes confiaron en ellos. Del otro lado, la devoción a quienes se constituyen en buenos ejemplos ayuda bastante a muchos. Puesto que las enseñanzas del Buda conducen más allá de toda dualidad, muchos seres se liberaron e iluminaron a lo largo de los siglos. Son incontables los que gracias a él llevan una vida significativa y consciente.

En los tiempos actuales de los atentados suicidas, es más importante que entonces entender el inmenso poder de estas emociones. La causa de la devoción es un reconocimiento: si uno se encuentra con algo que corresponde a su propia esencia, sin falta queda uno impresionado.

Finalmente, ¡uno ve el propio rostro! Para el resultado de la devoción es decisivo qué es lo que lo impresiona a uno. Los representantes de enseñanzas filantrópicas, por ejemplo, ayudan conscientemente a los seres a desarrollarse para el bien de todos. Quien confía en el espacio que le ha abierto la intrepidez de su maestro y aprovecha su riqueza en experiencias y métodos, tiene, acorde con la experiencia, un rápido ingreso a la Iluminación”.

Del Phowa Ole Nydahl dice lo siguiente: es una meditación que nos prepara para el momento de la muerte, es un ejemplo único para el uso práctico de los métodos en el budismo Tibetano. Mediante esta práctica, uno puede alcanzar la liberación en el momento de la muerte. En un curso de cinco días, uno experimenta en un campo protegido los primeros pasos de la propia muerte y pierde con esto el miedo a morir.

Las personas no familiarizadas con las enseñanzas budistas les puede parecer un poco extraño todo este tipo de cosas. Sin embargo ha habido mucha apertura hacia estos conocimientos y las visitas de Lama Ole son realmente concurridas y muy esperadas.

También se ha esparcido por Venezuela el mantra Om Mani Peme Hung, que recitaba el buda Ojos Amorosos, Chenrezi, en sánscrito: Avalokiteshvara.

Muchos lo usan porque se sienten bien, pero conocer su significado fortalece la influencia sobre el cuerpo, el habla y la mente. La vibración de la sílaba OM aleja el orgullo, MA los celos y la envidia, NI el apego, PE corta la ignorancia, ME disuelve la avaricia, y el HUNG, que hace vibrar la caja torácica, transforma la ira.

Contacto en Valencia: Myrella Levieux, teléfonos (241) 8721124 y (414) 3414548. Email: Valencia@diamondway-center.org

Tomado de http://www.budismocaminodeldiamante.org/

Vía Sacra en el Parque Negra Hipólita

2011-04-17T08:56:00.000-04:30

Muchas son las referencias sobre el vía crucis. Hay hombres y mujeres que entienden su existencia como el ciclo de estaciones que dividieron las últimas horas de la vida de Jesús de Nazaret. Etapas, obstáculos, padecimientos y aprendizajes forman parte de todo ese entendimiento que conforman algunos cursos de la existencia, unos más intensos, otros más relajados.

La cruz, signo utilizado por los primeros moradores de la tierra, incluso antes del catolicismo, significa atravesar; cruzar. En ese movimiento puede hallarse nuevo destino, continuar el anunciado o transformar el predestinado.

El símbolo de la cruz es fuerte e intenso, de múltiples significaciones y Jesús, de acuerdo con la historia plasmada en la biblia, tuvo un vía crucis doloroso, cargando sobre sus hombros la pesada madera atravesada con que iba a ser sacrificado.

Durante esta Semana Santa las numerosas personas que visitan el parque Negra Hipólita podrán observar a lo largo de las distintas caminerías quince obras de arte que capturan las diferentes pasos de las estaciones como parte de la exposición a cielo abierto llamada Paisaje, Pasión y Sagrado, organizada por el Grupo Artemusa

La muestra ya tuvo su antecedente y con nuevas obras se presenta para ésta, su segunda edición. Este proyecto expositivo nació dentro del grupo Artemusa en el año 2009, en reuniones realizadas en el taller Gala's, de Gabriela Láscaris.

Se concretó en el 2010, cuando se expuso por vez primera y fue el modo en que este grupo cultural encontró una dinámica capaz de integrar al gran público con sus artistas plásticos justo en una semana que muchos aprovechan para reflexionar, meditar, caminar, correr y compartir en familia dentro de este parque referencial para los numerosos habitantes de Valencia.

Con Paisaje, Pasión y Sagrado, el Grupo Artemusa presenta las quince estaciones de la Vía Sacra, contempladas en la reforma que realizara el papa Juan Pablo II, basadas en momentos del nuevo testamento.

Cada artista las interpreta con libertad, dejando fluir su sensibilidad y creatividad. De esta forma nace una exhibición temática con propuestas individuales.

Las diferentes técnicas y especialidades del arte empleadas para dar forma al sentir íntimo de cada artista se unificaron al imprimir sobre telas las obras elaboradas que cuentan con soportes de metal, en pendones de 2,40 metros de alto por un metro de ancho.

Del grupo Artemusa participan en la exposición María Esther Barbieri, Luisa Dunia, Anna Fioravanti, Maritza Góngora, Marlén La Rosa, Gabriela Láscaris, Manuela Moreira, Piera Reverón, María Helena Rodríguez, Natalia Procopovich y Tania Zambrano.

Como invitados nacionales y regionales significan la Vía Sacra 2011 Antonia Gamboa, Miriam Perales, Harry Schuster y Gustavo Zajac.

- Con Paisaje, Pasión y Sagrado buscamos, dijo Anna Fioravanti, dar forma e imagen a una propuesta simple y compleja a la vez. A través de la mirada de los autores se presentan las 15 estaciones de la Pasión de Cristo hasta su Resurrección, haciendo del espacio físico un emplazamiento real, toda vez que las propuestas estéticas rompen con la tradicional presentación de la obra en una galería o espacio expositivo cerrado; o en un recinto sagrado. Se involucra, de esta forma al espectador, haciendo de ese encuentro con el otro, parte de una experiencia donde la obra con su presencia emblemática se hace símbolo referencial. envuelta en el paisaje que la contiene.

De este modo, cada artista hace de su obra un lugar de encuentro íntimo al transmutar lo sagrado en la religión del alma. Así se adquiere una dimensión más humana pues totaliza su trabajo estético al entorno, lo que le permite ofrecer al espectador un nuevo sentido de lo reverenciado, y de este modo el Vía Crucis, en cada estación, se hace experiencia, recordatorio y nueva memoria de la misma concepción artística.

Por segundo año consecutivo contaron con el apoyo de la Fundación Cabriales. Tuvieron además la colaboración del padre Moisés, párroco de la Iglesia Inmaculado Corazón de María, El Viñedo.

Las obras de la exposición del vía crucis 2010 quedaron como patrimonio del Santuario Arquidiosesano de El Nazareno, parroquia Sagrada Familia en los Rastrojos (Cabudare, estado Lara), a través de las diligencias de los artistas Harry Schuster y Gustavo Zajac, quienes ese año, realizaban trabajos como restauradores allí.

Otro aplauso para los artistas y por el grupo de tenaces hacedoras de Artemusa. Se espera que permanezca esta muestra hasta finales de este abril y pueda extenderse un mes más (Notitarde, 17/04/2011, Lectura Tangente).-

José Antonio Barrios: Códigos de un vuelo común

2011-04-07T11:21:00.001-04:30

El sábado 26 se inauguró en Valencia una nueva sala de arte llamada Espacios Atenea donde se mostraran los trabajos de nuestros artistas y lo asumimos así, en la primera persona del limpísimo plural, porque con los creadores, los seres humanos conjugamos una natural conexión. Permanecerá hasta este 26 de abril.

Le ha tocado inaugurar esta sala al joven artista José Antonio Barrios, quien a pesar de sus cortos años y una buena luz de canas en sus cabellos posee el dinamismo, la efervescencia, la conectividad con todo lo que para el común pasa desapercibido y en sus manos se hace arte.

Con los años los artistas plásticos se crecen como en todas las artes. Pareciera que la creación es juventud eterna y por ello la virtuosidad va acumulando, con los años, su mayor alianza.

José Antonio Barrios es un experimentador. Todos sus pasos, desde muy joven, dedicados al arte lo han llevado, si bien a conocer las materias profundas con que trabaja, a deslastrarse del artificio e ir directo a la sencillez.

Son muchas las técnicas que domina pero la que le gusta presentar al gran publico tiene que ver con la necesidad de comprender, desde la sensatez, mas que de la moda, uno de los principios mas notables de la ecología que se funde al unísono: el respeto por todo ser viviente significa nuestra sobrevivencia.

Por ello en Empaques Furtivos vamos a encontrar la consecuente idea de este creador ante todo el conjunto de signos que giran y pasan a nuestro alrededor casi desapercibidos. Son retazos de madera que en muchos casos apenas interviene para colocar una o dos palabras, al derecho y al revés, con los símbolos que se repiten en los muelles y aeropuertos del mundo, circulando con una gran cantidad de envíos permitidos y de contrabando.

Son trozos perdidos, como el mismo ser humano, protegiendo lo banal, desperdiciando, por la ofuscada forma de llevar la vida hacia lo inhumano, el momento de reflexión, de conexión con la misma vitalidad del mundo y del universo.

Para ello está él allí. Para dialogar con nuevas formas y emerger avanzando en el cielo de las infinitas posibilidades del arte, multiplicadoras; llenas de hallazgos.

Se trata en todo caso de una propuesta recia. El elemento principal lo es y lo significa. El mundo no aguanta lo que somos aunque nunca puedan destronar la fe.

La fragilidad de lo que llevamos, de lo que arrastramos, de lo que comercializamos encara la paradoja de no saber qué hacer con tantos desechos, de entender que todo este tráfico si bien es como la sangre que corre por las venas, muchas veces puede sesgar vidas, permitir daños colaterales; alterar el mismo curso de la naturaleza.

Durante años se ha dedicado a dejar un mensaje claro con ese animal de crespa prehistórica que es la iguana. La tiene además dibujada en una paleta de las que usan los pintores, colgada en su estudio de trabajo: esa es su forma de decir que lo de él es cosa diferente, que lo único que lo llena en esa ávida búsqueda que hay en el alma de todo innovador, es el trabajo pensado, proyectado hacia un espectador que debe de alguna manera comprometerse a partir de esta nueva visión.

El tucán, la iguana, las toninas, los monos y todas las llamadas especies exóticas renuevan su mensaje de inofensividad y belleza dentro de esta propuesta plena de sentido común.

El código de barras sólo lo leen las máquinas. Pero en esta propuesta están las alas de este vuelo doloroso de libertad que agudiza la sensibilidad de los sentidos. Si los hombres y mujeres del planeta seguimos atentando contra todo lo vivo apenas dejaremos el frágil sinsentido de nuestra travesía.

Espacios Atenea celebra la vida inaugurando sus puertas con el talento de José Antonio Barrios quien una vez más sella lo que ya sabemos de los artistas venezolanos: les brota creatividad.

La sala de exposiciones, al mejor estilo parisino, pequeña y muy confortable, plena de la sencillez, tiene en su dueño, Domingo De Lucía, el mejor colaborador de los artistas puesto que a lo largo del tiempo su tarea ha sido y sigue siendo de apoyo hacia todos, además de tener una obra propia tras una investigación de más de 25 años sobre el color.

Dirección: avenida Bolívar Norte, Centro Comercial Tonino, local 112-23, al lado de la sede de la Cámara de Comercio.

Convicción vencedora

2011-04-03T11:43:00.001-04:30

Muchos filósofos son de la creencia que la realidad no humana es tan insoportable que el ser humano solo puede tolerarla por la redes del lenguaje. Uno de ellos es José Manuel Briceño Guerrero quien en su ensayo El tesaracto y la tetractis (Oscar Todtmann editores, 2002), con el anagrama de Jonuel Brigue, entre otras muchas cosas de las que escribe, señala la referida premisa con particular precisión.

Hoy en día se demuestra lo anterior en la cotidianidad. Los apagones eléctricos (nacidos por espontaneidad o por emergencia) pueden descubrir a las personas, dependientes de la tecnología y de las llamadas redes sociales y hasta de los teléfonos celulares, que pueden sentirse muy mal en la oscura soledad (doble tanda), y aunque en el pasado las velas unían y hasta podían mejorar la creatividad de las narraciones de muchos escritores, la necesidad, irreal, de estar conectados a esa realidad virtual, hace padecer a más de algún corazón, desasistido en alma y espíritu.

Lo cierto es que el ser humano inventa miles de asuntos. Impresionante es ver el mundo de las estampitas, por ejemplo.

El libro Un Curso de milagros habla de dos grandes verdades, el amor y el miedo; y sobre la realidad dice que desde el mismo momento que es juzgada no puede verse, porque hay que abandonar todos los juicios de valor para poder percibir lo que es real.

Amor y miedo. Si todo lo anterior es cierto, unos verán que el amor es el que dirige el mundo y otros dirán que el miedo en forma de venganza, guerra, envidia, zancadillas y todo el conjunto de cosas feas que a diario ocurren por doquier, son los dominantes.

Porque la amplitud del amor, quizás, es tan grande e infinita, que no todos tengamos la capacidad de verlo, en la estrechez cotidiana, que se hace pequeña aunque sea enorme en conquistas y sueños.

Pero el cosmos de las estampitas es formidable. Aquí en Venezuela o en México las tramas de la esperanza son abrasadoras. Los santos se multiplican en fe y en milagros, y aunque los precios sean módicos, las ventas descubren la cantidad, el enorme deseo de contrarrestar la realidad a fuerza de santos y oraciones portentosas.

Porque en todo caso es el amor lo que guía a los hombres y mujeres que piden, sean buenos, sean malos; se merezcan o no lo que están viviendo. Piden con devoción, muchos creyendo, otros medio creyendo, algunos soportados por la fe de otros. Y toda esa energía humana creó una realidad que los escépticos toman para decir que el hombre “con su imaginación” fue capaz de inventar al mismo Dios.

Lo que si es cierto y observando el mundo como va es que las muchas realidades que han ido formándose o que cada quien inventa para si o su cómodo o incómodo “alrededor”, terminan por imposibilitarse de ver y reconocer las luces que simultáneamente nacen por doquier.

Dada la condición de creadores y dioses, de los cielos y de los infiernos, a los que vamos por la vida muchas veces sin conciencia de la frecuencia con que se visitan, del subir y del bajar, para usar la nomenclatura tradicional, los límites parecen dominar la escena. Los avances son muchos pero no conocemos suficiente al universo que se nos ha mostrado distante y espectacular, aunque vengamos de su mismo polvo de estrellas.

En una película como “El rito”, donde el personaje del padre Lucas lleva con bastante normalidad su consumada tarea de exorcizar, trabajo nada sencillo que aparte de unas cuantas oraciones de gran poder tiene que contener una valiente e intrínseca condición espiritual, es “atacado” en un momento de debilidad, cuando la fe cae por las circunstancias vividas, y se hace débil para un enemigo dotado de oscuridad.

El trazo existencial de este padre católico, Lucas, la lucha de dios contra el otro que no voy a nombrar, el bien y el mal, vaticinan el final, porque para suerte nuestra esas personas que escribieron la biblia con bastante contundencia, expresaron que “el bien siempre triunfará ante el mal”. Esta realidad, gracias al Altísimo, superará la fuerza de todo lo que venga. Esa es la convicción que vence. Esa es la máxima inspiradora.

Pero hay gente que construye realidades a la inversa, pero ahí lo dejamos, porque forma parte de un intraducible dominio de pérdida. Y allí muchos recaen e insisten. Esa, su realidad, tiene, como todo, consecuencias, a veces, hasta un tanto irreales, porque el mundo de los fenómenos, también fue creado.

Por otra parte está el personaje con quienes muchos podrán identificarse, el seminarista Novak, atrapado en una aparente y consistente falta de fe: ésta es un don, aunque digan que es otro invento los que no la sienten. La buena noticia es que puede cultivarse.

Lo cierto es que el innombrable reconoce el infierno de cada quien. No está ni arriba ni debajo de acuerdo a esta historia inspirada en hechos reales. Está en la mente: el dolor guardado y no superado; en la rabia e ira contenida; en la prepotencia y pueden agregarse la lista de los pecados capitales. Que se resumen en siete pero son más.

Cada quien en su rito va haciendo su propia realidad. Como no debe juzgarse ni amputarse con limitadas percepciones queda decir que las estampitas son maravillosas si construyen la protección necesaria y que los pensamientos de Jonuel Brigue siguen siendo vivarachos y bulliciosos, como cuando se juega en la infancia al sentido de los mecanismos de la existencia (Notitarde, 03/04/2011, Lectura Tangente).-

Dicha implanificada

2011-03-27T11:55:00.001-04:30

Mucho de lo que yo sé se lo debo a este fogón, se dijo para sus adentros la abuela Aurelia, mientras insistía en acomodar uno de los leños que buscaba separarse del resto, formando diminutas oleadas de chispas que ella iba domando con el brazo diestro e irreflexivo como los mismos movimientos del fuego que rodeaba la vieja y metálica olla ennegrecida.

Miró hacia un lado y vio a su perra echada en una pequeña alfombra. La gata persa estaba colocada cual florero en la mesa sin inmutarse. Sabía que sus movimientos eran distintos, iban acompasados de la edad, aunque ella era ágil y consecuente con la juventud que aún le proporcionaba el aire, pero ninguna de estas razones bastaban para que aceptara el regalo que desde hacia tiempo le querían hacer sus hijos y nietos: una cocina nueva.

Era cierto que al entrar a la casa y ver en el medio de ella el fogón ennegrecido el aspecto era desolador, sobre todo para los que vivían con más abundancia y en la capital, pero la lucha llevaba, que ella recordara, más de quince años y, ella, no había permitido, el cambio.

Sus ojos fallaban y decían que era por causa del humo. Cualquier cosa era consecuencia de otra. Lo que ella conocía de los seres humanos y de sí misma era lo que ella denominaba volteretas existenciales: somos capaces de invertir cualquier cosa si en algo depende nuestra sobrevivencia.

No quería dejar el pueblo. No quería dejar la casa. Su mundo era ese viento cambiante y en perfecta mudanza que la llevaba a lugares maravillosos como el aroma que acababa de sentir, un olor conocido, a hombre caballeroso y gentil, perfumado en aguas, conquistado y deseoso de conquistar.

Se sonrió para sus adentros. Jamás estaba sola. La idea de la soledad que tienen algunos es un pretexto más para sentirse infelices en esta dicha implanificada que es la vida.

El aroma como había llegado se había disipado rápido. Apenas el aliento de un espíritu. Si la vida es corta y queda casi todo por hacer, a pesar de lo mucho que se hace, esos instantes que duraban tan poco eran grifo alimentador del alma de Aurelia, sudada de humo y del almizcle noble de la madera.

Salió, perseguida por sus animales, buscó la bata que tenía aireando y se fue camino al río. Sabía de las constantes predicciones hechas por familiares y amigos de ir sola hacia zona pero llevaba más de sesenta años haciéndolo. No había por qué acortar el placer de ver la vida a sus anchas, todos los días, allí.

El sol estaba jugando desde hacía rato al escondido. La sensación del frío le daba cierto brío de libertad. Fue entonces cuando se acordó de buscar a Francisco y Roser, cercanos a su casa, que la acompañaban en buena parte de los días, tanto en sus excursiones diarias como para la calle donde estaban algunos negocios con los que abastecerse.

Los encontró riendo. Habían encontrado un orificio por donde había entrado algún bicho fuerte y vigoroso que se había llevado una de las gallinas ponedoras del corral y mientras tejían de nuevo el alambre para evitar otras fugas, Roser se había enredado con uno de los tubos y cayó de tal forma, que quedó desnuda, porque el vestido jamás quiso separarse de la púa, por lo que tuvo que cruzar hacia la casa queriéndose tapar lo que no podía mientras Francisco hacía escaso esfuerzo por ocultar la desnudez de su mujer.

Sabía Aurelia de estos disfrutes en pareja. De todo, era lo que a veces mas extrañaba, pero se sabía dueña de su universo, el que no permitía, transformaran sus hijos, a causa de la modernidad.

Camino al río iban serenos y tranquilos. El aire segúia trayendo el aroma de madera de naranjo quemándose y, nuevamente, ella, llegado al afluente, sentía el perfume de aguas, que tanta emoción le causaba, turbación cargada de dicha, porque ya sabía cómo convertirla en ramo de transformaciones.

A Roser le dolían las caderas de la caída pero reía todavía de la caída. Francisco tenía la cara más pícara de costumbre. ¡Cuánto poder tiene un cuerpo desnudo!, se decía a sí misma Aurelia, disfrutando también de la anécdota.

Cuerpos jóvenes, cuerpos viejos. Al fin y al cabo no importa mientras sean parte de ese regocijo que deben tener células y poros cuando se entregan a las aguas, a la paz, al viento (Notitarde, 27/03/2011, Lectura Tangente).-

Botón y ojal

2011-03-20T11:40:00.003-04:30

“Cuando el viento trae olor a muerte es mejor que te mantengas alerta, distante y colmada como si fueras la criatura más bendecida de este planeta”, decía hace ya mucho tiempo nuestra nana, la mujer más frágil y fuerte, a la vez, que haya conocido.

Blanca, de baja estatura, siempre con unas batas impecablemente planchadas, oliendo a fragancias dulces y vigorosas, ella siempre tenía una tela en sus manos, junto a un centímetro y las mil ideas que le iban de la cabeza a los pies. Porque caminaba mucho en esa casa que no era suya, porque siempre lo recordaba, ya que la de ella había quedado en el tiempo, perdida, en una isla a la que esperaba algún día regresar.

No le gustaban los días de lluvia y la verdad es que cerca del mar, el gris parece una tensa masa de hojalata que va comiéndose todos los anhelos. Tenía ojos claros y cuando se le ponían color plomo algo no andaba bien en su cabeza. Le aparecían fantasmas del pasado, turbias sensaciones de las que ella, parlanchina por naturaleza, no le gustaba hablar.

Vivió en India. No saboreaba recordar aquellos tiempos en los que muy joven estuvo trabajando para una antigua organización europea que ayudaba a los más débiles. Todavía recordaba la tortura de ir casi descalza por calles llenas de hambrientos, pisando una tierra demasiado seca, dócil, contaminada de subdesarrollo y desencanto.

Fue allí donde se enamoró de las telas, la enorme industria que allí crecía, con pobreza en los alrededores e hilos de oro, enriqueciendo el placer de unos pocos. Pero era joven, terca e ingobernable.

La vida le dio azarosas vueltas y ella siempre corrió en la cresta de la ola. Era una mujer viva, dinámica; capaz de conseguir lo más difícil; lo inaudito.

Después de esa experiencia “en la colosal nación de la pobreza” vino a vivir a una de las islas del Caribe y hasta donde sé fue inmensamente feliz. Se enamoró, tuvo sus hijos, con sellos de dos culturas nada frecuentes, pero ella supo como ir amasando la hiel de la incompatibilidad que siempre tuvo con la familia del abuelo. Había allí demasiada rabia ancestral y aunque el optimismo jamás se lo vencieron ella abandonó, a los años, cuando ya inclusive tenía nietos, el hogar frente a la playa, para venirse a Venezuela donde tenía una familia a la que poco conocía.

Fue en ese momento cuando entró en nuestras vidas.

Siempre que la veía tenía la impresión de estar frente a una religiosa. Lo era. A su manera.

Se levantaba muy temprano. Hacía ejercicios metafísicos. Tomaba avena muy caliente aderezada con canela en rama. Era ese olor el que despertaba. Comía muy poco y dormía mucho.

Inmediatamente se ponía a trabajar frente a la máquina de coser. Se las ingeniaba para que alguien, cualquiera que visitara la casa, le comprara telas, siempre de algodón, casi siempre blancas; nunca la vi con materiales oscuros. Tenía muchas facetas frente a su trabajo, era afanosa y muy productiva.

En uno de sus tantos viajes había estado en Japón. Había conocido de cerca a sobrevivientes de Hiroshima y Nagasaki. Sintió el terrible dolor insospechado, temible, sordo y desplazante de ese poder desatado contra unos pescadores absortos y bucólicos frente al enorme océano al que iban una y otra vez, diariamente.

Aprendió a no dejarse vencer por las emociones. Por ello fue, vino y regresó de cuantas experiencias le tenía deparado el destino. Nunca se quejó:

“Después de ver hombres derretidos, soy muy poca cosa para impresionarme”, dijo una vez que estaba melancólica y adolorida de las piernas.

¿Hombres derretidos? Como el mismo hierro de un parque de niños, que quedó inútil para el juego, alerta para el recuerdo de esa colosal furia desatada contra inocentes; en nombre de la guerra de los hombres. Monumento de turistas.

Ella tenía un temblor en el cuerpo que me asustaba. Siempre lo relacioné con la bomba nuclear, aunque ella no estuvo en ese país mucho tiempo.

Su supervivencia siempre estuvo relacionada con el mar y la muerte. Ella un día me lo dijo creyendo que no la entendía, por la edad y porque creía que era poca la atención que le prestaba, pero ella era capullo en mi mente; de niña; y después de adolescente.

Ella se marchó de nuevo a su isla caribeña. Allí murió. Está enterrada en un cementerio holandés. Antes de marcharse se despidió con bastante ternura. Me dedicó una semana en la que me habló de muchas cosas, me dio consejos que apenas entendí y otros que aprisioné en mi conciencia.

Ella tuvo con la muerte el mismo trato con que se hace un ojal y luego se inserta el botón. Así lo sentí cuando por primera vez me habló de Japón y asistí a su entierro, una tarde de lluvia, en esa isla que más nunca volví a visitar (Notitarde, 20/03/2011, Lectura Tangente).-

En deuda

2011-03-13T11:33:00.002-04:30

No había la menor duda. Allí estaba una mujer con cara de diabla. No solo era así porque se veía a través del televisor era porque el programa está dedicado a su personalidad. Por lo que creí comprender es que ella ha buscado, ahorrado, pagado (y sufrido, con sincero y admirable deseo) ser así.

No voy a criticar. Hemos conocido tantos seres humanos a lo largo de los años que no necesariamente parecen diablos pero lo son, que el asunto de la imagen queda relegado en segundo plano. Debería, pero es un poco difícil porque el ¿arte? de hacer de esta mujer esa imagen de lo que está dibujado como demoniaco a lo largo de la historia es como para asimilarlo de a poquito.

Después que uno la ve además teniendo una vida normal, llevando a sus niños a la escuela, tratando de conversar afablemente con las madres de los compañeros de sus hijos, pues la cosa empieza a quedar en suspense.

Pero ella en ningún momento se ve como una caricatura, ni se ve mala o demoniaca; solo parece eso: un mito creado que va caminando, o desandando; lo que es lo mismo que deshaciéndose y, ciertamente, de ahora en adelante y a partir de todas estas personas con estos gustos “estéticos”; se van a tener que inventar otros rostros para fijar la semblanza del mal o de los seres deseosos de viajar por la ranura o sepultura de los infiernos.

Porque además esa mujer que ha construido ser una atracción ambulante uno se la imagina nada más que en un estudio de televisión o en un circo, pero la cosa no es tan sencilla ni debe tomarse con tan frívola jocosidad.

Aceptamos payasos a diario en nuestras vidas porque se han quitado los disfraces de la noche. El asunto es que ella no se puede deshacer de esa nueva piel e inclusive la nueva temperatura que tienen sus ojos de corte lagartijal y su lengua bífida que si llegara a captar las sustancias químicas que las serpientes intuyen del ambiente, creo que esta mujer, de gustos extravagantes, sufriría mucho, sobre todo si coexiste en México, porque no se muy bien donde vive.

Pero el zapping de la globalidad es ancho y ajeno como diría Ciro Alegría si estuviera en estos tiempos. Por ello es que bajamos (o subimos, como prefieran) de su rostro al del cachorro del vientre de una leona, al traje de Lady Gaga y nos tenemos que aguantar hasta el cansancio que lo que predomine sea el vacio, el chisme, el negocio fácil, los falsos héroes, las simuladas poses, la inquisitiva necesidad de hacernos a nosotros mismos poco auténticos y predecibles.

¡Eso es lo que hay porque además de lo que vende decido que es lo que te gusta!, dicen los amos de las industrias del show y del negocio mediático y así estamos buscando cada vez más y mas, como los deportistas, que por reventar marcas olímpicas terminan suicidándose o lesionándose para toda la vida.

¡Alguna vez alguien tendrá la sensatez en el mundo del deporte de premiar la calidad del deportista más que la milésima marca de los dichosos cronómetros de la competitividad, desleales e injustos con el cuerpo humano!

Pero si hablamos de autenticidad y nos sofoca el ser humano que lleva siglos aferrándose a ser lo que no es, bien podría decir alguien por allí que entonces la propuesta de esta mujer que asusta, es original. No lo voy a discutir. Es complejo este asunto y la imagen según este cacharro llamado televisor lo es todo.

Usted vale lo suyo si usted es esclavo de las marcas y por allí tenemos una generación light considerada por especialistas como un cáncer social.

Además de las apoteósicas firmas que exhiben lo que los millones de ciudadanos comunes y corrientes no pueden adquirir o les costará mucho comprar aún trabajando toda una vida, usted ve las modas de lo que es fácil y resulta. Ya lo había mencionado: los programas de comida.

¡Cuanta esclavitud y cuanto desperdicio en una rutina que cientos de millones ni siquiera tienen!

Después de esta experiencia televisiva dentro de ese programa que han denominado Tabú si se pasa para una de estas telenovelas criollas pues la decepción es bastante grande. No se terminan de coordinar los guiones, se saltan y matan personajes; y actrices secundarias pasan a protagonizar porque han logrado colarse en el corazón de los escritores. ¡Ejemplo de juventudes! Y además el personaje hasta se pasea en cuñas publicitarias de manos de la actriz que lo lleva.

Arriba y abajo el pasatiempo del zapping. Sólo vale cuando se está enfermo o ciertos racimos de vejez acompañan a los más mayores que requieren de estas distracciones. Este medio de comunicación masiva sigue estando en deuda con la humanidad, sigue haciendo daño a los niños y adolescentes que con bastante dificultad se les enseña valores, en sociedades ambiguas, distractoras, embriagadas de insolidaridad y sin razón (Notitarde, 13/03/2011, Lectura Tagente)

Bosquejo de sensaciones

2011-03-06T11:38:00.001-04:30

¡Llegaron los duraznos! Tuvieron una aparición en la mesa de la cocina, cuadrada, de seis puestos. En horas de la tarde venía la gran degustación. Como a las cuatro, a mamá se la veía pelando la fruta apetitosa y entregando las semillas para chuparlas y así poder terminar de romper la poca carne que quedaba adherida a ella.

Pero eso no era lo mejor. Había que tener paciencia.

Después de colocarlos en un plato de una manera más o menos uniforme, los cubría de vino tinto y les echaba azúcar. Había que esperar unos eternos veinte minutos antes de llevarse toda esa sensación de sabores a la boca y después salir a la calle a jugar, a patinar por sobre todas las cosas.

Era como una especie de regalo que algunas tardes teníamos los cuatro hermanos, la delicia era poca, había que repartirla aunque mamá se quedaba solo saboreando las conchas a las que también las había “emborrachado” en alcohol.

Otros días la sorpresa se disparaba hacia unos frutos raros y hermosos a la vez: eran casi redondos, blancos, con algunas pintas echando hacia un marrón tenue o rosado. Eran los hicacos que traía el señor Luis, que recogía el mismo con sus manos, envueltos en una bolsa de papel. Su sabor era como de algodón dulce, carnoso y áspero.

Mamá no sabía hacer dulce de hicacos y la señora María le enseñó. Se volvía el néctar color rubí intenso y poco duraba guardado en la nevera.

Otra fruta que traía el señor Luis era la lechosa. Cortada en pedazos, una vez limpia, se le agregaban apenas unas gotas de limón y la sacudida en las papilas gustativas era extraordinaria. Se sentía una conjunción de energías dispares.

Con razón, los cuatro, jugamos aquellas tardes tan llenas de lo inexistente, sin estrés, convirtiendo las calles en canchas, apartándonos cuando pasaba algún vehículo.

Aunque mamá nos regañaba nos colgamos de los árboles en busca de almendrones. Las tres matas de en frente de la casa los daba grandes y dulces-ácidos a la vez. Después los dejamos en un rincón a que se secaran con el sol y dedicábamos un día a romperlos con unas piedras para sacarle la almendra que tienen adentro. Eran sabores maravillosos.

Detrás de la quinta de Armando, un vecino que sólo venía los fines de semana, había también una fruta sumamente acida que le decían grosella, una especie de cerezo agrio, que cuando lo mordíamos los dientes parecían ponerse de punta. Al igual que el hicaco lo disfrutábamos también en dulce y el color que ofrecía una vez cocinado con el almíbar era rojo, empalagante y turbio. Creaba adicción.

El señor Luis siempre venía acompañado de su burro. Era un animal tan viejo y manso como él. Le tenía unos sacos a los lados porque debía subir la montaña, donde tenía su pequeño conuco, lejos del pueblo; en lo alto.

Tenía unos lentes muy gruesos porque los ojos le fallaban. Sus manos eran grandes de tanto haberlas puesto al servicio de la tierra. Una de las últimas veces que lo vi, trajo tres piñas, pequeñas “pero dulcitas”, dijo, con cierta picardía.

“No veré mucho pero si me atraviesa un medio en el piso, no lo pelo”, dijo mientras soltaba una amplia risotada en el que mostraba unos dientes grandes, disparejos, medio ocultos, bajo el bigotón desordenado, canoso que lucía.

Pocos borricos quedaban ya en la zona, desde que habían pavimentado las calles, porque antes, frente a la bodega de Anselmo llegaban todos los campesinos, ataban los asnos, compraban insumos mientras bebían cervezas, y el grupo de animales, animados tal vez por la compañía y porque eran amplia mayoría frente a los perros, comenzaban a rebuznar, con fuerza y gran sentido rítmico.

Mi hermana, ejercitando desde entonces el humor ácido que la caracteriza, ya en aquella época, al oírlos decía que habían llegado “los amigos” de nuestros hermanos y nos echábamos a reír.

Pensados todos estos bosquejos de sensaciones y percepciones de la infancia, podemos afirmar dos cosas: las frutas despertaron tantos estremecimientos en los sentidos que fueron maestras de vida en la sencillez y purificación de las entrañas.

Lo segundo es que algunos hombres y mujeres actúan como los burros: cuando están en grupo actúan con mayor fuerza. Para bien o para mal.

A la postre, comprendimos, que el vino, tomado con mucha moderación, da fuego al alma y mejora siempre todas las cosas (Notitarde, 06/03/2011, Lectura Tangente).-

Julio Le Parc: Me satisface mi actitud de experimentar

2011-03-03T15:13:00.000-04:30

Julio Le Parc abre la puerta. Da un paso atrás, retirándose un poco para poder hacer una reverencia, quitarse la boina, bailarla frente a su rostro y pecho y volvérsela a colocar, muy rápidamente, como un caballero o un actor que intenta sacar el mayor provecho de la sorpresa y la sonrisa, ante un saludo de antaño.

Se encontraba en su privilegiado espacio, un edificio de tres pisos que conforma su estudio taller, que aunque separado, está unido a su hogar, a unos pasos de él, con un amplio jardín y plaza interna, donde vive con su familia. Todo el conjunto le pertenece aunque el permanece con la sencillez y distinción que le caracteriza.

Vestido con elegancia, de bata azul oscuro, tipo médico, especie de uniforme de trabajo, muy limpia y perfectamente planchada, guardaba en el bolsillo izquierdo un conjunto de bolígrafos, lápices y marcadores.

Sus ojos claros son escudriñadores y no lucen cansados: buscaron con agilidad imperceptible y serena, la mejor respuesta dentro del humor ácido e inteligente que parece dominarlo en todas sus observaciones.

No era para menos. Estuvimos ante el gran maestro que es.

MPS: Después de haber hecho tanto trabajo, con la profundidad, con la forma, ¿cómo se siente más cómodo en estos momentos?

JLP: Mas o menos como siempre. Sigo en esa actitud de experimentación y de búsqueda, de las cosas que imagino me puedan gustar, analizo los resultados y encuentro cosas que de alguna manera me satisfacen y que estaban imprevistas.

Trabajando, mezclando los implementos y combinando elementos que a veces no resultan en el papel pero que derivan en otra cosa.

MPS: Del trabajo con el color, de esa batalla frente a él durante tantos años, ¿qué ha encontrado?

JLP: Utilizo diversos parámetros. Utilizo esquemas muy simples, mezclo y utilizo formas rigurosas en el emplazamiento de los colores. Superpongo representaciones geométricas, rombos, y organizo unos aspectos caóticos que dan todo el conjunto creativo, que contrastan con la rigidez del principio.

MPS: ¿Y la estética?

JLP: La estética la agrega quien mira una obra.

MPS: Fondo y forma: ¿Cuál de las dos?

JLP: Es una situación de ambivalencia. Puede transformarse. El fondo puede ser forma y la forma fondo. Mi búsqueda más bien es empírica, porque cuando era joven nos enseñaron muchas cosas que cuando las poníamos en práctica no encontrábamos los mismos resultados. Las teorías del color, las teorías de la buena forma, de la sección áurea; no eran necesarias tenerlas en cuenta al momento de trabajar; en muchos casos molestaban. Mi trabajo fue haciéndose observando resultados en las pequeñas formas que inicié.

No sirve de nada un tratado de geometría o de ilusiones ópticas para encontrar un motivo de trabajo. Un motivo de trabajo puede encontrarse en cualquier lugar.

MPS: ¿Cada día para usted es un nuevo descubrimiento o tiene la pesadez de haberlo experimentado todo?

JLP: Lo que me satisface es haber mantenido esa actitud de experimentación y si hay cambios no me preocupa. Para un galerista o director de museos es más cómodo tratar con un artista que tiene un estilo determinado. Poseo estilos que no tienen nada que ver el uno con el otro. En el fondo, para mi, hay un punto conductor que es esa actitud de experimentar.

MPS: ¿Cómo se siente más cómodo al momento de trabajar, teniendo en cuenta la ayuda tecnológica que tienen los artistas hoy en día?

JLP: He tratado siempre de llevar la relación entre el esfuerzo hecho y el resultado. Si hay que poner mucho esfuerzo para lograr algo que al final no va cónsono con mi deseo o al que debo dedicarle demasiado tiempo, me detengo y estudio muy bien el resultado. La relación con las nuevas tecnologías tampoco es muy grande en el caso mío. Puedo dibujar, hacer una pequeña maqueta que puedo dominar muy fácilmente con mis dedos a una escala. Posteriormente, en un taller pueden finalizarla al tamaño que se proyectó, pero hay que tomar en cuenta que entre el primer bosquejo y la obra final hay una gran diferencia.

Puedo colocar en mi dibujo inicial un puntito de color y su presencia variará, después, cuando alguien esté frente a un cuadro de otra dimensión. Será más fuerte.

MPS: ¿Visualiza sus obras siempre primero en papel?

JLP: Sí. Después hago pruebas si tengo algún material que se aproxima a lo que deseo hacer. Si es de luces hago ensayos con proyectores de luz, midiendo la distancia.

MPS: Si vamos hacia una retrospectiva del pasado y evaluamos todo lo alcanzado hasta ahora, todos los manifiestos que se generaron para crear cambios… ¿qué diferencia encuentra usted dentro del movimiento artístico?

JLP: Tenia un conocimiento normal de lo que sucedía en Buenos Aires cuando estaba allá y luego lo tuve cuando vine aquí, visitando galerías, museos y escuelas, para unir esa vivencia real con el pasado de la historia del arte, que uno había idealizado en muchos aspectos por haber venido de un país de América Latina. Una vez eso superado no existía ninguna preocupación de hacer algo novedoso porque fuera novedoso, sino de trabajar con esos elementos y con lo uno podía ir soñando e imaginando, pensando que detrás de uno había un artista como todos lo que antes nos habían precedido.

MPS: ¿Por qué ahora no hay manifiestos como los que proliferaron en los años 60’ y 70’?

JLP: A mí me parece que lo que uno podía denunciar en esos años fue tan fuerte que apabulla a los jóvenes artistas y los deja impotentes cuando un millonario decide lo que es o no arte. Buscará que le toque la suerte de ser seleccionado o distinguido por alguien que le de un valor comercial que se va transformara en un valor artístico; en reconocimiento. El sistema de valoración del artista en aquellos tiempos era un poco doméstico ahora se hace a escala comercial, compleja dinámica que determina cual es el arte y cuáles son los grandes artistas.

MPS: ¿Y eso es bueno o malo, a su juicio?

JLP: Pésimo. Porque no hay confrontación, no hay posibilidad de reflexión. No hay un intercambio entre el artista y la gente.

En Caracas, en 1978, Julio Le Parc prestó sus ideas para la colección de Cuadernos de Arte, editado por la Dirección de Cultura de la Universidad del Zulia, y a una serie de interrogantes concluyó:

“En arte, en el mejor de los casos, sólo aceptan aquello que es el reflejo de su situación y que les ayuda a mantenerse en el poder, es decir, un arte que acrecienta la pasividad y dependencia, un arte que exporta modelos estéticos, inofensivos, un arte que debe inscribirse en el sistema de la oferta y la demanda. Desnaturalizan así la creatividad y consideran al artista como alguien a su servicio, al cual se puede alienar como al resto de la gente.

Tal vez podría afirmar que el verdadero espíritu latinoamericano en arte, es la creación autentica, acompañada de una actitud acorde con ella. Esta actitud creativa en arte correspondería a la creatividad de un pueblo que aún enajenado, continuamente inventa nuevas formas de lucha para combatir la represión, para destruir opresores y crear nuevas formas de convivencias. Sería una actitud creativa en arte, aquella que ayude de una manera u otra a sobrevivir o a vivir, a romper los esquemas mentales, a eliminar el condicionamiento ideológico, la pasividad, la sumisión, el miedo, que haga sentir la posibilidad de un futuro diferente”.

Unas ideas vigentes. Todavía sensatas. Todavía en experimentación (03/03/2011, publicado en la revista Artefacto).-